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豪泽尔 著

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出版社： 商务印书馆

ISBN：9787100106740

商品编码：1644121450

出版时间：2015-05-01

基本信息

商品名称： 艺术社会史	出版社： 商务印书馆	出版时间：2015-05-01
作者：豪泽尔	译者：黄燎宇	开本： 03
定价： 168.00	页数：680	印次： 1
ISBN号：9787100106740	商品类型：图书	版次： 1

编辑推荐

阿诺尔德豪泽尔是匈牙利艺术史家，艺术社会学家的创始人之一，与卢卡奇、阿多诺并称为“20世纪最重要的文化社会学家”。《艺术社会史》在豪泽尔的著述中享有核心地位，它是豪泽尔的第一部著作，此后的四本著作都是对这部著作的补充、总结和提炼。1979年，该书被收录于《艺术社会学经典》中。社会学家克里斯蒂安格诺伊斯（Christian Gneuss）把《艺术社会史》比作“启示录”，称赞该书促使人们再度关注“宏观历史问题”。

精彩书摘

阿诺尔德豪泽尔是匈牙利艺术史家，艺术社会学家的创始人之一，与卢卡奇、阿多诺并称为“20世纪最重要的文化社会学家”。《艺术社会史》在豪泽尔的著述中享有核心地位，它是豪泽尔的第一部著作，此后的四本著作都是对这部著作的补充、总结和提炼。1979年，该书被收录于《艺术社会学经典》中。社会学家克里斯蒂安格诺伊斯（Christian Gneuss）把《艺术社会史》比作“启示录”，称赞该书促使人们再度关注“宏观历史问题”。

好的，这是一本名为《跨越边界的思潮：近代欧洲的文化变迁与知识重构》的图书简介，旨在深入探讨18世纪末至20世纪初欧洲社会结构、思想风貌和艺术实践之间的复杂互动，内容涵盖政治革命的余波、科学知识的爆炸性增长、民族主义的兴起与冲突，以及现代主义艺术在这些宏大背景下的萌芽与发展。 --- 跨越边界的思潮：近代欧洲的文化变迁与知识重构 导言：现代性焦虑的十年 本书聚焦于一个被历史洪流剧烈冲刷的时期——从法国大革命的余晖笼罩到两次世界大战前夜的漫长“近代”阶段。这段历史不仅是疆域的重新划分，更是人类理解自身与世界方式的根本性转变。我们不再满足于既有的形而上学框架，转而向内部的心理结构、向外部的物质世界、向新兴的技术领域寻求新的解释。 《跨越边界的思潮》试图超越传统的断代史叙事，将文化史、知识史和政治史熔铸一炉，揭示在启蒙理性遭遇浪漫主义情感、工业生产力挑战传统工匠精神的背景下，欧洲知识分子是如何进行痛苦而又富有创造性的“知识重构”的。 第一部分：理性的崩塌与知识的碎片化 第一章：启蒙遗产的重估与“新人类”的诞生 18世纪末的革命浪潮，尽管高举着理性和自由的旗帜，却也暴露了纯粹理性自身的局限性与潜在的暴力倾向。本章首先梳理启蒙运动的核心理念如何被拿破仑战争的现实所修正。我们考察了康德、黑格尔等人的哲学努力，他们试图在宏大的体系内整合历史进程与个体自由，但这种整合本身就预示着一种深刻的内在紧张。 随后，我们将目光投向新兴的知识领域——人类学和民族学。随着殖民扩张的深入，对“他者”的系统性研究开始挑战欧洲中心主义的优越感。早期的人类学家（如泰勒和弗雷泽）在试图建立“文化进化阶梯”的过程中，无意中揭示了欧洲自身的文化构建和历史偶然性。 第二章：科学的胜利与世界的机械化 本章深入探讨19世纪科学的爆炸性发展如何重塑了人们的宇宙观。达尔文的进化论动摇了神创论的根基，使生命的历史被置于一个漫长而冷酷的自然选择的框架内。在物理学领域，热力学和电磁学的发现，虽然带来了技术革新，但也引入了“熵增”的概念，暗示着宇宙最终的衰亡，为文化心理投下了阴影。 更关键的是，科学方法的成功被不加区分地应用于社会研究。实证主义（Comte）试图将社会学建立在数学和观察之上，这直接催生了对社会现象进行“量化”和“分类”的强烈冲动。这种对可测量的精确性的追求，成为理解现代性的一个核心驱动力，同时也为社会控制理论的兴起埋下了伏笔。 第三章：城市化洪流与符号的迷失 工业革命带来的大规模城市化，是理解近代文化变迁的物理基础。本书详细分析了巴黎、柏林、伦敦等大都市的形成过程，关注“人群”（the crowd）这一新社会实体的出现。人群既是政治动员的温床，也是现代性焦虑的载体。 我们探讨了波德莱尔对巴黎的“流浪汉”（flâneur）形象的描绘，这种形象象征着个体在巨大而匿名的城市空间中，试图通过观察和审美距离来重新获得主体性的努力。同时，消费社会的萌芽，使商品和符号的流通速度加快，传统的象征意义开始瓦解，艺术与日常生活的界限变得模糊不清。 第二部分：现代性的反思与美学的转向 第四章：精神的深渊：弗洛伊德与无意识的发现 知识重构的最高潮体现在对人类内在世界的探索上。本章集中分析西格蒙德·弗洛伊德的精神分析理论如何彻底颠覆了启蒙时代对“理性人”的信念。 我们详细考察了“本我”、“自我”和“超我”的冲突模型，以及“力比多”的概念如何揭示了文化建制背后潜藏的原始冲动。精神分析不仅仅是一种治疗方法，它提供了一种全新的叙事结构——不再是线性的、可预测的历史，而是被压抑的欲望、梦境的逻辑和文化禁忌之间的永恒拉锯战。这种“向内挖掘”的趋势，深刻影响了后来的文学、戏剧和视觉艺术。 第五章：民族的建构与历史的重写 在政治层面，民族主义从一种解放的口号，转变为一套复杂的身份政治和文化认同体系。本章剖析了“文化民族主义”（如赫尔德的思潮）如何与“政治民族主义”（如俾斯麦的实践）相互作用。 我们研究了历史学家如何被卷入到民族记忆的“发明”过程中，通过考古发现、民歌收集和历史编纂来确立一个统一的、连续的民族叙事。这种叙事的构建，往往伴随着对“他者”（无论是内部的少数族裔还是外部的竞争对手）的排斥和异化，为20世纪的冲突埋下了意识形态的种子。 第六章：形式的解放：视觉艺术对表征的挑战 在知识体系面临崩溃的背景下，艺术承担了为新感受寻找新形式的重任。本章着重分析了从印象派到后印象派（塞尚、梵高、高更）再到野兽派和早期立体主义的激进转向。 我们不再将艺术视为对现实的“忠实再现”，而是将其视为一种独立的、自主的认知工具。塞尚对几何形体的分解、梵高对色彩的强烈主观运用，都标志着对传统透视法和模仿原则的彻底背弃。艺术家们不再试图描绘世界“是什么样子”，而是探索世界在他们内在感知中“如何被组织”或“如何被感受”。这种对形式自身的关注，与科学对基本结构（原子、波长）的探索形成了奇特的平行关系。 结语：通往断裂之路 《跨越边界的思潮》最终将读者的视野带到1914年的门槛。近代欧洲的文化图景，是一个在启蒙的希望、科学的精确、民族的狂热和无意识的揭示之间不断摇摆的复杂结构。当所有宏大叙事——无论是宗教的、哲学的还是科学的——都显示出裂痕时，艺术和知识的“重构”就成了一种生存的必要。本书试图阐明，现代性的真正诞生，并非一个单一事件，而是一个持续的、充满张力的、跨越边界的思辨过程。它为我们理解当今世界对稳定与意义的持续追求，提供了必要的历史深度。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，最大的感受是作者那种近乎偏执的对“权力”与“审美”之间关系的追问。他似乎不满足于简单罗列“谁创作了什么伟大的作品”，而是执着于剖析“在那个特定的历史时刻，社会结构如何决定了哪些美学范式得以被采纳、推广乃至成为主流”。举例来说，书中对巴洛克时期欧洲宫廷庆典中舞台布景与音乐的结合进行了极其细致的社会学解构。作者认为，那些夸张的透视、爆炸性的光影效果，并非仅仅是艺术家个人情感的爆发，而是绝对君主制为了在公众面前构建“神性”和“不可侵犯性”而精心设计的视觉武器。书中引用了大量来自宫廷档案的开支记录，对比了不同国家在艺术投入上的侧重，这种硬核的考据与优雅的文字叙述交织在一起，形成了一种令人信服的论证力量。我尤其欣赏作者在处理争议性议题时的冷静和克制，他清晰地划分了证据与推测的界限，避免了将个人观点强行嫁接到历史事实上的倾向，这在许多同类题材的著作中是少见的。

评分☆☆☆☆☆

这本书在学术界的讨论价值，很大程度上在于它敢于挑战一些看似根深蒂固的“艺术神话”。作者并非全盘否定传统叙事，而是通过引入跨学科的视角——比如城市规划学、早期大众传媒理论——对既有的“天才论”提出了有力的质疑。他系统地分析了十八世纪印刷术的普及，如何使得某些风格得以超越地域限制，迅速成为“国际时尚”，从而削弱了地方性艺术家的影响力。这种宏观的、全球化的视野，让我在阅读时不断反思自己过去对艺术史的认知框架是否过于狭隘。特别是关于“现代性”的起始点，作者并没有简单地将之归结为某一次革命性的展览，而是将其视为一系列社会、经济、技术变革共同作用下的“审美成熟期”。这种深层次的批判性思维，是这本书最宝贵的地方，它迫使读者走出舒适区，用更批判、更全面的眼光去重新审视那些我们习以为常的艺术经典。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种沉甸甸的质感，配上封面那幅颇具深意的画作，初次上手就让人心生敬畏。我尤其欣赏作者在章节排版上花费的心思，那些细微的留白处理，让原本可能略显枯燥的史料陈述变得如同精美的画册般引人入胜。每一次翻阅，都像是在触摸历史的肌理，那些古老的手稿拓印和精修过的文物照片，清晰到仿佛能感受到空气中的尘埃。我记得有一章专门探讨了文艺复兴时期佛罗伦萨的财富分配与美第奇家族赞助体系的微妙平衡，作者没有直接堆砌经济数据，而是通过大量精确到每一个细节的艺术品细节解读，构建了一个立体可感的社会结构图景。比如，对提香后期肖像画中衣着面料光泽的处理，被用来分析威尼斯商业贵族的权力象征符号的演变，这种由表及里的叙事方式，极大地提升了阅读的层次感。这本书的脚注系统也做得非常出色，标注详实，索引清晰，对于想要进一步深挖某个特定艺术流派或工匠群体背景的读者来说，无疑是宝库。可以说，光是作为一个艺术史研究的辅助工具，它的价值就已经远超普通读物的范畴了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格充满了强烈的、近乎文学性的感染力，尽管它本质上是一部严肃的学术论著。作者似乎拥有将冰冷的历史数据“人性化”的魔力。他笔下的艺术家们不再是刻板的雕塑，而是有着鲜明欲望和局限的个体。我记得有一段描述某位中世纪的雕塑家在创作一座教堂的祭坛时，如何与当地教会的委员会周旋、如何在有限的预算内用最省料的方式达到最大的视觉冲击力，那段文字读起来简直像是在看一部微型的宫廷政治剧。作者对细节的捕捉能力令人叹服，他能从一张被忽视的侧面图、一个边缘人物的零星记载中，推导出整个艺术生态圈的运作逻辑。这使得原本在教科书中被一带而过的历史时期，重新焕发出了生动的生命力。读完之后，你不再仅仅是欣赏艺术品，而是开始“理解”它们是如何在那个特定的历史熔炉中被锻造出来的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏掌控得相当精妙，它不是那种线性的、从古至今的编年史，更像是一系列精心编排的“专题展览”。每一部分的切换都伴随着一次视角的突然转换，让人在感到新鲜的同时，又不失整体的连贯性。比如，在深入探讨了印象派的诞生后，作者突然将笔锋转向了十九世纪末期巴黎公共浴场的社会分层现象，通过分析不同阶层对“洁净”和“裸露”的审美差异，间接地阐明了塞尚和马奈在构图与人体处理上所蕴含的社会心理张力。这种跳跃性的结构，要求读者必须时刻保持专注，因为信息密度非常高。我个人认为，对于初次接触此类研究的读者来说，可能需要反复咀嚼才能完全消化其中复杂的逻辑链条，但一旦跟上作者的思路，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它成功地将宏大的历史叙事分解成了无数个微小、却又至关重要的社会切片。