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西罗格 著

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出版社： 江西美术出版社

ISBN：9787548044253

版次：1

商品编码：12343265

包装：平装

开本：32开

出版时间：2018-03-01

用纸：胶版纸

内容简介

艺术是人身体的外在之美，可观可赏。包 括 雕 塑 ， 绘 画 等。 它 早 起 源 于十五六世纪后文艺复兴的意大利和法国，利用古代神话题材进行艺术创作，一方面 是表现人体本身的美，另一方面 是借以表达社会和人性的真善恶。本书通过大量展示作品所创作的人物背景、色调、构图，使读者了解作品产生的时间、历史背景、创作思想。体现不同作者的创作理念。

内页插图

现代建筑的诗意与理性：探索结构、空间与光影的对话 图书名称：现代建筑的诗意与理性 内容简介： 本书《现代建筑的诗意与理性》是一部深入剖析二十世纪以来西方乃至全球现代建筑思潮、理论演变及其具体实践的专著。它并非简单地罗列建筑大师的名字与作品，而是致力于揭示隐藏在钢筋、混凝土与玻璃背后的哲学思辨、社会诉求与美学追求。全书结构严谨，论证充分，旨在为建筑专业人士、艺术史学者以及对当代城市景观怀有好奇心的普通读者，提供一个理解现代建筑复杂性的清晰框架。 第一部分：现代性的黎明——从功能主义到国际风格的理论基石 本部分追溯现代建筑的起源，着重探讨了工业革命带来的社会结构变化对建筑需求产生的根本性影响。我们首先聚焦于十九世纪末至二十世纪初，欧洲知识分子对“新艺术运动”过度装饰的反思，以及对“机器美学”的初步拥抱。 一、打破传统：功能至上与理性主义的崛起 我们将详细分析阿道夫·卢斯（Adolf Loos）的“装饰与罪恶”宣言，阐释其对古典主义装饰语言的彻底摒弃。随后，重点深入探讨了维也纳学派、包豪斯（Bauhaus）的教育理念，特别是格罗皮乌斯（Walter Gropius）提出的“形式服从功能”（Form Follows Function）原则，如何从根本上重塑了建筑的思维模式。本章不仅仅停留在口号层面，而是通过分析早期作品如魏玛包豪斯校舍，解析其如何将工业化生产的材料（钢、玻璃、钢筋混凝土）与标准化模数系统结合，实现高效、经济且具备普适性的设计目标。 二、国际风格的确立与全球化浪潮 勒·柯布西耶（Le Corbusier）被视为现代主义建筑的旗手之一。本部分用大量篇幅解析其“新建筑五点”——底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗和浮动花园——的革命性意义。通过分析萨伏伊别墅（Villa Savoye）的案例，展示这些原则如何共同创造出一种摆脱地基束缚、轻盈通透的全新空间体验。同时，我们也将考察密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）的“少即是多”（Less is More）哲学，探究他如何通过对材料的极致提纯和对结构逻辑的清晰表达，达到一种近乎纯粹的几何美学。国际风格（International Style）的形成，不仅是美学上的统一，更是全球资本、技术标准和文化观念传播的结果，本书对此进行了细致的梳理。 第二部分：地域的呼唤与现代性的反思 进入后二战时期，国际风格的普适性和标准化开始受到挑战。本部分着重探讨建筑师们如何试图将现代技术的理性与特定地域、文化和气候条件相结合，探寻更具人性化和文脉深度的建筑语言。 一、有机建筑与本土化的探索 弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）的有机建筑理念在本章中占据重要地位。我们分析其“草原式住宅”如何回应美国中西部的广阔地貌，强调建筑应与自然环境融为一体，而非简单地矗立其上。通过卡夫曼住宅（Fallingwater）的细致剖析，阐释了水平延展的体量、材料的本土性选择以及对场地水流声景的精妙处理，如何超越单纯的功能要求，达到一种诗意的栖居境界。同时，本书也将涉及阿尔瓦·阿尔托（Alvar Aalto）在北欧的实践，研究其如何将木材的温暖质感和对自然光的柔和处理，注入到冰冷的技术框架之中，体现出对使用者情感需求的关怀。 二、巨构主义与高技派的结构激情 随着战后重建和城市人口密度的增加，建筑规模和技术复杂性显著提升。本部分关注结构表达的极端化倾向。以巴西的奥斯卡·尼迈耶（Oscar Niemeyer）和日本的丹下健三（Kenzo Tange）为代表，探讨了巨构主义（Megastructure）思潮中，建筑师如何将城市的功能系统整合到巨大的、雕塑般的结构框架之中。随后，我们将深入探讨高技派（High-Tech Architecture）的兴起，如理查德·罗杰斯（Richard Rogers）和伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）在蓬皮杜中心的设计中，如何将机械系统、管道和结构部件完全暴露在建筑之外，使“机器的骨骼”成为建筑的主要视觉特征，展现出对技术透明度的极致追求。 第三部分：后现代的转向与解构的碎片化 本书的第三部分探讨了二十世纪后半叶至当代建筑领域最为重要的两次观念转变：后现代主义（Postmodernism）对现代主义纯粹性的反叛，以及后结构主义对清晰定义的挑战。 一、符号、历史与情感的回归 罗伯特·文丘里（Robert Venturi）的“少即是乏味”（Less is a Bore）是对密斯哲学的直接回应。我们分析了后现代主义如何重新引入历史的符号、讽刺和装饰元素，强调建筑的“双重编码”——既要满足功能，又要与大众文化和历史语境进行对话。拉斯维加斯的景观分析，帮助我们理解建筑不再是纯粹的理性体，也可以是“装饰的棚屋”。 二、解构主义的动态张力与空间扭曲 最后，本书将聚焦于解构主义（Deconstructivism）对传统几何秩序的彻底颠覆。伯纳德·屈米（Bernard Tschumi）的“事件空间”理论，以及扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）、弗兰克·盖里（Frank Gehry）等建筑师的作品，展示了如何运用非线性、不连续和看似失稳的形态，表达当代社会的复杂性、不确定性和动态过程。通过对毕尔巴鄂古根海姆博物馆等标志性建筑的分析，本书旨在说明，现代建筑的“理性”已经扩展到了包含复杂计算模型和拓扑几何学的范畴，其“诗意”则体现在对稳定性的挑战和对观者体验的剧烈重塑上。 总结： 《现代建筑的诗意与理性》力求在宏大的理论叙事和具体的案例分析之间找到平衡点，展现现代建筑作为一种复杂的人类活动——既是严谨的技术工程，也是充满激情的美学表达。本书旨在引导读者超越表面的视觉冲击，深入理解这些建筑作品背后的时代精神、技术边界和永恒的人文关怀。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，最初翻阅这本书时，我差点因为某些画面的写实程度而感到不适，但很快，这种生理上的反应就被艺术的强大力量所取代了。这本书超越了单纯的“再现”层面，它深入到了“感知”和“情感的转译”。很多画面并不是在描绘一个“好看”的人体，而是在探索一种情绪状态——是焦虑、是沉醉、是疲惫还是瞬间的爆发力。例如，有一组关于双人肢体交缠的练习，它们没有明确的叙事，但那种彼此依靠又互相挤压的微妙关系，让人联想到人际交往中的复杂性。纸上的线条仿佛成了情绪的导火索，每一根肌肉的紧绷，每一次皮肤的拉扯，都在无声地诉说着某种人性的困境或和谐。这让我开始思考，我们习惯了用服装和环境来定义和隐藏自我，而这本书却是毫不留情地将我们还原成最原始的、最脆弱的形态，然后邀请我们去欣赏这种赤裸裸的真实。这是一种需要勇气去面对的艺术，它要求读者放下所有预设的审美标准，用心灵去感受那些被线条捕捉到的生命波动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就值得称赞，那种略带粗粝的纸张触感，与内容本身的细腻形成了有趣的对比。说实话，我本来以为这会是一本偏向学术研究的资料集，毕竟这种对人体结构如此细致入微的探索，往往带有强烈的学院派色彩。但是，它的呈现方式却出奇地自由和跳跃。它不像教科书那样循规蹈矩地从头部画到脚部，而是将不同角度、不同光线下的片段随机地拼贴在一起，形成一种类似意识流的观感。你可能上一页还在看一个趴在地上的躯干特写，下一页就跳跃到一个正在拉伸的背部线条，这种打乱时间顺序的编辑手法，反而让观看者的大脑必须时刻保持警惕，去主动建立它们之间的联系。这种体验非常像是在一个巨大的博物馆里，面对着无数独立的作品，需要你自己去构建一条探索的路径。我特别喜欢其中几页，似乎是速写本的边缘被不小心沾染上的咖啡渍或者墨水晕染，这些“瑕疵”非但没有破坏画面，反而增添了一种“在现场”的真实感和时间流逝的痕迹，让我感觉自己真的偷窥到了艺术家最原始的创作瞬间。

评分☆☆☆☆☆

与其他描绘人体艺术的书籍相比，《艺术广场》最独特之处在于它对“光”的理解和运用，简直达到了近乎哲学的深度。光影在这里不仅仅是用来塑造体积感的工具，它更像是时间的记录仪和情感的放大镜。有些画面中，光源极其强烈，几乎是刺眼的，那些高光部分白得刺眼，仿佛要将画面内容灼烧殆尽，暗示着一种极端的暴露或启示。而在另一些截图中，光线则极其微弱、暧昧，仿佛是从地下室的缝隙中投射进来，只够勉强勾勒出轮廓的边缘，营造出一种神秘、幽深和充满暗示性的氛围。我感觉作者对于不同“材质”的皮肤有着精准的理解——油性皮肤在强光下如何反射，干燥的皮肤在侧光下如何显现纹理。这种对物理现象的精准掌握，让那些看似写意的素描，实则拥有了无可辩驳的客观基础。这不仅仅是艺术，这是一种关于“光如何塑造存在”的物理学和美学的完美结合，让我在看完之后，看世界的光影都变得不一样了，连走在路上的光斑都多了一层审视的意味。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术广场》的画册，说实话，拿到手里的时候，我其实是有点忐忑的。我原本是冲着“广场”这个名字去的，想象中会是一本关于城市空间设计、街头艺术或者公共雕塑的集子。毕竟“广场”这个词，自带一种开阔、包容和公共性的意味。然而，当我翻开第一页，那种预期的画面感完全被颠覆了。它更像是一个私人化的、极为精妙的速写本，充满了对人体结构极其深入的观察和描绘。当然，我并不是说它不好，只是阅读体验和预想的路径完全不同。书中的线条运用极其老道，那种铅笔在粗糙纸面上摩擦出的沙沙声仿佛都能从纸张的纹理中透出来。尤其是一些动态捕捉的瞬间，比如一个奔跑中的侧影，或者一个沉思中微微弯曲的脊柱，作者对于肌肉群的理解和对光影在皮肤上微妙变化的捕捉，简直达到了令人咋舌的程度。我花了整整一个下午，只是对着其中一组关于手部的练习反复揣摩，那十指交错、张合之间的力量感和柔软度，简直是教科书级别的示范。我甚至开始怀疑，这位创作者是不是私下里研究了大量的解剖学书籍，因为即便是最隐晦的关节转动，作者也能精准地描绘出骨骼在皮肤下应有的支撑和张力。这让我对艺术创作中“观察”这一环节的重要性有了更深刻的体悟，它远不止是“看见”，而是要穿透表象，直抵本质。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感到一种近乎沉重的敬畏感，这绝不是一本轻松的艺术读物，它更像是一部艺术家献祭给“形式”的宣言。我过去收藏了不少关于古典雕塑和文艺复兴时期素描的研究资料，但《艺术广场》带来的冲击力是全新的。它没有那种宏大的叙事背景，没有神话故事的加持，它只是纯粹地、赤裸裸地将人体作为探讨美学结构和动态平衡的终极载体。最让我印象深刻的是其中关于“负空间”的处理。很多画面中，被描绘的人体占据的比例并不大，但周围留白的区域，那些空气的流动，反而构建出一种强大的张力。这种对“无形”的驾驭，比对“有形”的描摹要困难得多，它需要创作者对构图有着近乎偏执的控制力。我尝试着去临摹其中一幅侧卧的姿势，无论如何都觉得少了那么一点“呼吸感”，仿佛我画出来的是一块坚硬的石头，而非富有弹性的生命体。这促使我开始反思，我们日常生活中对“完美”的定义，往往太过依赖于对称和比例，而这本书告诉我们，真正的美，往往隐藏在那些细微的不对称、那些短暂的失衡之中，那是生命力的真实写照，远比僵硬的几何图形要迷人得多。