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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805533605

商品编码：28346032124

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	作曲基本原理
作者：	（奥）阿诺德·勋伯格　，吴佩华　译
定价：	48.0
出版社：	上海音乐出版社
出版日期：	2007-03-01
ISBN：	9787805533605
印次：
版次：	3
装帧：	平装-胶订
开本：	16开

内容简介

阿诺德·勋伯格是奥地利*名作曲家，二十世纪 *有影响的音乐巨人之一，十二音作曲技法的开山鼻 祖。而这位作曲大师却没有受到过什么专业训练，全 凭自己的天赋自学成才。《作曲基本原理》是他的重 要作曲理论*作，没有繁杂的技术剖析和艰深的专业 词汇，从*为基础的传统技术手段和组织方式入手， 深入探讨如何处理实际写作中遇到的诸多技巧问题。 　　同时又以分析大量名家作品的方法贯穿全书，力图培 养学生分析各类音乐作品和独立解决各种技术困难的 能力。该书既适用于初学作曲的学生，又是一本深入 浅出地讨论作曲技术问题的基础读物。

目录

绪论 编者前言 说明 部分? 主题的构造 章? 曲式的概念 第二章? 短句 ? 谱例说明 第三章? 动机 ? 动机的运用要求变奏 ? 动机由何构成 ? 动机的处理与运用 ? 谱例说明 第四章? 动机型的结合 ? 建造短句 第五章? 简单主题的构造 ? 一、开始写乐句 ??? 乐段与乐句 ??? 乐句的开端 ??? 属形式：补充的重复 ??? 谱例说明 ? 二、乐段的前句 ??? 贝多芬钢琴奏鸣曲中一些乐段的分析 ??? 其他名曲选例的分析 ??? 前句的构造 ? 三、乐段的后句 ??? 旋律方面的考虑：终止式轮廓 ??? 节奏方面的考虑 ??? 关于浪漫派作曲家的一些乐段的评述 ? 四、乐句的完成 ??? 谱例说明 第六章? 伴奏 ? 伴奏的可省略性 ? 伴奏的动机 ? 伴奏的类型 ? 声部进行 ? 低声部线条的处理 ? 伴奏动机的处理 ? 乐器的要求 第七章? 性格与情绪 第八章? 旋律与主题 ? 声乐旋律 ? 器乐旋律 ? 旋律与主题 第九章? 关于自我检验 ? 如何进行自我检验 第二部分? 小型曲式 第十章? 小三部曲式（A-B-A'） ? 小三部曲式 ? 对比的中间段 ? 谱例说明 ? 上拍和弦 ? 再现部 第十一章? 非偶数、不规则、不对称的结构 第十二章? 小步舞曲 ? 曲式 ? 三声中部 第十三章? 谐谑曲 ? A段 ? 转调的对比中段 ? 练习形式 ? 再现部 ? 延伸、插段与小尾声 ? 尾声 ? 三声中部 第十四章? 主题与变奏 ? 主题的结构素质 ? 主题与变奏之间的关系 ? 变奏的动机 ? 变奏动机的产生 ? 变奏动机的应用与加工 ? 变奏中的对位 ? 为变奏打稿 ? 谱例126的说明 ? 一整套变奏的组织 第三部分? 大型曲式 第十五章? 大型曲式的各个部分（附属形式) ? 过渡段 ? 具有独立主题的过渡段 ? 从前面的主题发展出来的过渡段 ? 再过渡段 ? 副主题组 ? 抒情主题 ? 尾声 第十六章? 回旋曲式 ? 行板曲式（ABA与ABAB) ? 其他简单回旋曲 ? 再现部中的变奏与变化（正主题) ? 再现部中的变奏与改动（副主题组) ? 大型回旋曲式（ABA—C—ABA) ? 奏鸣回旋曲式 第十七章? 奏鸣曲快板（乐章的曲式) ? 奏鸣曲快板 ? 呈示部 ? 正主题（或正主题组) ? 过渡段 ? 副主题组 ? 加工部 ? 再过渡段 ? 再现部 ? 尾声 ? 结束语 附录

好的，这是一份关于《作曲基本原理》这本书的详细简介，内容旨在阐述该书的特点、覆盖范围以及其对学习者的价值，同时确保内容自然流畅，避免任何人工痕迹。 --- 《作曲基本原理》：洞悉音乐创作的基石与脉络 在音乐的浩瀚宇宙中，创作无疑是最具魅力的探险。然而，即便是最富有灵感的音乐家，也需要坚实的理论基础作为指引，才能将脑海中的旋律构想转化为结构严谨、情感丰沛的作品。本书《作曲基本原理》，正是为志在掌握音乐语言核心规律、渴望系统提升创作技能的音乐学习者、爱好者乃至专业人士而精心编撰的一部理论与实践并重的工具书。 本书的核心目标并非提供一套僵化的公式，而是致力于揭示音乐创作背后的普遍性规律与内在逻辑。它将复杂的音乐现象分解为可理解、可操作的单元，引导读者从“听觉感受”深入到“结构认知”，最终实现“理性表达”。 第一部分：音乐语言的基石——音高与旋律的建构 音乐的起点在于音高。本书首先系统梳理了西方音乐体系的音高结构，从十二平均律的基础概念出发，详尽阐述了调式（Major, Minor, 各种古代调式乃至现代音阶）的特征及其所营造的不同情感氛围。 旋律，作为音乐最直接的表达载体，是本书的重点探讨对象之一。我们不仅分析了乐句（Phrase）的构成、收束（Cadence）的功能性，更深入探究了动机（Motive）的发展与变形技巧。读者将学习如何运用重复、移位、扩大、缩小、逆行等手法，将一个简单的音乐动机构建成长篇幅且富有逻辑的旋律线条。此外，书中还专门辟出章节讨论旋律在不同历史时期（如巴洛克对位性旋律与浪漫主义抒情旋律）的处理差异，强调了旋律线条的呼吸感与可唱性。 第二部分：时间的组织——节奏、节拍与律动 音乐的时间组织是其生命力的来源。《作曲基本原理》将节奏和节拍视为构建音乐律动的骨架。 节拍的分类（复合拍、简单拍、变拍）及其在不同音乐风格中的应用被清晰界定。本书强调，节拍的强弱模式（Meter）并非一成不变的束缚，而是可以被巧妙利用或故意打破的工具。节奏的复杂性，如附点节奏、复节奏（Polyrhythm）和混合节奏，被系统化地解析，并提供了大量的实例，说明如何在保持听觉清晰度的前提下，增加节奏的张力与趣味性。 律动（Groove）的形成，是节奏、速度与重音共同作用的结果。书中探讨了如何通过细微的重音变化和时值处理，来塑造作品的驱动力和情感走向，例如，在流行音乐中对“后击”（Backbeat）的强调，或在古典音乐中对弱拍的突出。 第三部分：空间的扩展——和声学的深化与功能 和声是构建音乐色彩和深度不可或缺的元素。本书的和声部分从功能和声学（Functional Harmony）的基础——三和弦与七和弦的建立与转位开始，稳步深入。 关键在于，本书不满足于罗列和弦的名称，而是着重讲解和弦的功能性——主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）之间的相互作用如何推动音乐的进行与解决。调内和弦的运用、导和弦（Secondary Dominants）、变化和弦（Altered Chords）的引入，都被置于其功能语境下讨论。 更为重要的是，本书跨越了传统功能和声的边界，探讨了调性外和声的引入与处理，包括半音和声的色彩增强，以及如何通过和声的“离调”（Modulation）技巧，实现音乐的情感场景转换。读者将学习到如何利用和声的色彩变化，来支撑和深化旋律的表达意图。 第四部分：宏观的架构——曲式结构与篇章设计 如果说音高、节奏与和声是砖瓦，那么曲式（Form）就是蓝图。本书将曲式视为音乐叙事的结构框架。 从最基础的二部曲式（A-B）和三部曲式（A-B-A），到更为复杂的呈示部、展开部和再现部构成的奏鸣曲式（Sonata Form），本书提供了详细的结构分析。分析不仅停留在“是什么”，更深入到“为什么”——为何作曲家选择在特定位置进行发展或转调？这些结构选择如何服务于整体的情感高潮与解决？ 此外，对变奏曲（Variations）、回旋曲（Rondo）以及其他民族或现代常用曲式，如分段式流行歌曲结构（Verse-Chorus Structure）的解析，都旨在帮助学习者掌握构建长篇音乐作品的必要技巧，确保作品在结构上既有统一性又富于变化。 第五部分：织体的交织——对位法与配器考量 音乐的厚度来自于不同声部间的交织，即织体（Texture）。本书对对位法（Counterpoint）的介绍，侧重于其实用价值，而非纯粹的学院练习。通过对严格对位法原则的理解，读者能更好地掌握声部之间的独立性与和谐性。 配器与音色（Instrumentation and Timbre）是赋予音乐生命力的最后一步。本书对常见管弦乐队乐器组（弦乐、木管、铜管、打击乐）的音域、特性和最适宜的演奏技巧进行了概述，强调了音色选择如何影响作品的情感定位，以及如何通过不同乐器的组合来增强和声的厚度和旋律的对比度。 结语：从理论到实践的桥梁 《作曲基本原理》的编撰宗旨是实用性与启发性并重。书中穿插的大量经典范例分析，旨在将被抽象的理论概念与实际听觉经验紧密结合。它不要求读者成为某一特定风格的模仿者，而是提供一套普适性的思维工具，使学习者能够清晰地诊断自己作品中的薄弱环节，并系统性地解决创作中遇到的结构、和声或织体问题。掌握这些原理，如同获得了一把开启无限音乐可能性的钥匙，使创作过程从盲目的摸索转变为有目的的构建。 ---

评分☆☆☆☆☆

我一直认为“节奏”是音乐的骨架，但《作曲基本原理》却让我看到了它如何成为音乐的灵魂。《节奏与节拍》这一章节，彻底颠覆了我对节奏的认知。作者不仅仅是在讲解拍号和节奏型，而是将节奏上升到了“生命力”的高度。他用大量生动鲜活的例子，展示了不同节奏组合如何营造出不同的情绪和氛围，从行进的坚定有力，到舞动的轻盈灵巧，再到沉思的舒缓悠长，都离不开精妙的节奏设计。我印象最深刻的是关于“切分音”的运用，书中解释了切分音如何打破常规的强拍感，制造出一种蓄势待发、充满张力的效果。还学到了如何通过节奏的密度和疏密变化，来控制音乐的起伏和呼吸感。尤其是对一些非洲音乐和拉丁音乐中复杂节奏的剖析，让我大开眼界，认识到节奏的无限可能性。这本书让我明白，好的节奏不是简单地把音符放在拍子上，而是要让它们“跳跃”起来，让听众感受到音乐的脉搏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“和声篇”简直是打开了我音乐世界的大门！之前对和声的认知停留在简单的三和弦和七和弦，感觉就是一种静态的铺垫。但《作曲基本原理》却让我看到了和声的动态之美，它不仅仅是音符的叠加，更是推动旋律发展的强大力量。书中对于“功能和声”的阐述，我简直是如饥似渴地读下去。它详细讲解了主、属、下属等功能在不同调性中的作用，以及它们之间如何相互作用，构建出跌宕起伏的情感曲线。我特别喜欢书中对“转调”的分析，它不是简单地给出转调的技巧，而是从音乐的心理感受出发，解释了为什么某些转调会带来惊喜，而另一些则会显得突兀。通过对不同时期作曲家（如莫扎特、勃拉姆斯）的和声运用进行对比分析，我深刻体会到了和声语言的演变和丰富性。书中还介绍了一些进阶的和声手法，比如使用挂留音、倚音、经过音等，这些技巧的运用，让我的音乐瞬间增添了许多色彩和深度。

评分☆☆☆☆☆

天哪，我最近入手了《作曲基本原理》，本来是抱着学习一些基础理论的心态，结果完全被它的内容吸引住了，尤其是关于旋律构建的部分，简直让我茅塞顿开！作者用非常生动形象的比喻，把抽象的音程关系和乐句发展讲解得通俗易懂。我印象特别深刻的是，书中分析了大量经典乐曲的旋律走向，从巴赫的赋格到肖邦的夜曲，再到德彪西的印象派作品，都做到了抽丝剥茧般的剖析。它不是简单地罗列规则，而是引导读者去体会音乐的逻辑和情感表达的微妙之处。比如，关于“动机”的展开，书中不仅仅介绍了对位和模仿，更深入探讨了如何通过节奏、音高和时值的变化，赋予一个简单的动机无限的生命力，让它在乐曲中不断生长、演变，最终形成一首完整的作品。我还学到了如何巧妙地运用调性中心和模进，让旋律既有方向感又不失惊喜。读完这一部分，我感觉自己对“好听”这件事有了更深刻的理解，不再是凭空想象，而是有了一套行之有效的方法论。

评分☆☆☆☆☆

我必须夸一下《曲式结构》这一章节，这简直是为我这种“想到哪里写到哪里”的初学者量身打造的“导航仪”！之前我写出的很多曲子，总感觉像是散落的珍珠，缺乏一条清晰的线索将它们串联起来。《作曲基本原理》这本书，用非常清晰的逻辑，将各种常见的曲式进行了剖析，比如奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式等等。它不仅仅是介绍了曲式的“骨架”，更深入地讲解了“骨架”上的“血肉”，也就是如何通过动机的发展、主题的对比、乐段的连接来构建一个完整而有逻辑性的作品。我印象特别深刻的是关于“呈示部”、“展开部”和“再现部”的讲解，它让我明白了音乐的“戏剧性”是如何通过结构来体现的。书中还引用了大量的不同风格的乐曲作为范例，从古典时期的奏鸣曲到浪漫时期的交响曲，都做到了细致入微的分析，让我能够直观地感受到不同曲式带来的独特魅力。这部分内容真的让我对“写一首完整的歌”有了方向感，不再是无头苍蝇。

评分☆☆☆☆☆

《配器法》这部分内容，简直是为我量身定做的！之前我一直觉得配器是一门非常神秘的学问，感觉需要花费大量时间去熟悉各种乐器的性能。但是《作曲基本原理》这本书，用一种非常系统化的方式，将配器的原理和技巧娓娓道来。它没有枯燥地列举乐器的音域和音色，而是从“声音的织体”这个更宏观的角度来讲解。我学到了如何根据不同的乐器组合，来创造出丰富的音响效果，比如如何巧妙地运用木管和铜管的音色对比，如何让弦乐的滑音为音乐增添一丝忧郁的色彩。书中对“乐器的功能性”的讲解也让我受益匪浅，它让我明白，每一种乐器都有其独特的“语言”，而配器就是用这些不同的“语言”来描绘出更宏大的音乐图景。我还学到了关于“音响平衡”的技巧，如何避免某些乐器被埋没，如何让整个乐队的声音和谐统一。读完这一部分，我感觉自己对乐队的运作有了全新的认识，也充满了尝试自己配器的信心。