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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103011195

商品编码：12414371341

开本：32

出版时间：1994-03-01

基本信息

• 商品名称：外国音乐表演用语词典(第2版)
• 作者：编者:外国音乐表演用语词典编写组
• 定价：29
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103011195

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1994-03-01
• 印刷时间：2017-04-01
• 版次：2
• 印次：30
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：313

内容提要

外国音乐表演用语词典编写组编著的《外国音乐 表演用语词典(第2版)》以见于乐谱的速度、力度、 表情等演奏演唱用语为主，兼收一部分与演奏演唱有 关的其他音乐名词术语和常用语词。常用装饰音和乐 器词汇分别收在附表六和附表匕中，正文不列。本书 收标记速度、力度、表情等演奏演唱指示的外语词汇 ，兼收相关的其它音乐名词术语和常用语词。
    

目录

凡例
正文
意、英、德、法、西用语
意大利语读音规则
德语语音国际音标例释
俄语用语
附录
附表一 基本速度
附表二 基本力度
附表三 演奏演唱记号
附表四 段落反复标记法
附表五 乐谱简记法
附表六 常用装饰音
附表七 管弦乐队乐器名及缩写
索引

《世界音乐史：从古代到二十世纪》 导言：音乐作为人类文明的脉搏 音乐，作为人类情感最直接、最深刻的表达方式之一，其发展历程几乎与人类文明的演进同步。本书旨在勾勒一部宏大而精微的世界音乐历史图景，从史前文明的简陋乐器，到二十世纪纷繁复杂的流派更迭，试图揭示音乐在不同文化、不同时代背景下所扮演的角色、其形式的演变以及技术革新带来的深刻影响。我们不将音乐视为孤立的艺术形式，而是将其置于社会、哲学、宗教和政治的广阔背景中进行考察。 第一部分：古代文明的音乐遗产（公元前3000年 – 公元500年） 第一章：史前与早期文明的声响 本章将探究人类最早的声音创造。从考古学发现的骨笛、陶制乐器残片出发，讨论早期音乐的起源与功能——祭祀、劳动号子、以及部落间的交流。随后，我们将聚焦于美索不达米亚（苏美尔、巴比伦）和古埃及文明的音乐成就。古埃及壁画中描绘的竖琴、里拉琴以及祭司的歌咏，为我们理解这些文明复杂的宗教仪式与宫廷生活提供了宝贵的线索。 第二章：希腊音乐：理性与和谐的追求 古希腊被誉为西方音乐理论的摇篮。本章将深入探讨毕达哥拉斯对音程的数学化理解，即“音乐的和谐源于数字的比例”。我们将分析柏拉图和亚里士多德在《理想国》中对音乐伦理（Ethos）的论述——音乐如何塑造公民的品德。本章还将详述古希腊的记谱尝试（字母记谱法）、重要的乐器（如阿夫洛斯和里拉琴），以及在戏剧和庆典中音乐所扮演的核心角色。 第三章：罗马与早期基督教音乐的萌芽 罗马帝国继承了希腊的音乐传统，并将其应用于军事和公共庆典。然而，更具深远影响的是基督教的兴起。本章分析了早期基督教礼拜仪式中赞美诗（如圣咏）的初步发展，探讨了文本叙事与单音音乐形式的结合，为中世纪音乐的繁荣奠定了基础。 第二部分：中世纪的宗教与世俗之声（公元500年 – 公元1400年） 第四章：格里高利圣咏的规范化 中世纪的音乐生活主要围绕教会展开。查理曼大帝时期对礼拜音乐的统一化努力，促成了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的最终定型。本章将详细解析单音音乐的结构、调式系统（教会调式），以及墨咏（Plainchant）在弥撒和日课中的功能。我们将追溯早期记谱法（纽姆记谱法 Neumes）如何从指示旋律轮廓演变为记录精确音高的工具。 第五章：复调音乐的诞生与早期发展 复调（Polyphony）的出现是西方音乐史上一次革命性的飞跃。本章从巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）——特别是列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）的作品出发，剖析奥尔加农（Organum）的结构演变，从平行进行的二部声部，发展到复杂的自由复调。我们还将讨论节拍概念的初步形成以及对“节奏模式”（Rhythmic Modes）的运用。 第六章：世俗音乐的活力：吟游诗人与游唱诗人 在庄严的教堂之外，世俗音乐同样蓬勃发展。本章关注法国的“诗歌歌者”（Troubadours）、德国的“吟游诗人”（Minnesänger）以及北法的“游唱诗人”（Trouvères）。他们的作品多以爱情、骑士精神和政治讽喻为主题，使用通俗语言，并为后来的器乐技巧和体裁发展提供了素材。此外，本章也会简要介绍中世纪晚期（Ars Nova）的音乐创新，如马肖（Machaut）对乐曲结构复杂性的提升。 第三部分：文艺复兴的和谐与人文主义（公元1400年 – 公元1600年） 第七章：尼德兰乐派的鼎盛与技术成熟 文艺复兴早期，以杜法依（Dufay）为代表的尼德兰作曲家将复调技术推向了精妙的平衡。本章聚焦于“模仿手法”（Imitation）的广泛运用，探讨了伯德斯安（Josquin des Prez）如何通过精巧的织体设计，实现文本清晰度和音乐美感的完美统一。对位法的运用达到了前所未有的精细程度。 第八章：宗教音乐的改革与对位艺术的巅峰 宗教改革（马丁·路德）和反宗教改革（特伦特会议）对音乐产生了巨大冲击。本章将分析帕莱斯特里纳（Palestrina）如何通过其纯净、平衡的复调风格，回应了教会对音乐清晰度的要求。同时，我们将探讨世俗音乐体裁的兴起，如意大利的“牧歌”（Madrigal），它以更强烈的对文本的描绘（Word Painting）和更丰富的情感表达，预示了巴洛克时代的到来。 第九章：器乐的独立与早期舞曲 随着乐器制作技术的提高，器乐开始从声乐中独立出来。本章讨论鲁特琴、维奥尔琴（Viols）和早期键盘乐器（如哈普西科德）的普及。我们将考察早期的器乐体裁，如前奏曲、里切卡尔（Ricercar）以及成套的舞曲组曲（Pavane、Galliard），这些为后来的协奏曲和奏鸣曲奠定了基础。 第四部分：巴洛克时代的宏大叙事与情感张力（公元1600年 – 公元1750年） 第十章：歌剧的诞生与“新的音乐” 巴洛克时期始于对古希腊戏剧的复兴尝试，催生了歌剧（Opera）。本章详细解析了意大利佛罗伦萨的“新艺术学会”（Camerata）及其“韵白”（Recitative）的创新。我们将考察蒙特威尔第（Monteverdi）的作品如何将强烈的戏剧性情感（Affetti）融入音乐中，以及“歌剧院”作为一种新的社会娱乐场所的出现。 第十一章：协奏曲、奏鸣曲与通奏低音的统治 通奏低音（Basso Continuo）是巴洛克音乐的结构骨架，本章将解释其运作原理（数字低音）。我们将区分协奏曲的两种主要形式：大协奏曲（Concerto Grosso，如柯列里）和独奏协奏曲（Solo Concerto，如维瓦尔第），并分析奏鸣曲体裁的规范化过程。 第十二章：风格的集大成者：巴赫与亨德尔 本章是巴洛克时期的总结。我们将深入分析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）在对位法、赋格（Fugue）以及键盘音乐上的登峰造极的成就，探究其音乐中的神学深度。随后，我们将考察乔治·弗里德里希·亨德尔（G.F. Handel）的清唱剧（Oratorio），特别是《弥赛亚》，如何将歌剧的戏剧性与宗教叙事完美结合，并成为面向公众演出的重要形式。 第五部分：古典主义的清晰与平衡（公元1750年 – 公元1820年） 第十三章：启蒙运动与音乐的转向 启蒙运动强调理性、清晰和普适的情感表达，这直接影响了音乐的审美取向，促成了从巴洛克时期的复杂装饰向古典主义时期的简洁优雅的转变。本章探讨了“敏感风格”（Empfindsamer Stil）和“狂飙突进风格”（Sturm und Drang）对新体裁的影响。 第十四章：奏鸣曲式与交响乐的规范化 奏鸣曲式（Sonata Form）成为古典主义音乐的基石。本章详细解析了呈示部、发展部和再现部的结构逻辑。维也纳古典乐派的三巨头——海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）——如何将交响乐、室内乐（四重奏）和协奏曲推向高峰。海顿对交响乐的结构贡献，莫扎特对旋律与戏剧性的完美把握，都将得到细致的论述。 第十五章：钢琴的崛起与独奏会的兴起 随着钢琴的取代钢琴（Clavichord）成为主流乐器，其表现力极大地丰富了作曲家的创作视野。本章讨论了钢琴奏鸣曲的发展，以及音乐会文化（Concert Culture）的成熟——音乐不再仅仅是宫廷的附属品，而是成为面向中产阶级观众的独立艺术品。 第六部分：浪漫主义的激情与个性解放（公元1820年 – 公元1900年） 第十六章：个人情感的极端表达 浪漫主义音乐将主观情感、想象力和对自然的崇拜置于核心地位。本章聚焦于舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与钢琴伴奏融为一体，创造出浓缩的戏剧性。肖邦（Chopin）对钢琴独特语汇的开发，以及李斯特（Liszt）对“交响诗”（Symphonic Poem）的开创性贡献，都体现了对传统体裁的突破。 第十七章：民族乐派的兴起与“德奥”传统的挑战 随着民族意识的觉醒，欧洲各地作曲家开始在民间音乐、舞蹈和传说中汲取灵感，形成了独特的民族风格，如俄罗斯的“五人组”、捷克的德沃夏克（Dvořák）和斯美塔那（Smetana）。本章对比了德奥传统（如勃拉姆斯）与新兴民族乐派在音乐语言和叙事侧重点上的差异。 第十八章：晚期浪漫主义的扩张与瓦格纳的革命 本章将重点分析理查德·瓦格纳（Richard Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念。通过对乐剧（Music Drama）的分析，我们将探讨他如何运用“主导动机”（Leitmotif）系统，以及他对和声的拓展——如何一步步打破了传统的调性束缚，为二十世纪的音乐变革铺平了道路。 第七部分：二十世纪的破碎与多元探索（公元1900年至今） 第十九章：调性的终结与新古典主义的回应 二十世纪初，音乐进入了一个剧烈的变革期。勋伯格（Schoenberg）对无调性（Atonality）的探索，以及随后发展出的十二音体系（Dodecaphony），标志着传统调性体系的瓦解。同时，德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的印象主义，以及斯特拉文斯基（Stravinsky）早期的原始主义（Primitivism）作品，展示了色彩和节奏的解放。新古典主义（Neoclassicism）作为对浪漫主义过度情感化的反动，也在此阶段形成。 第二十章：节奏的爆炸与电子声音的引入 本章探讨了节奏在二十世纪音乐中的中心地位，特别是对非洲和拉丁美洲节奏的吸收（如格什温）。随后，我们将转向技术革新的前沿：具体音乐（Musique Concrète）的出现，以及电子合成器和磁带技术如何彻底改变了声音的生产和操纵方式，预示了电子音乐的广阔前景。 第二十一章：后现代的多元化与全球视野 从战后直到当代，音乐风格呈现出极度碎片化的趋势。我们探讨了极简主义（Minimalism，如赖希、格拉斯）对重复和过程的痴迷，以及序列主义的进一步发展。最后，本书将拓宽视野，简要提及非西方音乐体系（如印度拉格、日本雅乐）对西方作曲家日益增长的影响，展示当代音乐景观的复杂性和包容性。 结语：永恒的对话 本书结束于对音乐本体论的沉思：在技术不断进步、文化不断融合的今天，音乐的意义和功能将如何继续演变？世界音乐史是一部关于人类创造力、技术局限与情感需求的持续对话史。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我对古典音乐情有独钟，但碍于语言障碍，很多时候在欣赏音乐会时，都会感到些许隔阂。那些乐谱上的意大利语、德语、法语词汇，虽然听起来优美，但其确切含义却常常让我捉摸不透。这次偶然看到《外国音乐表演用语词典（第2版）》，就好像黑暗中出现了一道光。我毫不犹豫地购入了这本书，期望它能成为我通往音乐殿堂更顺畅的桥梁。 翻开书本，首先映入眼帘的是其精美的设计和清晰的排版。纸张的触感极佳，墨迹浓郁而不晕染，光是翻阅就能感受到出版方的用心。我迫不及待地想要查找那些我常常遇到的音乐术语。例如，在聆听贝多芬的奏鸣曲时，我常常会看到“appassionato”这个词，我能感受到作曲家想要表达的热情，但究竟是怎样的热情，用词典来查证，会更加精确。同样，在歌剧的介绍中，“adagio”和“allegro”这两个词是如此常见，却又有着微妙的差别，我想通过这本书来深入理解这些速度标记背后所蕴含的音乐情感。 我尤其期待这本书能够对那些细微的情感表达有更详尽的阐释。比如，仅仅是“dolce”这个词，就可以有多种不同的翻译，但我更想知道，在不同的作曲家、不同的乐曲中，这个“甜美”究竟能有多少种层次和变化。音乐的魅力，很大一部分就体现在这些细微之处。我想通过这本书，不仅学习到术语的字面意思，更能理解它在音乐表演中的实际运用和情感传达。 对于我这样一位业余爱好者来说，能够清晰地理解指挥家在乐谱上标注的每一个细节，以及演奏家在舞台上如何精准地诠释这些细节，是一件至关重要的事。这本词典的出版，对于提升我们这类音乐爱好者的欣赏水平，无疑具有极大的帮助。我希望它能够涵盖尽可能多的常用语，并且在解释上既有学术的严谨性，又不失通俗易懂的表述，让我在阅读时不会感到枯燥乏味，而是能够从中汲取源源不断的音乐知识。 我个人对于音乐史的了解，一直是断断续续的，很多时候，历史事件和音乐作品之间总隔着一层薄纱。我常常在阅读音乐家的传记或者某个音乐流派的介绍时，遇到一些与历史相关的词汇，比如“洛可可风格”或者“印象主义”。我希望这本词典不仅能够解释音乐表演的术语，也能在一定程度上涵盖与音乐风格、历史时期相关的词汇，这样我便能更好地将音乐作品置于其所处的历史文化背景中去理解，从而更深入地体会音乐的丰富内涵。

评分☆☆☆☆☆

我对于音乐表演中的各种细节有着近乎痴迷的探究欲。从早期的巴洛克时期到浪漫主义的辉煌，再到现代音乐的探索，每一次聆听，我都在试图捕捉作曲家想要传达的每一个细微的情感。然而，语言始终是一个绕不开的障碍，尤其是那些意大利语、德语、法语的音乐术语，它们就像是隐藏在美妙旋律中的密码。 《外国音乐表演用语词典（第2版）》的出现，让我看到了破解这些密码的希望。我迫不及待地想要了解，那些标记着“virtuoso”的乐段，究竟需要怎样的技艺才能驾驭？而“rubato”的运用，又会在音乐中增添怎样的灵动与自由？我希望这本书能够不仅仅是提供一个冰冷的定义，而是能够深入浅出地讲解这些术语背后的音乐哲学和表演实践。 我尤其希望能在这本书中找到关于“interpretation”和“expression”的词汇。音乐的魅力不仅在于音符本身，更在于演奏者如何赋予这些音符生命。比如，对于“tranquillo”的理解，不同演奏家可能会呈现出不同的宁静感，我渴望了解这些术语在指导演奏家进行个性化诠释时所起到的作用。 另外，我对于歌唱艺术的理解也常常受到专业术语的限制。比如，声乐作品中那些关于气息、发声方法、以及情感表达的术语，如果能有详细的阐述，那将对我欣赏歌剧、艺术歌曲等声乐作品有巨大的帮助。 我相信，一本高质量的音乐表演用语词典，能够极大地提升我对音乐作品的鉴赏能力。它不只是一个工具书，更是一个启发者，能够引导我更深入地思考音乐的意义，更敏锐地感受音乐的情感。

评分☆☆☆☆☆

我是一名普通的音乐发烧友，对古典音乐尤其喜爱。每次听到精彩的音乐会，我都会兴奋不已，但同时也常常被乐谱上那些陌生的外国词汇所困扰。这些词汇，看似只是简单的文字，却承载着作曲家对音乐情感、速度、力度、演奏技巧等方面的精妙指示。 我一直在寻找一本能够系统梳理这些音乐术语的书籍，以便更好地理解音乐的内涵。当我看到《外国音乐表演用语词典（第2版）》这个书名时，我的内心就充满了期待。我深知，掌握这些词汇，就如同打开了一扇通往音乐更深层世界的大门。 我希望这本词典能够涵盖广泛的音乐术语，并且对于每个术语的解释都能够清晰、准确。例如，对于“andante”和“moderato”这样的速度标记，我希望能有更细致的区分，了解它们在不同时期、不同作品中的具体含义。同时，我也希望能够了解到更多关于音乐表情的术语，比如“cantabile”、“espressivo”等等，理解它们是如何在音乐中被演绎出来的。 此外，我特别关注那些与演奏技巧相关的术语。比如，“pizzicato”和“arco”在弦乐演奏中是截然不同的表现手法，它们的音响效果和音乐效果也各不相同。如果词典能够解释这些技巧的由来、特点以及在音乐中的作用，那将对我欣赏弦乐作品有很大的帮助。 作为一本“第2版”的词典，我期待它不仅能够包含传统的音乐术语，还能有所更新和补充，尤其是一些在当代音乐表演中常用的新词汇。我希望它能够成为我身边一位随时的音乐向导，帮助我在聆听音乐时，能够更自信、更深入地理解其中的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐充满热情但缺乏专业训练的乐迷，我常常在欣赏音乐会的过程中感到些许力不从心。那些在节目单或乐评中出现的诸如“fugue”、“sonata form”之类的术语，虽然听起来很有学问，但其确切含义却常常让我感到模糊。 我一直梦想着拥有一本能够系统梳理和解释这些音乐表演常用语的书籍。《外国音乐表演用语词典（第2版）》的出现，正是满足了我这一长久以来的愿望。我希望这本书能够像一位循循善诱的老师，带领我一步步揭开音乐世界的神秘面纱。 我期待它能够清晰地解释各种音乐体裁的构成要素，例如，对于“symphony”和“concerto”的区别，以及它们内部的乐章结构，希望能有详尽的说明。再者，关于乐器演奏技法的术语，如“tremolo”、“vibrato”等，我希望能了解到它们在不同乐器上的具体应用和效果。 我尤其关注那些能够帮助我理解音乐作品结构和发展逻辑的术语。例如，“motif”、“theme”、“variation”等概念，它们是构成一首乐曲骨架的重要组成部分。如果词典能够提供一些具体的音乐片段作为范例，并解释这些术语是如何在乐曲中体现的，那将是极其有益的学习方式。 同时，我也希望这本书能够对一些重要的音乐历史时期和风格流派相关的术语有所涉及。比如，了解“baroque counterpoint”或“classical harmony”的基本概念，将有助于我更好地理解不同时代音乐的特色。 总而言之，我期待这本词典能够成为我音乐学习道路上一个可靠的伙伴，它不仅能够解答我关于术语的疑问，更能激发我深入探索音乐的兴趣，最终提升我对音乐的整体理解和欣赏水平。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐爱好者，我一直在寻求更专业、更系统的学习资源，来深化我对音乐世界的理解。市面上关于音乐的书籍琳琅满目，但真正能够深入到音乐表演核心的，却并不多见。《外国音乐表演用语词典（第2版）》的出现，让我看到了一个解决我长期以来困扰的突破口。 我常常在欣赏音乐会或者阅读乐评时，遇到许多我似懂非懂的词汇。比如，在描述一段乐句时，乐评人可能会用到“legato”和“staccato”等词语，我大概知道它们代表着连贯和断奏，但究竟在实际演奏中，它们会对音乐的听感产生怎样的影响，我还需要更深入的解释。再比如，像“crescendo”和“diminuendo”这样表示力度变化的术语，虽然不难理解，但如果能有更详细的区分，比如力度变化的幅度、速度，以及在不同乐器上的表现形式，那将更加有益。 这本书的第二版，也意味着它经过了时间的检验和内容的更新。我非常期待它能够收录更多近年来新兴的音乐表演术语，以及对一些传统术语进行更具时代性的解读。例如，随着电子音乐和跨界音乐的发展，一些新的技术和表现方式应运而生，如果词典能有所涉及，那将极大地拓宽其使用范围。 我希望这本书能够不仅提供词汇的定义，更能提供一些例证，比如引用具体的乐曲片段，或者提供一些知名指挥家、演奏家的演奏示范作为参考。通过实际的音乐听觉体验来加深对术语的理解，这对于学习者来说是极其宝贵的。 我对于音乐理论和实践之间的联系有着强烈的求知欲。很多时候，音乐理论书籍会显得过于枯燥，而音乐表演的实践又缺少理论的支撑。《外国音乐表演用语词典（第2版）》似乎能够架起这座桥梁，将理论术语与实际的音乐呈现有机地结合起来，从而帮助我更好地理解音乐的创作意图和表演的艺术性。