具体描述
内容简介
在国外，并没有水粉画这一独立的画种。一般都将其包括在水彩画的范畴之中，称为不透明的水彩画。通常用水粉颜料绘制的广告招贴画也统称为水粉画。在我国，由于社会经济和文化条件的原因，普及美术和实用美术发展很快，从而促进了水粉画的不断普及与发展，使它具有一套完整而系统的、与其他画种不同的技法，成为在绘画领域中具有群众基础而又受专业画家钟爱的一个独立画种，进而显示出自己独特的美学价值和艺术风貌。水粉画主要是用水调和含胶的颜料来表现色彩。与水彩画同样以水为调和剂不同的是，水粉画要靠白粉来增加明度和减弱纯度，所以水粉画又被称为不透明水彩。水粉画有较强的覆盖力和表现力，即可薄画，也可厚画，既有水彩画的清新、明快，又有油画的浑厚凝重。水粉画适用范围很广，表现手法多样，写实、装饰都能表现。例如，宣传画、壁画、插图、舞台美术、环境艺术、建筑设计等均可用水粉表现。水粉画表面效果呈哑光状，画面可呈现清晰的笔触，不足的是颜料太厚容易干裂、脱落，同时干湿变化较大，不易控制掌握。
水粉画以色彩艳丽、明亮、柔润、浑厚为特点，具有较强的覆盖力，易涂易改、可塑性很强。水粉画可以借鉴水彩画涂得很薄的湿润画法，也可以采用油画堆得很厚的干画法，因为水粉画的特点介于水彩画和油画两者之间，它既有水彩画的轻盈与流畅，也有油画的细腻与厚实。作为一个独立的画种，水粉画也有自己的使用工具和材料，同时也有自身的表现技法。
水粉画的材料简单，使用方便，画幅可大可小操作方便，既能作大面积的涂绘，也能进行深入细致的刻画，随意性较强。
水和白颜料是水粉画中不可缺少的重要因素。水是用来稀释和调和颜料的，掌握水分的分寸直接影响画面的效果。水分过多色彩的纯度会相应减弱，干了以后色彩便缺少鲜艳感。所以，一开始作画铺大体色时，水分可以多些，并有意识地运用水来渗化画面，越到后面则越要减少水的量的使用，最后基本不用水。这样画面才能产生干湿、轻重、虚实的空间效果。
水粉画调色时白颜料的使用和油画相似，比一般颜色用得要多。调用白颜料的主要作用是增强色彩的明度，降低色彩的纯度。在画近处、实处和高光处时，多调用白色颜料，有助于形体的塑造，使其鲜明、结实和突出。关于调色、水和白色颜料的使用，还需要和用笔以及整个画面色彩的干湿、厚薄结合起来考虑，要从表现不同对象的需要出发，做到统一而又有变化。总的来说，初学时要注意，白色颜料不可不用，也不能到处都用，较深的暗部和较深的物体尽量不用，纯度较高的地方尽量少用，以免破坏纯度。如果所画暗部的反光环境色彩一定要通过加白色颜料来提高亮度，可适当选用与其颜色相符的含粉较高的，如土黄、粉绿、湖蓝、橘黄、紫罗蓝、土红等颜料进行替代，这样既丰富了画面的色彩变化，又可以避免出现粉气、灰暗、浑浊等毛病。
由于水粉颜料带有粉质，因此画出来的色彩在干、湿不同状态下有所不同。一般情况下，画面干后色彩颜色普遍略浅，鲜艳度也略差。如果在较厚的底色上着色，即使用的颜色很纯，待干以后颜色也会变灰。这说明，颜色里的粉质成份越多，色彩变化越大。另外，如果画面涂改的次数过多，色彩也容易变脏、变灰。画得过厚，画面容易龟裂和脱落，不易长期保存。了解和掌握水粉的性能、规律和作画的方法对学习水粉画是很有帮助的。
内页插图
目录
第一章 做好画前准备1．1 水粉画概述
1．2 水粉画的特性
1．3 水粉画的纸
1．4 水粉画的笔
1．5 水粉画的颜料_
1．5．1 二十四色颜料盒的颜色使用方案
1．5．2 认识颜料性质
1．6 其他工具
第二章 色彩基础知识
2．1 色彩的由来
2．2 原色、间色、复色、补色
2．2．1 原色
2．2．2 间色
2．2．3 复色
2．2．4 补色
2．3 光源色、固有色、环境色
2．3．1 光源色
2．3．2 国有色
2．3．3 环境色
2．4 色彩的冷暖
2．5 色彩三要素
2．6 色彩的对比和调和
2．6．1 盘上调色技法
2．6．2 笔锋调色技法
2．7 色调
2．8 水粉颜料性能介绍
2．8．1 常用的20种颜料
2．8．2 “高级灰”颜料
第三章 色彩基本技法
3．1 水粉画中常见的笔触运用
3．1．1 画面调色技法
3．2 水粉画写生中常见的几种弊病
3．2．1 脏
3．2．2 乱
3．2．3 粉
3．2．4 灰
3．2．5 火
3．2．6 腻
3．3 水粉画的着色方法
3．3．1 干画法
3．3．2 湿画法
3．3．3 干、湿画法的应用
第四章 水果类静物
4．1 苹果色彩局部步骤与现场解析
4．2 红苹果的画法
4．3 黄苹果的画法
4．4 绿苹果的画法
4．5 如何画一盘苹果
4．6 梨的画法
4．7 梨子、餐刀和盘子的小组合色彩
4．8 三根香蕉的画法
4．9 香蕉色彩局部步骤与现场解析
4．10 西瓜色彩局部步骤与现场解析
4．11 葡萄色彩局部步骤与现场解析
第五章 陶罐与瓷器类静物
5．1 深色陶罐的作画步骤与现场解析
5．2 如何使罐子的颜色不“闷”
5．3 浅色陶瓷瓶的作画步骤与画面分析
第六章 玻璃类静物
6．1 玻璃杯的作画步骤与现场解析
6．2 装有红酒的玻璃杯的作画步骤与画面分析
6．3 红酒瓶的作画步骤与颜色分析
第七章 金属壶和其他种类静物
7．1 金属壶的作画步骤与现场讲解
7．2 花卉的作画步骤与现场讲解
7．3 如何表现金属质感的物体
7．4 如何刻画书本
第八章 水果静物
8．1 大白菜的作画步骤与现场讲解
8．2 白菜的作画步骤与现场讲解
8．3 西红柿的作画方法
第九章 有水果的小组合类静物
9．1 -盘水果的作画步骤与现场讲解
9．2 有高脚水果盘和葡萄的静物
9．3 怎样调出漂亮的颜色
第十章 对着照片画色稿
10．1 画照片时如何把握颜色
第十一章 对着照片画色彩
11．1 冷色调作品的起稿与铺大色块
第十二章 色稿练习与变调练习
前言/序言
在国外，并没有水粉画这一独立的画种。一般都将其包括在水彩画的范畴之中，称为不透明的水彩画。通常用水粉颜料绘制的广告招贴画也统称为水粉画。在我国，由于社会经济和文化条件的原因，普及美术和实用美术发展很快，从而促进了水粉画的不断普及与发展，使它具有一套完整而系统的、与其他画种不同的技法，成为在绘画领域中具有群众基础而又受专业画家钟爱的一个独立画种，进而显示出自己独特的美学价值和艺术风貌。水粉画主要是用水调和含胶的颜料来表现色彩。与水彩画同样以水为调和剂不同的是，水粉画要靠白粉来增加明度和减弱纯度，所以水粉画又被称为不透明水彩。水粉画有较强的覆盖力和表现力，即可薄画，也可厚画，既有水彩画的清新、明快，又有油画的浑厚凝重。水粉画适用范围很广，表现手法多样，写实、装饰都能表现。例如，宣传画、壁画、插图、舞台美术、环境艺术、建筑设计等均可用水粉表现。水粉画表面效果呈哑光状，画面可呈现清晰的笔触，不足的是颜料太厚容易干裂、脱落，同时干湿变化较大，不易控制掌握。
水粉画以色彩艳丽、明亮、柔润、浑厚为特点，具有较强的覆盖力，易涂易改、可塑性很强。水粉画可以借鉴水彩画涂得很薄的湿润画法，也可以采用油画堆得很厚的干画法，因为水粉画的特点介于水彩画和油画两者之间，它既有水彩画的轻盈与流畅，也有油画的细腻与厚实。作为一个独立的画种，水粉画也有自己的使用工具和材料，同时也有自身的表现技法。
水粉画的材料简单，使用方便，画幅可大可小操作方便，既能作大面积的涂绘，也能进行深入细致的刻画，随意性较强。
水和白颜料是水粉画中不可缺少的重要因素。水是用来稀释和调和颜料的，掌握水分的分寸直接影响画面的效果。水分过多色彩的纯度会相应减弱，干了以后色彩便缺少鲜艳感。所以，一开始作画铺大体色时，水分可以多些，并有意识地运用水来渗化画面，越到后面则越要减少水的量的使用，最后基本不用水。这样画面才能产生干湿、轻重、虚实的空间效果。
水粉画调色时白颜料的使用和油画相似，比一般颜色用得要多。调用白颜料的主要作用是增强色彩的明度，降低色彩的纯度。在画近处、实处和高光处时，多调用白色颜料，有助于形体的塑造，使其鲜明、结实和突出。关于调色、水和白色颜料的使用，还需要和用笔以及整个画面色彩的干湿、厚薄结合起来考虑，要从表现不同对象的需要出发，做到统一而又有变化。总的来说，初学时要注意，白色颜料不可不用，也不能到处都用，较深的暗部和较深的物体尽量不用，纯度较高的地方尽量少用，以免破坏纯度。如果所画暗部的反光环境色彩一定要通过加白色颜料来提高亮度，可适当选用与其颜色相符的含粉较高的，如土黄、粉绿、湖蓝、橘黄、紫罗蓝、土红等颜料进行替代，这样既丰富了画面的色彩变化，又可以避免出现粉气、灰暗、浑浊等毛病。
由于水粉颜料带有粉质，因此画出来的色彩在干、湿不同状态下有所不同。一般情况下，画面干后色彩颜色普遍略浅，鲜艳度也略差。如果在较厚的底色上着色，即使用的颜色很纯，待干以后颜色也会变灰。这说明，颜色里的粉质成份越多，色彩变化越大。另外，如果画面涂改的次数过多，色彩也容易变脏、变灰。画得过厚，画面容易龟裂和脱落，不易长期保存。了解和掌握水粉的性能、规律和作画的方法对学习水粉画是很有帮助的。
用户评价
这本书简直是色彩学习的终极宝典，我之前对色彩的概念总是模模糊糊，感觉就像隔着一层纱，怎么也抓不住核心。这本书的出现，彻底颠覆了我之前的认知。从最基础的光学原理讲起，什么是色光三原色，什么是颜料三原色，它们之间有什么区别和联系，作者都用极其通俗易懂的语言和生动的图例进行了解释。我曾经为了理解“色彩混合”而看了很多网上的文章，但总觉得不够系统，甚至有些相互矛盾。而这本书，把色彩混合的规律，无论是加法混合还是减法混合，都讲解得条条是道，而且还深入到了色彩的“明度”、“纯度”和“色相”这三大属性，并分别给出了非常详细的阐述和练习方法。我尤其喜欢它关于“色彩关系”的章节，比如互补色、邻近色、对比色等等，作者不仅解释了它们各自的特点，还给出了大量实际应用的案例，让我第一次真正理解了为什么某些色彩搭配看起来舒服，而另一些则刺眼。这本书就像一位经验丰富的老师，手把手地教你如何观察色彩，如何分析色彩，如何运用色彩。我以前以为色彩就是“红橙黄绿蓝靛紫”，现在才知道，色彩的世界远比我想象的要丰富和复杂得多。书中提供的练习题也很有针对性，从简单的色彩辨识到复杂的色彩搭配，每一个练习都让我对色彩的理解更深一层。我曾经尝试过临摹一些大师的作品，但总觉得色彩不对味，现在才明白，是因为我没有掌握基础的色彩理论。这本书就像一把钥匙，为我打开了通往色彩艺术殿堂的大门，我迫不及待地想用它来创作属于自己的色彩世界。
评分说实话，在翻开这本书之前，我对“美院级”的色彩教学抱有一些距离感，总觉得那是非常高深莫测的领域。但《色彩基础教程：零基础从入门到美院》这本书，彻底打破了我的这种刻板印象。它用一种极其友好的方式，将复杂的色彩理论变得触手可及。我之前在自学过程中，最头疼的就是“色彩的统一性”问题，总觉得画面中的各种颜色杂而不乱，却又缺乏整体感。这本书在讲解“色彩和谐”时，用了大量的篇幅去剖析不同色彩之间的内在联系，如何通过主色调的设定来引导整个画面的色彩走向，如何运用对比色来活跃画面，同时又不会破坏整体的和谐。我特别喜欢它关于“色彩冷暖对比”和“色彩面积对比”的详细论述，书中提供了大量的绘画作品作为范例，让我们能够直观地感受到这些理论在实际应用中的强大力量。例如，书中分析了印象派画家如何运用冷暖对比来表现光影，以及后期一些画家如何通过大面积的纯色块来制造视觉冲击。这些分析让我豁然开朗。我还被书中介绍的“色彩复调”概念深深吸引，作者将音乐中的复调概念巧妙地运用到色彩学中，讲解了如何让画面中的不同色彩像乐章一样相互呼应，层层推进，形成丰富的色彩层次感。这种新颖的讲解方式，让我对色彩的理解进入了一个全新的维度。这本书不仅仅是告诉你“怎么调色”，更是告诉你“为什么这么调色”，以及“如何通过色彩来表达情感和意境”。我已经迫不及待地想要将书中学到的知识运用到我的素描和油画创作中了，相信这本书一定会成为我艺术道路上的重要指引。
评分坦白说，我之前对“色彩理论”的理解停留在非常表面化的阶段，知道红配绿狗臭屁，黄配蓝菜叶子这样一些不成体系的口头禅。直到我遇到了《色彩基础教程：零基础从入门到美院》，我才真正明白，原来色彩的世界如此博大精深。这本书的厉害之处在于，它能够将非常抽象的色彩概念，用非常具象化的方式呈现出来。比如，在讲解“色彩的对比”时，它不仅列举了各种对比类型，还用非常形象的比喻来辅助理解，比如“明度对比就像黑白照片的层次感”，“纯度对比就像加了滤镜和没加滤镜的效果”。这种“化繁为简”的讲解方式，让我能够轻松地理解那些曾经让我头疼不已的理论。我特别喜欢书中关于“色彩的构成”这一章，它详细讲解了如何通过“色相”、“明度”、“纯度”这三个基本要素来创造出千变万化的色彩。而且，书中的案例都非常贴近生活，比如分析电影海报的色彩构成，或者解析服装设计师的色彩搭配思路。这让我觉得色彩学习不仅仅是绘画的技能，更是一种生活的美学。我曾经尝试过按照书中的方法去进行色彩组合练习，比如用有限的几种颜色去调出各种不同的色彩倾向，结果发现自己的色彩感知能力真的有了质的飞跃。我不再是凭感觉乱配颜色，而是能够有意识地去控制色彩的冷暖、明暗和饱和度，来达到我想要的效果。这本书就像一个色彩的“炼金术士”，将枯燥的理论转化为可以实际运用的艺术语言。
评分对于一个完全没有美术基础的人来说，一提到“美院”的“色彩教程”，脑海里首先浮现的是各种高深莫测的术语和复杂的公式。《色彩基础教程：零基础从入门到美院》这本书，完全颠覆了我对这一概念的认知。它以一种极其平易近人的方式，将色彩的奥秘一点点展现在读者面前。我尤其欣赏它从“观察”入手，教导读者如何去“看”色彩，而不是仅仅“认”颜色。比如，书中关于“色彩的固有色、环境色、光源色”的讲解，配以大量的实例照片，让我第一次真正理解了，我们眼睛看到的颜色，是多么复杂而微妙的组合。我曾经在临摹静物时，总觉得画出来的水果不够“水灵”，肤色不够“通透”，有了这本书的指导，我才明白，原来是忽略了环境色和光源色对物体色彩的影响。书中的“色彩的面积与比例”这一章，也让我受益匪浅。它教导我们，即使是再鲜艳的颜色，如果用得不好，也会显得刺眼而缺乏美感。通过控制色彩的面积和比例，我们能够更好地引导观者的视觉焦点，营造画面的和谐统一。我尝试了书中提供的“色彩关系练习”，比如如何利用互补色的强烈对比来突出主体，如何利用邻近色的和谐过渡来营造宁静的氛围。这些练习让我真正体会到了色彩的“魔力”，它不再是简单的颜料堆砌，而是能够传递情感、塑造意境的强大语言。
评分我一直对色彩的世界充满好奇，但总觉得自己在色彩的运用上缺乏系统性的指导，常常是凭感觉行事，效果也参差不齐。《色彩基础教程：零基础从入门到美院》这本书，如同一场及时雨，为我带来了清晰的脉络和扎实的理论支撑。它并没有一开始就抛出大量的专业术语，而是从最基础的光学原理和色彩感知机制讲起，让我逐渐建立起对色彩的科学认知。我特别喜欢书中对“色相、明度、纯度”这三个基本要素的深入剖析，并且提供了大量的练习方法来帮助读者巩固理解。例如，关于明度的训练，我以前总以为就是黑白灰的区别，但书中讲解了如何通过色彩的明暗变化来塑造物体的立体感和空间感，这对我理解素描与色彩的关系有了全新的认识。书中关于“色彩的对比与和谐”的章节，更是让我大开眼界。它不仅介绍了各种类型的色彩对比，如冷暖对比、补色对比、面积对比等，还深入分析了如何运用这些对比来达到画面的视觉冲击力和色彩的统一性。我尝试了书中提供的“色彩情绪实验”，发现不同色彩组合确实能够引发不同的心理感受，这让我对色彩的艺术表现力有了更深的理解。总的来说，这本书的讲解逻辑清晰，案例丰富，实践性强，它不仅为我打下了坚实的色彩基础，更重要的是，它激发了我对色彩艺术的更深层次的探索欲。
评分在我接触《色彩基础教程：零基础从入门到美院》之前，我对于色彩的认知，可能就像一个只见过彩虹的普通人。这本书，就像一位技艺精湛的向导，带领我深入色彩的“内在宇宙”。它不是简单地罗列颜色，而是从色彩的“本质”出发，剖析了光线、颜料与人类视觉感知之间的复杂关系。我尤其喜欢书中对“色彩的混合”原理的讲解，不仅仅是简单地告诉你红黄蓝混合出什么颜色，而是深入到不同颜料的化学构成，以及它们在混合过程中发生的实际变化，这让我对色彩的“物理性”有了更深刻的理解。书中的“色彩语言”分析，更是让我眼前一亮。作者通过对不同艺术流派的作品进行深度解读，揭示了色彩在表达情感、营造氛围、塑造人物性格等方面的独特作用。例如，它分析了巴洛克时期如何运用强烈的色彩对比来制造戏剧性效果，以及印象派如何通过微妙的色彩变化来捕捉光影的瞬息万变。这种深入的解析，让我不再是“看”色彩，而是“读”色彩。我尝试了书中提供的“色彩情感测试”练习，结果发现自己对某些颜色的情绪联想是如此的深刻而又准确，这让我对色彩的心理学效应有了切身体验。这本书就像一把钥匙，为我打开了通往色彩艺术的另一扇大门，让我能够更加自信地运用色彩来表达自己的想法和情感。
评分作为一名对视觉艺术充满好奇，但又完全没有基础的“小白”，我经常被各种复杂的色彩理论搞得晕头转向。而《色彩基础教程：零基础从入门到美院》这本书，简直就是为我量身定制的“救命稻草”。它从最最基础的“光”开始讲起，循序渐进地介绍了色彩的物理构成，然后巧妙地过渡到我们肉眼看到的色彩感知。最让我印象深刻的是，书中对于“色彩的命名”和“色彩的分类”都有极其详尽的解释，比如色相环的原理，以及各种颜色如何根据色相、明度、纯度进行细致划分。我之前对于“饱和度”和“明度”这两个概念总是傻傻分不清，以为就是颜色的深浅，但这本书用非常直观的图例和生动的比喻，让我彻底明白了它们之间的区别和联系。例如，它用“颜料的浓度”来比喻纯度，用“颜料的明暗程度”来比喻明度，这种讲解方式非常接地气。书中还专门开辟了一章讲解“色彩的心理效应”，我才知道原来不同的颜色会引发不同的情绪反应，比如红色会让人感到热情和兴奋，蓝色则带来宁静和沉思。这一点对于我理解一些艺术作品的表达意图非常有帮助。我甚至发现，书中提供的色彩搭配练习，让我能够更好地进行服装搭配和室内装饰的色彩选择，这已经远远超出了绘画的范畴，让我在生活的方方面面都能感受到色彩的魅力。我原本以为色彩学习是枯燥乏味的，但这本书让我看到了色彩的生命力和无限可能。
评分作为一名对绘画充满热情但又缺乏专业指导的自学者，我常常在色彩这块栽跟头。看到这本《色彩基础教程：零基础从入门到美院》，我抱着试一试的心态购入，没想到却收获了巨大的惊喜。书中的内容之详实，简直超出了我的预期。它并没有直接跳到各种复杂的配色方案，而是从最根本的光线和颜料的物理属性入手，层层递进地解析色彩的本质。我一直对“色彩倾向”这个概念感到困惑，书中用清晰的比喻和直观的图示，将冷暖色调、倾向色等概念解释得明明白白，让我恍然大悟。更让我称赞的是，书中不仅仅是理论的堆砌，它还提供了大量的实践指导。每一个理论点都配有相应的练习，例如如何通过观察来辨别物体的固有色、环境色和光源色，如何利用明度和纯度来塑造形体，如何通过色彩的对比来增强画面的视觉冲击力。我尝试了书中的一些色彩训练方法，比如色彩的“灰度”练习，它极大地提升了我对色彩明暗变化的敏感度。以前我画人物，总觉得皮肤颜色灰蒙蒙的，有了这个练习之后，我能更好地把握人物皮肤的微妙色彩变化，让画面更加生动。书中的“色彩情感”章节更是让我眼前一亮，原来不同的色彩组合能够传递不同的情绪和氛围，这对于我日后的创作提供了全新的视角。我甚至开始尝试运用书中讲解的“色彩意匠”技巧，去创造具有个人风格的色彩语言。这本书的内容深度和广度都非常可观，它不仅适合初学者打下坚实的基础，对于想要深入研究色彩的进阶者来说，也同样具有极高的参考价值。
评分我一直认为，色彩是绘画中最难以掌握的部分，也是最能体现画家功力的环节。在接触《色彩基础教程：零基础从入门到美院》这本书之前，我尝试过很多所谓的“快速配色法”或者“技巧分享”，但总觉得无法触及色彩的本质。这本书给了我一个全新的视角。它不仅仅停留在颜料的混合和颜色的选择上，而是深入到色彩的“科学”和“艺术”两个维度。作者从物理学角度解释了光与色的关系，从生理学角度讲解了人眼对色彩的感知过程，再到心理学角度分析色彩的情感联想，这种多角度的解析让我对色彩有了系统而全面的认识。我尤其欣赏书中关于“环境色”和“固有色”辨析的章节，以及如何通过“色彩透视”来表现空间的深度。我曾经尝试过画风景写生，但总觉得画面缺乏层次感，光影也显得生硬，这本书中的讲解，让我明白了如何通过色彩的变化来模拟真实世界中的光影效果，如何利用色彩的冷暖和明暗对比来制造空间的远近感。书中的“色彩语言”分析，更是让我大开眼界，作者通过拆解大师作品，揭示了他们在色彩运用上的独到之处，例如梵高如何运用强烈而奔放的色彩来表达内心的情感，莫奈如何捕捉光线在不同时间、不同天气下的色彩变化。这种深入的分析，让我从“模仿”走向了“理解”，从“知其然”走向了“知其所以然”。我感觉这本书就像一个色彩的“百科全书”，内容丰富，讲解透彻，是我艺术学习道路上不可或缺的宝藏。
评分作为一名在设计领域摸爬滚打多年的从业者，我一直认为自己对色彩已经有了相当的把握。然而，当我翻开《色彩基础教程：零基础从入门到美院》这本书时，我不得不承认，我之前的认知还非常浅显。这本书的价值在于，它不仅仅是教授“如何配色”，更是引导读者去“理解色彩的内在逻辑”。它从人类视觉的生理基础讲起，解析了色彩的感知过程，然后深入到色彩的“三要素”——色相、明度、纯度——进行详细的剖析。我一直对“色彩的统一性”和“色彩的对比性”之间的微妙平衡感到困惑，这本书在这方面提供了非常系统和深入的讲解。作者通过大量的案例分析，比如分析不同时代、不同流派的绘画作品，如何运用色彩来营造氛围、表达情感、塑造形体，让我对色彩的理解上升到了一个新的高度。我尤其欣赏书中关于“色彩的节奏”和“色彩的韵律”的论述，它将色彩的运用提升到了音乐和诗歌的层面，让我感受到色彩的艺术魅力。这本书的实用性也非常强，书中提供的色彩搭配方案，无论是用于平面设计、UI设计，还是产品包装，都具有极高的参考价值。我甚至从中获得了很多灵感，用于改进我自己的设计项目。这本书不仅仅是一本教科书，更像是一本“色彩的圣经”，它为我打开了通往色彩艺术殿堂的另一扇大门。
评分还行
评分没时间看
评分没时间看
评分还行
评分还行
评分我只能说这个一点都不好，作为一个美术生，如果我画成这样肯定与美院无缘?
评分没时间看
评分没时间看
评分我只能说这个一点都不好，作为一个美术生，如果我画成这样肯定与美院无缘?
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