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白瑩（Masaru Fujimoto） 著

图书标签:

• 艺术史
• 艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 文化
• 历史
• 图解
• 艺术入门
• 西方艺术史

出版社： 信實文化行銷有限公司

ISBN：9789866620997

商品编码：16004044

包装：平裝

出版时间：2009-10-19

页数：416

正文语种：繁體中文

内容简介

橫跨世界五大洲，縱橫古今三萬年
涵蓋繪畫、雕塑、建築、工藝品、攝影、裝置藝術、行動藝術
以珍貴的作品圖片、精闢的解說
展現全人類對「美」的豐沛創造力
本書以時間為經、區域為緯，導覽歐、亞、非、美、澳五大洲的藝術作品，並讓世界地圖擔任藝術解說員，讓您一眼就可掌握全球的藝術演變與走向。
藝術起源與人類的生產活動密不可分，不同的生活方式，造就出對美的不同感受力與創造力。中國的秦始皇在建陵墓、造兵馬俑的年代，古希臘人雕出了「斷臂的維納斯」。歐洲誕生了天才達文西的同時，南美洲印加文明也正逢全盛時期，建造出絕壁上的馬丘比丘城。原本互不相關、獨立發展的藝術，經過了大航海時代、工業革命、帝國主義時期直到現代全球化的20世紀，逐漸相互融合激盪，產生了無數混血的聯姻，以及嶄新的藝術形式。
透過時代與區域的雙重架構，整合各時期重要藝術家與流派介紹，並精選藝術品圖片解說，最精華的藝術史躍然眼前，一次滿足您對美的知性渴望。

目录

出版序
第一編 世界上古藝術
第一章 史前藝術
第一節 石器時代藝術
第二節 歐洲藝術
第三節 亞洲藝術
第四節 非洲藝術
第五節 大洋洲藝術
第六節 美洲藝術
第二編 文明形成時期的藝術
第一章 早期文明時期的藝術
第一節 歐洲古文明的藝術
第二節 亞洲古文明的藝術
第三節 非洲古文明的藝術
第二章 古典文明時期的藝術
第一節 歐洲古典文明時期的藝術
第二節 亞洲古典文明時期的藝術
第三節 美洲古典文明時期的藝術
第三編 中世紀與過渡時期的藝術
第一章 中世紀時期的藝術
第一節 歐洲中世紀時期的藝術
第二節 亞洲中世紀時期的藝術
第三節 美洲中世紀時期的藝術
第四節 非洲中世紀時期的藝術
第二章 15—16世紀的藝術
第一節 歐洲15—16世紀的藝術
第二節 亞洲15—16世紀的藝術
第三節 美洲15—16世紀的藝術
第四節 非洲15—16世紀的藝術
第四編 近現代藝術
第一章 17—18世紀的藝術
第一節 歐洲17—18世紀的藝術
第二節 亞洲17—18世紀的藝術
第二章 19世紀的藝術
第一節 歐洲19世紀的藝術
第二節 美洲19世紀的藝術
第三節 亞洲19世紀的藝術
第三章 20世紀的藝術
第一節 歐洲20世紀80年代之前的藝術
第二節 美洲20世紀80年代之前的藝術
第三節 亞洲20世紀80年代之前的藝術
第四節 20世紀80年代後的主流藝術

精彩书摘

出版序/許汝紘（本文作者為華滋出版總編輯）
龍吟虎嘯?爭奇鬥豔的藝術史詩
閱讀是一件愉悅的事情，尤其是閱讀歷史。
歷史告訴我們什麼是文明；什麼是傳承；什麼是人性的善美；什麼是人類思想的真諦；而藝術的歷史，則以具體的視覺圖像，訴說著在地球上各種文明的發展脈絡，與相互之間的影響與連結。
因為有了視覺的圖像，所以我們很容易掌握區域文明的發展脈絡，如果再加上空間的元素，我們便能很快跳脫只觀察斷代歷史的侷限性。但《圖解藝術史》最難能可貴的是，除了有具體的視覺圖像、有時間縱

前言/序言

东方画卷的流光溢彩：中国传统绘画的审美与技法深度探究 本书聚焦于中国传统绘画的博大精深，通过对历代名家作品的精妙解析与技法梳理，带领读者深入领略东方艺术的独特魅力与哲学意蕴。 第一章：水墨精神——中国画的哲学基石与文人品格 中国画，并非仅仅是描摹形体，它更是一种精神的寄托与哲思的流露。本章将从“道法自然”的宇宙观出发，探讨中国传统美学思想如何渗透于绘画的每一个笔触之中。 1.1 阴阳五行与笔墨的辩证统一： 深入剖析墨色的浓淡干湿如何对应自然界的阴阳变化。水墨的“黑白世界”并非单调，而是蕴含着无穷的变化与张力。解析宣纸的吸水性对墨韵形成的关键作用，以及“计白当黑”的构图哲学。 1.2 文人画的兴起与“士气”的塑造： 重点考察自唐宋以来，文人阶层对绘画的介入如何改变了画科的格局。探讨“诗、书、画、印”四绝的融合，以及“胸中有丘壑”如何高于“目中有人间”。通过对苏轼、米芾等大家的论述，阐释“逸笔草草，不求形似”背后的审美追求——追求意境与人格的投射。 1.3 气韵生动：超越视觉的审美标准： 详解谢赫“六法”之首“气韵生动”的内涵。这不仅是技法的圆融，更是画家生命力与自然万物精神相契合的体现。通过对比宋代院体画的精谨与元代文人画的疏朗，来理解“气韵”在不同历史时期的侧重点变化。 第二章：山水之间——中国山水画的演变与空间构建 山水画是中国绘画体系中最具代表性、也是哲学意蕴最为深厚的画科。本章将按时间脉络梳理其发展，并重点解析其独特的空间处理方式。 2.1 隋唐之际：开创与巨碑式的空间感： 考察李思训的青绿山水如何奠定了早期山水画的辉煌基调。重点分析“金碧山水”的材料特性与装饰性，以及李思训如何营造出宏大、庄严的皇家气象。 2.2 宋代的理性与“可行、可望、可游、可居”： 分析北宋范宽、郭熙等如何将对自然的观察推向极致。范宽《溪山行旅图》中“雨点皴”的运用，展现了山体肌理的厚重感；郭熙《早春图》则体现了高远、深远、平远三种视角的交替运用，构建了可供人游历的完整空间体系。 2.3 元四家的内化与笔墨语言的解放： 深入探讨黄公望、倪瓒等如何从“外师造化”转向“胸中丘壑”。分析董源、巨然的“披麻皴”如何被元代画家继承和演化，以及倪瓒“折笔”的运用所体现的清冷孤寂的文人情怀。 2.4 明清的“南北宗”论及其格局的再造： 辨析董其昌提出的“南北宗”对后世山水画的理论影响。解析“南宗”（以文人画为主）和“北宗”（以院体与浙派为代表）在用墨、皴法和意境上的差异，并考察清初“四王”如何集古成家，将传统笔墨推向集大成的阶段。 第三章：花鸟虫鱼——从写实到写意的心物交融 花鸟画是中国日常生活中最贴近人情的画科，它完美体现了中国艺术中“写意”的灵活多变。 3.1 唐代写实主义的巅峰——工笔重彩： 重点研习“黄家富贵”（黄筌父子）的精细描摹，以及“徐家野逸”（徐熙）开创的写意风尚。解析唐代花鸟画如何服务于宫廷审美，强调对物象的精准捕捉与色彩的运用。 3.2 宋代“格物致知”与生态描绘： 探讨宋徽宗的瘦金体书法与院体花鸟画的结合，体现了皇帝对自然科学的关注。分析宋代花鸟画中对光影、动态的细腻把握，使画面充满生命力。 3.3 文人写意花鸟的诞生与创新： 深入解析以赵孟頫、王冕为代表的文人如何将花鸟作为“托物言志”的载体。重点剖析“梅兰竹菊”四君子的文化符号意义。特别是对竹子的描绘，如何从“写竿”到“写节”再到“写心”的演变过程。 3.4 明清的泼墨与写意水墨的深化： 考察徐渭的大写意风格，其笔法狂放，将水墨的随机性推向极致。分析八大山人通过奇特的造型（如翻白眼鱼、白眼鸟）来表达的孤愤与蔑视。探讨清代恽寿平开创的“没骨”新法，如何以色彩的渲染直接塑造形体，实现笔墨的简化与意境的提升。 第四章：人物画科的叙事与肖像传统 人物画承载了中国古代的伦理教化与历史叙事功能。本章将侧重于不同历史时期对人物精神状态的捕捉。 4.1 早期人物画的功用与“顾陆之争”： 概述汉魏六朝时期人物画的宗教与历史题材的倾向。重点对比顾恺之“传神写照，妙在象外”的理论与陆机的“形神兼备”的实践，理解“形似”与“神似”的早期探讨。 4.2 盛唐气象与世俗生活的描绘： 分析吴道子“吴带当风”的笔法，如何赋予人物以飘逸的动感。考察周昉《簪花仕女图》所展现的盛唐贵族女性的丰腴与哀愁，体现了唐代社会审美的高峰。 4.3 宋代的世俗化与心理深度： 探讨宋代人物画如何走向市井与日常。重点分析张择端《清明上河图》的百科全书式描绘，展现了宋代市民阶层的生动群像。解析李公麟白描技法的精妙，如何通过线条的粗细、顿挫来塑造人物的内在气质和身份特征。 4.4 笔墨造型的转型与宗教人物的演变： 考察明清时期对古代人物画技法的回归与再创造。分析陈老莲（洪绶）的人物造型如何吸收版画的造型特点，形成夸张、奇崛的个人风格。讨论清代“改画”风气下，人物画对传统程式的坚守与对民间艺术元素的吸纳。 第五章：笔墨技法与材料的科学探究 本章将从技术层面拆解中国画的物质基础与操作规范，为实践者提供坚实的技法支撑。 5.1 笔法：线条的语言体系： 系统梳理中国画的十八描，如铁线描、兰叶描、高古游丝描等，并解析其在不同画科（人物、山水、花鸟）中的适用性。探讨“中锋用笔”的本质——对毛笔弹性和韧性的精确控制。 5.2 墨法与渲染：水墨的无穷变幻： 详细讲解“墨分五色”的实现途径，包括焦、浓、重、淡、清的层次构建。分析湿画法（破墨法）与干画法（皴法）的对立统一，以及如何通过控制水分实现墨色的自然晕化效果。 5.3 设色：矿物颜料的稳定与光泽： 介绍中国画所用颜料的来源与特性，如石青、石绿等矿物颜料的附着力与历代保存的困难。讲解“罩染”和“退晕”的技法，是如何在工笔画中实现色彩的层次感和透明感。 5.4 题跋与印章：完成画面的仪式： 探讨书法在画面中的重要地位，它不仅是说明，更是构图的有机组成部分。分析不同书体（篆、隶、楷、行、草）在画作中的角色，以及印章的朱红如何作为画面的“点睛之笔”，平衡整体的黑白关系。 本书力求以严谨的学术视角，结合详尽的图例分析，还原中国传统绘画从哲学构想到具体笔墨实践的完整链条，旨在为读者提供一个全面而深入的艺术考察路径。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种经常需要跨领域学习的人来说，这本书最大的价值在于它提供的“关联性思考”。它没有将艺术史孤立地看待，而是频繁地将其置于更宏大的历史、哲学、科技背景下进行考察。比如，在谈到哥特式建筑的崛起时，书中会同步探讨中世纪神学思想的演变，以及当时工程技术上的突破，解释了为什么那个时代的人们会追求那种直插云霄的尖顶结构。这种多维度的关联分析，让我对艺术的理解不再是零散的知识点集合，而是一个相互影响、相互塑造的复杂系统。当我了解到摄影术的发明是如何直接冲击了传统绘画的记录功能，从而推动了后来的抽象艺术运动时，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。这本书成功地构建了一个知识网络，让我明白艺术的发展从来都不是凭空出现的，而是特定时代思潮、技术和需求的产物。它培养了我一种批判性思考的习惯，让我开始追问“为什么是这样？”而不是满足于“就这样”。

评分☆☆☆☆☆

我个人特别欣赏这本书在解读艺术作品时所采用的那种细腻入微的分析角度。它不仅仅是简单地告诉我们“这是谁画的，哪个时期的作品”，而是深入到了作品的“肌理”层面。举个例子，当我们谈论立体主义时，书中不是简单地提及毕加索如何解构物体，而是通过对比分析他不同阶段的画作，详细阐释了从早期的“蓝色时期”到“立体主义解构”过程中的关键转折点和思想挣扎。这种层层剥茧的分析，让原本感觉高深莫测的现代艺术变得可以触摸、可以理解。书中对那些标志性作品的“微观解读”尤其精彩，比如某幅画中人物眼神的微妙变化、背景色彩的选择是如何烘托主题情绪的等等。这些细节的挖掘，极大地丰富了我对艺术作品的感知力。现在，当我再去看那些博物馆里的名作时，我的目光不再是走马观花，而是会下意识地去寻找书中提到过的那些“线索”——光线的处理、构图的平衡、象征符号的运用。这本书成功地教会了我如何“看”艺术，而不是仅仅“欣赏”艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格可以说是非常接地气，完全没有传统艺术史著作那种高高在上的学术腔调。作者的文笔非常生动，甚至带有一丝幽默感，读起来一点也不觉得累。它更像是与一位博学的朋友坐在咖啡馆里，听他娓娓道来那些艺术史上的轶事和八卦。比如，关于某些艺术家与赞助人之间错综复杂的关系，或者某次艺术展上引发的巨大争议，这些内容都被作者描述得绘声绘色，让人听得津津有味。这种轻松的叙述方式，极大地提升了阅读的愉悦感。我通常很难长时间专注于阅读严肃的非虚构类书籍，但这本书的节奏把控得极好，每隔一段时间就会穿插一些有趣的小知识点或“你知道吗？”的侧边栏，像是在为你提供一个短暂的休憩点，然后又重新把你拉回到主线中。它成功地将艺术史从一个遥远、高冷的学科，拉到了我们日常生活的语境下，让我觉得艺术鉴赏其实是一件可以融入生活、随时随地都能享受的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版简直是一场视觉盛宴！我拿到手的时候就被它精美的插图吸引住了。那种高清的印刷质量，色彩的还原度极高，简直就像把原作搬到了眼前。尤其是那些文艺复兴时期的油画细节，连笔触的纹理都能清晰地感受到。作为一名对艺术史有兴趣的普通读者，我最怕的就是那种文字堆砌、图文分离的枯燥教材，但这本书完全没有这个问题。它巧妙地将文字介绍和对应的视觉材料无缝融合，每当讲到一个流派或一位大师时，相关的代表作就会立刻呈现在旁边，这种“所见即所学”的方式，极大地降低了理解的门槛。我以前对巴洛克风格那种戏剧性的光影效果总是理解得一知半解，但配合着书里精心挑选的特写图片，那种强烈的对比和情感的张力瞬间就被捕捉到了。而且，装帧设计也很有质感，拿在手里沉甸甸的，完全可以当做一本精美的画册来收藏。对于想要系统性入门艺术史，又不想被晦涩学术语言劝退的读者来说，这本书的视觉呈现效果绝对是教科书级别的典范。它让我真正体会到了“艺术是直观的表达”这句话的含义，纯粹的文字描述永远无法取代亲眼“看见”的震撼力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事逻辑和时间脉络梳理得非常清晰，简直是为我这种零基础的“小白”量身定制的导览图。它不像有些学术专著那样，动辄就从史前洞穴壁画开始，让人望而生畏，而是以一种非常流畅且富有节奏感的方式，带着读者逐步深入。作者似乎深谙非专业人士的认知习惯，总能找到最恰当的切入点。比如在介绍印象派时，它没有一味纠结于晦涩的光学理论，而是先从当时的社会背景——巴黎的快速工业化和生活方式的改变入手，让你明白为什么艺术家们突然要走出画室，捕捉稍纵即逝的光影。这种“情景代入式”的讲解，让那些看似抽象的艺术流派突然变得鲜活起来，充满了生活气息。更棒的是，书中对于不同艺术时期之间的过渡和影响，做了非常细腻的勾勒。比如，如何从古典主义的严谨过渡到浪漫主义的激情四射，再到后印象派对色彩和形式的颠覆，每一步的逻辑链条都扣得很紧，让你不会在庞大的艺术史长河中迷失方向。读完一章，你对那个时代艺术家的思考方式和创作动机都会有一个豁然开朗的认识。