具体描述
基本信息
书名：美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题
：95.00元
作者：洪天富,范景中
出版社：中国美术学院出版社
出版日期：2015-06-01
ISBN：9787550308572
字数：
页码：
版次：1
装帧：精装
开本：16开
商品重量：0.4kg
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内容提要
由海因里希·沃尔夫林所*的《美术史的基本概念(后期艺术风格发展的问题)(精)》是整个二十世纪美术史的三部核心经典之一，不仅美术史读者必读，也是其他人文学者的必读书，它对二十世纪美术史研究体系的构建产生了巨大而深远的影响。在二十世纪的西方学术界，除了贡布里希的《艺术的故事》，没有哪一部美术史*作能够望其项背；它在中国的影响，也超过了任何一部美术史或者美学方面的*作。
目录
中译本札记
第六版序言
第七版序言
第八版序言
导论
Ⅰ 风格的双重根源
Ⅱ 普遍的再现形式
Ⅲ 模仿和装饰
章 线描和涂绘
节 概说
第二节 素描
第三节 绘画
第四节 雕塑
第五节 建筑
第二章 平面和深度
节 绘画
第二节 雕塑
第三节 建筑
第三章 封闭的形式和开放的形式
节 绘画
第二节 雕塑
第三节 建筑
第四章 多样性和统一性
节 绘画
第二节 建筑
第五章 清晰性和模糊性
节 绘画
第二节 建筑
结论
后记：1933年修订稿
作者介绍
文摘
序言
用户评价
《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》这本书，以其独特视角和严谨的论证，为我开启了一扇理解艺术史的新大门。在阅读之前，我常常觉得，不同艺术风格之间的转换，就像是季节的更替，自然而然，却又难以言说其内在的必然性。然而，这本书通过对“基本概念”的精细梳理，以及对“后期艺术风格发展”的深度剖析，彻底改变了我的看法。书中对于“风格”本身的定义，就颇具启发性，它不再仅仅是外在形式的模仿，更是艺术家思想、情感与时代精神的交融。我尤其欣赏书中对不同风格之间“张力”的描绘。例如，对巴洛克艺术中宗教虔诚与世俗享乐并存的分析，就让我看到了艺术在不同力量拉扯下所产生的独特魅力。而“后期艺术风格发展”的论述，更是将这种“张力”进行了历史性的延展。它不仅仅是简单地介绍从一种风格到另一种风格的过渡，更是深入分析了导致这种转变的深层原因，比如哲学观念的演变、科学技术的进步，甚至是个别艺术家的革新性思考。书中对20世纪初现代艺术的解读，就非常精辟地指出了工业化、城市化对艺术家创作观念的影响，以及由此催生的对传统艺术形式的质疑和颠覆。这种“问题”导向的叙述，让我看到了艺术发展的动力所在，它不是一次性的创作，而是持续不断的探索与反思。阅读这本书，让我从一个被动的欣赏者，变成了一个主动的思考者，能够更深入地理解艺术作品背后的深层含义。
评分作为一名业余的艺术爱好者，我一直渴望能够系统地梳理自己零散的艺术知识，尤其对于不同艺术风格的演变和相互影响，总觉得像是隔着一层迷雾。《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》，恰恰是一本能够帮助我拨开迷雾的佳作。书中对“基本概念”的阐释，可谓鞭辟入里，没有丝毫的冗余。它并非生硬地罗列定义，而是通过生动的语言和具体的艺术案例，将抽象的概念变得鲜活起来。我特别喜欢书中对于“风格”的讨论，它不仅仅是外在形式的模仿，更是艺术家内在精神和时代气质的体现。而“后期艺术风格发展”这一部分，更是让我惊喜连连。它没有简单地将艺术史割裂成一个个孤立的时期，而是着重强调了风格之间的传承、叛逆、融合和创新。书中的分析，总是能够追溯到某个艺术风格的源头，然后展示它是如何在历史的长河中，与其他风格相互作用，最终形成新的面貌。例如，对从中世纪向文艺复兴过渡时期的解读，不仅提及了人文主义的兴起，更深入分析了古典艺术的复兴如何影响了当时的审美观念，以及这种影响如何在绘画、雕塑等艺术媒介上得到体现。书中的论述，充满了逻辑性和条理性，让我能够清晰地看到艺术风格演进的脉络，仿佛是在观看一部精心编排的纪录片，每一个画面都充满了意义。读这本书，就像是获得了一副艺术史的“地图”，让我能够清晰地辨识出各个时期、各种风格之间的关系，并且能够理解它们为何会如此发展。这种“知其然，更知其所以然”的阅读体验，极大地提升了我对艺术的欣赏能力。
评分初读《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》，便被其宏大的叙事和精妙的分析所吸引。我一直对艺术史充满热爱，却总感觉自己对于不同艺术风格的演变过程，缺乏一种清晰的脉络和系统的认知。《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》恰恰为我提供了这样一个框架。书中对“基本概念”的讲解，非常扎实，它不仅仅是概念的堆砌，更是通过大量的艺术实例，将抽象的理论变得具象而易懂，让我能够清晰地把握各个艺术流派的核心特征。《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》的核心内容——“后期艺术风格发展”，更是让我耳目一新。它打破了传统的线性叙事，而是着重于分析风格之间的“对话”与“博弈”。我特别欣赏书中对波普艺术兴起的分析，它不仅提到了流行文化的影响，更深入地探讨了艺术家如何通过挪用和解构大众符号，来挑战传统的艺术边界和价值判断。这种对艺术史发展中“矛盾”与“颠覆”的关注，让我看到了艺术的生命力和创造力。书中的“问题”意识，更是让艺术史的叙述充满了智慧和深度。它不是在告诉我们“是什么”，而是在引导我们思考“为什么会是这样”，以及“未来又将走向何方”。这种开放式的探讨，激发了我进一步探索艺术世界的兴趣。阅读这本书，就像是在进行一场思想的远足，我跟随作者的脚步，穿越历史的长河，感受不同时代艺术的脉搏，逐渐构建起一个关于艺术风格演变的完整而立体的认知体系。
评分一直以来，我对艺术史充满了浓厚的兴趣，但常常受困于知识体系的碎片化，以及对艺术风格演变过程缺乏清晰的认识。《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》这本书，无疑为我提供了一个系统性的解决方案。它在“基本概念”的讲解上，做到了深入浅出，并没有回避专业术语，而是用生动的语言和丰富的案例，将它们一一解释清楚，让我能够轻松地理解艺术史的入门知识。而“后期艺术风格发展”这一核心章节，更是让我受益匪浅。作者并没有简单地按照时间顺序堆砌艺术家的名字和作品，而是着重于分析不同艺术风格之间是如何相互关联、相互影响、甚至相互颠覆的。我被书中对洛可可艺术向新古典主义转变的分析所深深吸引，它不仅指出了两者在审美上的差异，更深入剖析了法国大革命这一历史事件如何重塑了人们的价值观，从而催生了对理性、秩序和崇高感的追求。这种将艺术风格的演变与宏观历史背景相结合的叙述方式，让我对艺术的理解上升到了一个新的高度。书中对于“问题”的强调，更是让我看到了艺术史发展的复杂性和多面性。它告诉我，艺术风格的形成和发展，并非一帆风顺，而是充满了艺术家们的探索、实验、甚至是对既有观念的挑战。每一次风格的转变，都是对前一种风格的“问题”的回应，也是对未来艺术方向的“提问”。这种动态的视角，让我对艺术史的认知更加立体和深刻，也激发了我进一步探索艺术世界的兴趣。
评分这本书的出版，无疑为我这样对艺术史充满好奇，却又常常被浩瀚的知识海洋所淹没的普通读者，提供了一盏指路明灯。我并非艺术专业的科班出身，但长久以来，我对那些古老壁画、精美雕塑、以及流派纷呈的绘画作品，总有一种莫名的亲切感和向往。然而，每次尝试去深入了解，总会因为缺乏清晰的脉络而感到力不从心。《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》，正是这样一本能够填补我知识鸿沟的读物。它并没有一开始就抛出晦涩难懂的术语，而是从最基础的概念入手，循序渐进地引导读者进入艺术史的殿堂。书中的“后期艺术风格发展”这一主题，更是抓住了我一直以来最为困惑的关键点。我常常看到不同时期的艺术作品，感受到它们之间存在的联系和演变，却无法准确地梳理出其中的逻辑。这本书以一种非常精炼却又深入浅出的方式，剖析了从古典时期到现代艺术的演进过程，详细解释了各个艺术风格是如何在前人的基础上产生、发展、甚至相互碰撞的。它不仅仅是罗列事实，更注重于分析“为什么”。为什么巴洛克艺术如此华丽？为什么印象派会选择捕捉光影？为什么后印象派会对色彩和形式进行更自由的探索？书中对这些问题的解答，常常让我豁然开朗，仿佛一道道枷锁被打开，我对艺术的理解也变得更加立体和深刻。我尤其欣赏书中对于“问题”的探讨，它没有把艺术史描绘成一条笔直的、单向的道路，而是强调了其中的辩证性、矛盾性以及不断自我革新的动力。这种“问题”导向的叙述方式，让我看到了艺术发展背后更为复杂和生动的推手，也激发了我独立思考的兴趣。阅读的过程，更像是一次与智者的对话，他耐心地解答我的疑惑，引我窥探艺术的灵魂深处，让我不再只是一个旁观者，而是能开始理解和欣赏艺术的内在逻辑。
评分《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》这本书，以其严谨的学术态度和流畅的文笔，为我提供了一次难得的艺术史学习体验。我一直以来都对艺术史抱有浓厚的兴趣，但苦于缺乏系统性的知识体系，尤其对于不同艺术风格的产生、发展和相互影响，总觉得隔了一层迷雾。《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》正是这样一本能够帮助我拨开迷雾的著作。它在“基本概念”的梳理上，做到了详尽而精准，用清晰易懂的语言解释了艺术史中的关键术语，让我能够轻松地进入艺术的世界。而“后期艺术风格发展”这一核心章节，更是让我眼前一亮。作者并没有简单地按照时间顺序罗列作品，而是着重于分析艺术风格演变的内在逻辑和驱动力。我尤其欣赏书中对印象派向后印象派过渡的分析，它不仅仅指出了色彩和笔触的变化，更深入探讨了艺术家们在捕捉瞬间光影的同时，对作品内在情感和形式结构的探索。这种深入挖掘“原因”的叙述方式，让我对艺术的理解不再停留在表面，而是能够洞察其深层的美学价值和哲学思考。书中对于“问题”的强调，更是让我看到了艺术史发展的动态性和创造性。它不是一个终点，而是一个不断提出问题、解决问题、又产生新问题的过程。这种开放式的视角，激发了我独立思考的兴趣，让我能够带着批判性的眼光去审视和理解艺术作品。阅读这本书，就像是获得了一张艺术史的“藏宝图”，让我能够清晰地找到不同风格之间的联系，并从中发掘出更多令人惊喜的宝藏。
评分当我翻开《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》时，内心是带着一份期待，也带着一份些许的忐忑。我曾尝试阅读过一些艺术史著作，但往往因为其中充斥着专业术语，以及缺乏连贯性的叙述，让我望而却步，甚至产生了一种“艺术离我太远”的疏离感。然而，这本书却以一种出乎意料的亲切感，将我引入了艺术的宏大世界。它在“基本概念”的铺陈上，做足了功夫，仿佛一位经验丰富的导游，在我踏入陌生的城市前，先详细地介绍这座城市的地理、历史和人文特色。那些关于“风格”、“流派”、“美学思潮”的解释，被拆解得细致入微，让我能够真正理解它们各自的含义和在艺术史中的位置。而“后期艺术风格发展”这个核心主题，更是让我耳目一新。以往我阅读的艺术史，常常是按照时间顺序，列举出某个时期的代表人物和作品，然后简单描述其特点。这本书则不同，它深入挖掘了风格演变背后的驱动力，例如社会变革、哲学思想、科技进步，甚至是艺术家之间观念的碰撞和回应。我记得其中一段对古典主义到浪漫主义转变的分析，不仅仅是列举了他们各自的审美追求，更是深刻地探讨了启蒙运动的理性精神如何被感性的解放所取代，以及这种转变如何体现在绘画、雕塑乃至建筑之中。这种追根溯源的叙述方式，让我对艺术的理解，不再停留在表面的“像与不像”，而是能够洞察其深层的美学逻辑和人文关怀。书中的许多例子，都经过了精心的挑选，既有代表性，又具有启发性，通过对比分析，让我能够更直观地感受到不同风格之间的差异和联系。我感觉这本书就像一个精心设计的迷宫，但它不是为了让你迷失，而是为了引导你一步步走向中心，发现隐藏的宝藏。
评分《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》这本书，以其清晰的逻辑和深刻的洞察力，彻底改变了我对艺术史的固有认知。在阅读之前，我总觉得艺术风格的演变就像是一场随机的潮流，难以捉摸。《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》却以一种系统性的方法，为我揭示了艺术风格发展背后的内在规律。“基本概念”部分，犹如一座坚实的基石，为我构建了理解艺术史的必要框架。书中对“抽象”、“具象”、“象征”、“表现”等基本术语的解释，都力求精准而易懂，避免了过于学院派的枯燥。让我印象深刻的是，它不仅仅是定义，更是通过对不同时期艺术品的对比，来阐释这些概念的实际应用。而“后期艺术风格发展”的部分，更是点睛之笔。它不是简单地将艺术史分割成孤立的片段，而是强调了风格之间的“承接”与“断裂”，以及“融合”与“创新”。书中对于从印象派到后印象派的分析，就详细阐述了塞尚、梵高、高更等艺术家如何在继承印象派色彩和光影的基础上，发展出各自独特的艺术语言，从而为日后的立体主义、野兽派等奠定了基础。这种层层递进、环环相扣的叙述方式，让我能够清晰地看到艺术风格是如何在不断的“回应”与“超越”中前进的。书中的“问题”导向，更是让艺术史的叙述充满了张力。它不是在讲述一个既定的结局，而是在呈现一个不断探索、不断求索的过程，这让我感受到艺术的生命力和创造力。
评分拿到《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》这本书，我怀揣着一丝好奇，想看看它是否能为我解答心中长久以来的困惑。我曾多次在画廊或博物馆中流连，面对着那些风格迥异的艺术作品，总是能感受到它们之间某种看不见的联系，但却难以言喻。这本书的出现，就像一位博学的智者，耐心地为我一一揭示这些联系的奥秘。它首先在“基本概念”的部分，进行了非常扎实的铺垫。那些关于“现实主义”、“抽象主义”、“表现主义”等术语，在书中都被赋予了清晰的定义和生动的阐释，让我不再因为术语的复杂而感到畏惧。更让我眼前一亮的是，“后期艺术风格发展”这一主题的深入探讨。这本书并没有仅仅停留在对各个风格的描绘，而是着重于分析“发展”的内在逻辑。它让我明白，艺术风格的演变，并非是偶然的，而是有着深刻的社会、文化、哲学根源。例如，书中对于现代主义艺术的起源，就详细地分析了工业革命对社会结构和人们思维方式的巨大冲击，以及这种冲击如何在艺术领域激发出对传统的反叛和对新形式的探索。我尤其欣赏书中对于“问题”的关注，它将艺术史的进程描绘成一个不断提出问题、解决问题、又产生新问题的动态过程。这种充满辩证性的视角，让我看到了艺术史的活力和创造力，也让我对那些曾经令我费解的艺术作品，有了更深层次的理解。阅读这本书，仿佛是在进行一场心灵的旅行，我跟随作者的脚步，穿越不同的历史时期，感受不同艺术家的思考，逐渐构建起一个关于艺术风格演变的完整图景。
评分当我拿起《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》这本书时，内心深处有一种期待，希望能找到一把钥匙，开启我理解艺术风格演变的密码。过往的艺术史阅读经验，常常让我感到困惑，难以理清不同风格之间的脉络和联系。《美术史的基本概念—后期艺术风格发展的问题》恰恰填补了这一空白。在“基本概念”的梳理上，它做得十分到位，那些看似抽象的艺术理论，在书中都得到了清晰而生动的解读，让我能够理解不同艺术流派的核心精神。而“后期艺术风格发展”这一部分，更是让我拍案叫绝。作者并没有局限于简单的描述，而是深入挖掘了风格演变背后的原因，包括社会思潮、技术革新、以及艺术家群体之间的思想交流。例如，书中对文艺复兴时期从哥特艺术向古典风格转变的分析，就不仅提到了人文主义的兴起，还详细阐述了古希腊罗马艺术的重新发现如何影响了当时的建筑、雕塑和绘画的审美取向。这种将艺术风格的变迁置于更广阔的历史和社会背景中进行解读的方法，让我能够更深刻地理解艺术的本质。书中的“问题”意识，也是我非常欣赏的一点。它并没有将艺术史描绘成一个预设好的剧本，而是强调了艺术家们在面对时代挑战和艺术困境时，如何提出新的“问题”，并尝试用新的艺术语言去“回答”。这种充满辩证性的叙述，让艺术史变得鲜活而富有生命力。读这本书，就像是在与一位经验丰富的向导同行，他不仅为我指明方向，更帮助我理解沿途的风景为何如此。
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