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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807510871

商品编码：29867285957

丛书名： 合奏与指挥

开本：16开

出版时间：2007-12-01

 

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目录

前言 
导言 
合奏篇 
第I章管乐 
第I节沿革与发展概况 
第二节管乐团队的基本编制、座位图与主要乐器音域表 
第二章民族管弦乐 
第I节沿革与发展概况 
第二节民乐团队的基本编制、座位图与主要乐器音域表 
第三章交响乐 
第I节沿革与发展概况 
第二节中小型交响乐团的基本编制、座位图与主要乐器音域表 
第四章乐团初建后的工作流程 
第I节训练 
第二节排练 
第三节演出 
第五章其他乐器组合 
指挥篇 
第I章指挥的基本条件 
第二章指挥的基本常识 
第I节基础知识 
第二节指挥棒的拿法及其用途 
第三节指挥动作的活动范围 
第三章指挥的基本技术 
第I节基本图式 
第二节基本动作 
第三节预备动作 
第四节收束动作 
第四章指挥动作的变化 
第I节渐快、渐慢与突快、突慢 
第二节渐强、渐弱与突强、突弱 
第三节主动拍与被动拍 
第四节拍子的省略与细分 
第五节双手的分工与配合 
第五章暗示性动作 
第I节前臂动作的暗示 
第二节腕部动作的暗示 
第三节手指动作的暗示 
第四节中断性的暗示动作 
第六章指挥的基本手段 
第I节动作 
第二节眼神 
第三节语言 
合奏与指挥篇 
第I章管乐与指挥 
第I节熟悉管乐器性能 
第二节了解管乐的创作规律 
第三节了解挥拍技法的异同 
第二章民乐与指挥 
第I节熟悉民乐声部的特点 
第二节排练与磨合 
第三节总谱与分谱 
第三章交响乐与指挥 
第I节熟悉作品 
第二节熟悉作曲家 
第三节排练 
第四章总谱的准备 
第I节分析作品 
第二节关注细节 
第三节总谱的阅读 
助学篇 
第I章克服常见的毛病 
第二章学习与提高 
第三章几个值得注意的问题 
第I节节拍点的处理 
第二节分句与呼吸 
第三节演奏规格与默契配合 
第四节音乐上的推动力与演奏上的惯性力 
第五节演奏上的艺术性与炫技性 
第四章“专用语"或“谚语”解析

编辑推荐

    当前，我国大、中、小学及各类民间演奏团队呈现一派繁荣景象，尤其是管乐团、民族乐团、交响乐团这三大类，数量之多、规模之大、水平之高是前所未有的。因此，培养乐队指挥满足校园及社会合奏团队的需要几乎是刻不容缓的关键所在。本教程是以合奏指挥的基础理论、基本技术为基点，从实用的角度出发，以初学者或已担任指挥但基本功和经验仍然欠缺的普通高等学校学生(也适用于社会各界爱好者)为对象。通过系统的学习，掌握指挥的基本功，提高专业指挥技能，达到培养合格指挥人才的目的，以适应社会需要。

 

 

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好的，这里为您提供一份关于其他音乐理论书籍的详细简介，内容不涉及您提到的《正版合奏与指挥教程 音乐理论书籍 全国普通高等学校科专业教材》： --- 《和声学导论：从基础到应用》 内容概述 本书旨在为音乐初学者和进阶学习者提供一套系统、严谨而又富有启发性的和声学学习指南。它不仅仅是一部理论手册，更是一本引导读者理解音乐“骨架”与“血肉”的实用工具书。全书结构清晰，从最基本的音级关系、调性概念入手，逐步深入到复杂的和弦连接、转调技巧以及特定的风格和声应用。 第一部分：基础音响与调性体系 本部分是构建和声学知识的基石。我们首先回顾了十二平均律的物理基础，并详细阐述了以大调、小调为核心的自然音阶、调式音阶的构建。重点讲解了和声的最小单位——和弦的构成，包括三和弦的性质、转位及其在旋律中的功能性作用。特别强调了功能和声学（Functional Harmony）的基本概念，如主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）这三大核心功能及其相互间的动力关系。 第二部分：功能和声的深化与扩展 进入第二部分，我们将深入探讨和声进行中的复杂性和色彩变化。内容涵盖了如何有效地进行和弦的连接，包括如何避免平行五八度等传统禁忌，以及如何利用经过和弦、延留音等装饰性手法丰富和声织体。 七和弦的应用： 详细解析了属七和弦、大七和弦、小七和弦的构建及其在终止式中的决定性作用。同时，本书也探讨了导七和弦和减七和弦在制造张力和转调中的关键地位。 和声的色彩变化： 介绍了增和弦、挂留和弦（Sus和弦）以及九和弦、十一和弦、十三和弦等延伸和弦的内涵与外延，使学习者能够把握古典到浪漫主义时期和声色彩的微妙转变。 转调技巧： 提供了从近关系调到远关系调的系统转调方法，包括常用属七和弦转调法、共同和弦转调法等，确保学习者能自如地在不同调性之间穿梭，拓宽作品的音乐空间。 第三部分：特殊和声现象与风格分析 在掌握了基础功能和声后，本书引导读者接触更具挑战性的音乐语言。 非功能性和声： 讨论了印象主义音乐中常用的平行和弦进行、全音阶和声以及十二音体系的初步概念，展示了和声语言如何从强调功能性转向强调音响色彩本身。 巴洛克与古典时期的织体： 结合大量的实例分析，对比了复调音乐（如赋格）与主调音乐中和声的不同处理方式，特别是对固定低音（Basso Continuo）的演奏和写作进行了深入剖析。 练习与实践： 书中包含了大量的听辨练习、和声写作题以及对经典乐曲（如巴赫、莫扎特、贝多芬的作品片段）的和声分析实例，旨在将理论知识切实转化为演奏、创作和分析的能力。 本书特色： 本书的编写理念侧重于“理解驱动应用”。每一理论点的阐述都紧密结合音乐实例，避免枯燥的公式堆砌。大量精选的乐谱片段不仅具有历史代表性，更便于学生进行视觉和听觉的同步训练。清晰的图表和详细的分析步骤，使得复杂的和声进行也能被拆解得条理分明。 适用对象： 音乐学院、师范院校音乐学（理论、作曲、演奏方向）的本科生、研究生，以及所有希望系统提升自身和声理解能力的音乐爱好者和专业人士。 --- 《二十世纪音乐：从勋伯格到极简主义》 内容概述 本书是一部全面而深入的二十世纪音乐分析导论，旨在弥合传统音乐史教学与当代音乐实践之间的鸿沟。它并非仅仅罗列作曲家的名字和作品，而是聚焦于音乐语言在剧变时代（约1900年至1970年代）所经历的根本性重构，以及这些变革背后的哲学与社会动因。 第一部分：现代主义的黎明与调性的瓦解 本章探讨了新世纪之交音乐家们对瓦格纳晚期和声的“过度使用”所产生的反动。 印象主义与象征主义： 重点分析了德彪西和拉威尔如何通过使用五声音阶、全音阶以及对传统和声功能性的模糊化，创造出流动、非指向性的音响景观。 表现主义与无调性： 详细梳理了勋伯格如何从自由无调性走向系统的十二音体系（Dodecaphony）。本书提供了十二音矩阵的构建方法、音组的变形（倒影、逆行、逆行倒影）的严谨操作指南，并分析了《月之被宠的皮埃罗》等代表作的内在逻辑。 斯特拉文斯基的“原始主义”： 探讨了《春之祭》中如何通过非对称的节奏、多调性叠加（Polytonality）以及对传统调性的碎片化引用，实现音乐语言的革命性突破。 第二部分：新古典主义与序列音乐的发展 在经历了调性瓦解的阵痛后，音乐家们开始探索新的组织原则。 新古典主义的回归与重构： 分析了巴赫、莫扎特等前人形式被重新采纳的现象，以及如何在继承古典结构的同时，注入现代的音响色彩（如科波兰的运用）。 序列主义的深化： 重点解析了第二维也纳乐派（特别是韦伯恩）如何将十二音原则扩展到节奏、力度和音色领域，形成“总体序列主义”（Total Serialism）。本书详细解析了其对结构、声部密度和空间布局的精细控制。 中欧以外的探索： 考察了布列兹在巴黎的序列主义实践，以及他如何运用复杂的数学模型来控制音乐的演变过程。 第三部分：音色、空间与新领域 后序列主义时代，音乐的关注点从“音高组织”转向了“听觉体验”的各个维度。 电子音乐的兴起： 追溯了从具体音乐（Musique Concrète，如香农的作品）到纯电子音乐（如施托克豪森的早期作品）的发展脉络，讨论了磁带技术如何打破了传统乐器演奏的限制。 偶然音乐与开放形式： 深入分析了约翰·凯奇的哲学思想，特别是“机遇”在创作过程中的作用。详细解读了开放式记谱法、乐谱的“不确定性”对演奏者和听众带来的全新体验。 极简主义的复兴： 探讨了美国作曲家如赖利、史蒂夫·莱克等如何通过重复、渐变（Phase Shifting）和限制性的材料，回归到一种更直观、更侧重持续时间的听觉体验，作为对前卫复杂的对抗。 本书特色： 本书结构采用“技术演变史”的叙事方式，确保读者能清晰地追踪每一种新技术的诞生和演变路径。每个章节都配有大量精确的乐谱示例，便于读者对照阅读和分析。我们尤其注重将音乐技术变革置于两次世界大战、技术飞跃等社会历史背景下进行考察，力求提供一个立体化的二十世纪音乐图景。 适用对象： 音乐史、音乐分析、作曲专业的高年级本科生和研究生，以及对现当代音乐有深度学习需求的专业人士。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和插图也值得称赞。在学习这种需要大量视觉辅助的学科时，清晰的图表和合理的留白至关重要。这本书的字体选择既古典又不失现代感，阅读起来非常舒适，即使长时间盯着复杂的谱例分析也不会感到眼睛疲劳。特别是书中那些关于“呼吸标记”和“意图性停顿”的示意图，绘制得极其精确，每一个细微的身体角度变化都清晰可见。而且，装帧质量也非常棒，拿在手里沉甸甸的，一看就是精心制作的学术用书。对于需要携带去排练厅或者音乐会现场的读者来说，它的耐用性也很有保障。总而言之，这本书不仅在内容深度上达到了专业教材的水准，在用户体验上也做到了极致的考量，真正体现了出版方对音乐教育事业的尊重和投入。它完全配得上被誉为音乐理论学习的经典参考书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计非常巧妙，它不像一些理论书籍那样堆砌术语，而是采用了循序渐进的方式，非常适合自学或者作为课堂补充教材。我第一次拿到书时，只是随便翻了翻，但很快就被它的内容所吸引。它对于和声学在管弦乐配器中的应用，讲解得尤为细致。比如，书中用具体的乐段实例展示了如何通过调整低音声部的进行来改变整个和声的厚度和色彩，这比单纯背诵和声规则要直观和实用得多。对于那些对传统对位法感到头疼的读者，这本书提供了一种更具“立体感”的理解方式。它把音乐想象成一个三维的空间结构，不同的声部是支撑这个结构的柱子，而指挥就是那个连接一切的“中枢神经系统”。这种比喻非常形象，一下子打通了我在理解复杂复调音乐时遇到的瓶颈。我发现，当我开始用这种空间思维去分析乐谱时，我对音乐的整体把握能力有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年与乐团打交道的指挥者，我深知在排练过程中，如何高效地传达音乐意图是多么关键。这本书在“指挥技巧”这一块的论述，简直是教科书级别的典范。它没有停留在那些老生常谈的手势图解上，而是深入剖析了不同音乐风格下，指挥者应采取的微观调整，比如对重音的预示、对呼吸的引导，甚至是对乐队情绪的把控。我特别欣赏作者在分析贝多芬的交响曲片段时，是如何将乐谱上的记号与实际的身体语言联系起来的。书中那些关于“非语言沟通”的章节，对我触动很大。我过去可能只是机械地打拍子，但读完之后，我开始有意识地去使用我的面部表情和眼神来与乐手交流，这极大地增强了排练的效率和音乐的表现力。以前排练一场音乐会，常常因为沟通不畅而浪费大量时间，现在通过学习书中的理念，我们可以在更短的时间内达到更深层次的音乐理解。这本书的价值，在于它教会了我们如何“听”与“说”，不仅仅是用耳朵听，更要用心去“说”出音乐的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

我必须得赞扬一下这本书在“音乐心理学”和“团队协作”方面所占的比重。很多指挥教程往往忽略了乐队成员的心理状态对演奏效果的影响，而这本书却花了相当大的篇幅来探讨如何营造一个积极、专注的排练环境。作者分享了许多管理大型乐队时遇到的实际案例，比如如何处理“明星”乐手与普通乐手之间的关系，如何在演奏高难度乐段前进行有效的心理铺垫等等。这方面的内容，对于那些年轻的、经验尚浅的指挥者来说，简直是无价之宝。我记得有一场重要的演出前，乐队士气有些低落，我运用了书中提到的一种“积极强化”的技巧，在排练中专注于表扬那些细微的进步，而不是一味地指出错误。结果，演出当晚，乐队的能量是前所未有的高昂。这本书的实用性，远远超出了纯粹的技术指导范畴，它教会了我们如何成为一个更有人情味的、更有领导力的音乐家。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐学习路上的指路明灯！我过去在学习合奏和指挥时，总觉得理论知识和实际操作之间有一道难以逾越的鸿沟。这本书却以一种非常平易近人的方式，将那些抽象的乐理概念和复杂的指挥技巧生动地展现在读者面前。它不仅仅是一本教科书，更像是一位经验丰富的导师在耳边细心指导。尤其让我印象深刻的是，书中对于不同乐器组的平衡、音色的处理以及如何建立清晰的乐队结构，都有着非常深入的探讨。我记得有一次，我们在排练一个巴赫的管弦乐作品时遇到了困难，尝试了各种方法都收效甚微。后来，我仔细阅读了书中关于声部层次感的章节，对照着书中的分析图例进行调整，结果乐队的演奏效果立竿见影地提升了。那种层次分明、脉络清晰的感觉，真是让人茅塞顿开。作者的叙述逻辑严密，举例恰到好处，真正做到了理论与实践的完美结合。对于任何想要提高自己合奏能力和指挥水平的音乐人来说，这本书都是不容错过的珍宝。