中国艺术史图典·服饰造型卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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中国文物学会专家委员会 刘炜 段国强 孔德明 编

图书标签:

• 中国艺术史
• 服饰
• 造型
• 历史
• 文化
• 艺术
• 图典
• 中国传统服饰
• 服饰史
• 汉服

出版社： 上海辞书出版社

ISBN：9787532647965

版次：1

商品编码：12088358

包装：精装

开本：16开

出版时间：2016-12-01

用纸：铜版纸

页数：247

字数：466000

正文语种：中文

编辑推荐

　　

　　资深打造：李辉柄、单国强、彭适凡、周南泉、陈丽华、孔德明、贺云翱、吕成龙等中国资深文物专家经年磨砺，精心为您度身打造；二百万字精华浓缩，以史为序，追踪中华艺术发展历程。内容丰实：陶瓷、青铜器、玉器、书法、绘画、金银器、工艺品、服饰造型等八大类，全系列精选国宝文物艺术品；一万帧图片，以物证史，全方位展示中华文明艺术成就。

内容简介

　　

　　《中国艺术史图典·服饰造型卷》以史为序，以物证史，系统叙述中华文明的发展历程、时代特征和艺术成就，力求艺术性与学术性的完美结合，为艺术爱好者提供艺术史知识和审美享受，也可作为艺术史研究提纲挈领的指南。所收录的服饰造型艺术品，既囊括经典的传世品，又突显当代考古新发现。经过知名服饰造型专家孔德明等经年磨砺，内容资深精当，版式美观，图文并茂。编排过程充分利用新科技手段，既突显古老文明的庄重高雅，又不失通俗时尚。

作者简介

　　孔德明，1937年生，山东曲阜人。1959年毕业于中山大学。中国传媒大学教授，兼任文化部全国形象设计专业水平考试专家委员会首席委员、国际商务美术设计中国总部专家委员会人物造型设计专业委员、中国文物学会常务理事等职。著有《中国古代服饰?用具?职官》等专著23种及论文五十余篇。

目录

导论
第一章 衣服初现的年代
第二章 彰显社会等级的服饰
第三章 在分裂与变革中大放异彩的服饰
第四章 创建帝国服饰礼制的时代
第五章 魏晋风骨与异域风采的融汇
第六章 帝国盛世的华丽风尚
第七章 走向内敛雅致的服饰
第八章 尽显草原风情的服饰
第九章 汉族服饰的艳丽余晖
第十章 以满族装束为主体的服饰
第十一 章现代服饰文明的开端
中国服饰造型发展大事记
后记——唐装的变迁

精彩书摘

　　“衣裳是文化的表征，衣裳是思想的形象。”正像郭沫若先生所赞美的那样，衣裳是人类文明的标志。当人类告别了赤身裸体、开始穿上衣裳的时候，人类就迈进了文明时代。人类文明的发展是伴随着服饰开始的，服饰的历史是人类文明史的重要组成部分。通过对服饰的认识，就可以认识客观世界文明发展的轨迹。中国向有“衣冠王国”的美誉，中国服饰是人类文明长河中一颗璀璨的明珠，有人称之为记录中国传统文明的“活化石”。它自成一个系统，又曲折地发射出世界文明的进程。　　……

前言/序言

　　今天，摆在读者面前的一部《中国艺术史图典》系列（以下简称《图典》），为我们打开了一扇通往中华民族辉煌灿烂的艺术殿堂的大门。中华民族是一个伟大的民族。她不仅善于创造伟大的文明，而且善于把世世代代的文明保护起来、传承下去，使中国成为世界四大文明古国中唯一上下五千年不曾间断、纵横八万里不留空白的历史见证。如此光辉灿烂的文明史，也是一部源远流长、风格独特而鲜明的艺术史。它在全世界独树一帜，自古至今被世人称奇叫绝。正因如此，参与《图典》编撰工作的文博界同仁们都满怀着自信与自豪，以再现历史辉煌、传承历史文明、展示祖先智慧为己任。而今《图典》的出版正是尽这份历史之责的成果。 　　这套《中国艺术史图典》系列图书内容丰富。全书包括陶瓷、玉器、青铜器、金银器、书法、绘画、工艺品、服饰造型八大类。全书各卷均以时间为序，以物证史，通过揭示历代经典文物所承载的艺术内涵和丰富的信息，展现出不同时代的艺术特色及成就，完整、真实地再现中华民族光辉灿烂的艺术发展历程。全书展示的历代艺术精品共1700余件，每一件都是从各地博物馆、考古所等文博机构收藏的千万件文物中精选出的代表作，以及一些收藏在台湾及海外的公认名作，都是最能体现中国艺术发展历程的经典之作。全书将艺术性与学术性完美结合，在文物类图书中十分难得。《图典》更为重要的特点是具有权威性。中国文物学会专家委员会是本套丛书的主编单位，各卷主编和作者由全国各地的博物馆、考古研究所、大专院校等机构的知名文物专家组成，大多还是中国文物学会专家委员会成员；其中很多人都是各专门文物品类研究的学术带头人，在各自的研究领域取得了卓越的成就。图文并茂、雅俗共赏，是文物类图书必须遵循的基本要求。现有各卷每卷精选代表性文物图片600～1400幅，规模之大、品类之全、精品之多，为文物类图书出版中所罕见。

凝望世界：跨文化视角下的艺术与生活 引言：穿梭时空的对话 人类文明的长河中，艺术不仅是审美活动的结晶，更是记录社会变迁、文化交流与个体精神世界的独特载体。本书《凝望世界：跨文化视角下的艺术与生活》并非聚焦于某一特定地域或特定艺术门类，而是试图以一种广阔而细腻的视角，探索不同文明在创作观念、审美趣味和生活实践上的交汇与碰撞。我们相信，艺术的真正魅力，在于它所揭示的共同人性，以及它在历史长河中留下的多元印记。 本书将跨越地理界限，邀请读者一同审视从古埃及的恢弘神庙到巴洛克宫廷的精致奢靡，从东方水墨的写意山水到现代主义的抽象探索。重点在于剖析艺术现象背后的文化逻辑，探讨艺术如何作为一种“通用语言”，连接着遥远的历史瞬间与当下的感知。 第一部分：文明的基石——早期艺术与信仰的塑造 本篇着眼于人类文明的早期阶段，探讨艺术如何从实用功能中解放出来，开始承载宗教、政治与宇宙观的重任。 第一章：原始的符码与永恒的秩序 我们首先将目光投向史前洞穴壁画，分析那些充满神秘力量的动物形象及其可能蕴含的祭祀意义。随后，我们将进入美索不达米亚和古埃及的辉煌时代。 泥板上的帝国记忆： 探究苏美尔、阿卡德乃至巴比伦的楔形文字浮雕和圆柱印章，如何以高度程式化的手法，确立了早期的王权叙事和神圣秩序。重点分析汉谟拉比法典石碑上神祇授予权力的场景构图，及其对后世法律与道德观念的影响。 尼罗河畔的永生追求： 深入解读古埃及雕塑（如人像和斯芬克斯）对“卡”（Ka）与“巴”（Ba）的艺术再现。讨论陵墓壁画中对来世生活的详尽描绘，如何体现古埃及人对时间、死亡和不朽的独特理解。分析其对人体比例的僵硬化处理，并非源于技术缺失，而是服务于宗教目的的有意为之。 第二章：爱琴海的辉光与地中海的桥梁 本章将目光转向克里特岛（米诺斯文明）和迈锡尼文明，探讨这些孕育了希腊神话的文化，如何在艺术上展现出地中海特有的活力与兼收并蓄的特质。 克诺索斯宫殿的色彩： 细致描绘米诺斯壁画中“跳牛”等场景的自然主义倾向与明亮色彩，反思其在和平、海洋文明背景下的生活气息，与同时期中东的威严感形成对比。 迈锡尼的黄金面具与战争图景： 分析迈锡尼的盾牌、头盔与墓葬艺术，如何反映其尚武的社会结构。探讨爱琴海艺术对古典希腊艺术产生的早期影响，特别是对人体动态的初步尝试。 第二部分：古典的典范与精神的张力 古典艺术，特别是古希腊和古罗马的艺术成就，构成了西方美学体系的重要基石。本部分将深入剖析其形式语言的演变及其承载的哲学思考。 第三章：希腊的理性与理想之形 本章聚焦于古希腊雕塑和建筑中的“理想化”表达，解析理性、和谐与比例如何在艺术中得以体现。 从古拙到完美： 梳理从库罗斯（Kouros）雕像的僵硬站姿，到古典盛期（如菲狄亚斯、波留克列特斯）对“对立平衡”（Contrapposto）的精妙运用。重点解析波留克列特斯《规范》（Doryphoros）中对人体黄金比例的数学追求。 神庙的几何学： 详述帕特农神庙的设计，探讨其运用“视差矫正”（Entasis）等细微的建筑技巧，如何使建筑在视觉上达到完美的和谐感，以及多立克、爱奥尼亚和科林斯柱式的文化差异。 第四章：罗马的实用与帝国的宏伟 罗马艺术是对希腊理想的继承与革新，其核心在于实用主义、纪念碑性和对现实的忠实描摹。 肖像的真实力量： 探讨罗马共和时期肖像雕塑对个体特征的毫不妥协的写实手法（Verism），这与希腊的理想化形成鲜明对比。分析奥古斯都的“青年永恒化”策略，如何将个人形象服务于政治宣传。 工程与荣耀： 分析万神殿的穹顶结构及其对空间感的革命性处理，以及图拉真纪功柱上层层递进的叙事浮雕，如何成为罗马军事与工程成就的百科全书。 第三部分：信仰的转型与中世纪的象征 随着罗马帝国的衰落和基督教的兴起，艺术的重心从对现世的赞美转向对来世的指引。 第五章：拜占庭的圣像与光线的神谕 本章考察东罗马帝国（拜占庭）艺术，特别是其对神圣威严感的营造。 黄金背景的内省： 分析圣像画（Icons）的平面化处理、程式化的面部表情和夸张的眼睛，这些特征如何旨在剥离世俗感，引导观者进入纯粹的精神维度。重点剖析拉文纳的马赛克镶嵌画中，人物间缺乏空间关系，以强调神圣空间的永恒性。 神圣空间的设计： 探讨圣索菲亚大教堂的巨大穹顶如何象征着“天堂在地上”的具象化，以及其光线运用在宗教仪式中的核心作用。 第六章：西欧的图解与手抄本的奇迹 在西欧，修道院成为艺术创作的中心，艺术品承担了教育无识信徒的首要功能。 光芒万丈的文字： 详述装饰手抄本（Illuminated Manuscripts）的制作工艺，如凯尔特风格的“交错图案”（Interlace）与日耳曼部落的动物变形风格的融合，以及其在《凯尔经》（Book of Kells）等作品中的极致表现。 罗马式与哥特式的结构革新： 对比罗马式教堂厚重、低矮、强调墙体的封闭感，与哥特式大教堂（如圣但尼、沙特尔）如何通过飞扶壁、肋拱和尖拱技术，将墙体转化为彩绘玻璃的“光之幕墙”，实现建筑结构的革命性突破。 第四部分：文艺复兴的回归与巴洛克的激情 艺术中心重新转向意大利，人文主义的兴起使得人——而非神——再次成为艺术描绘的核心。 第七章：透视的发现与人文的赞歌 本章探讨文艺复兴初期和盛期（Quattrocento与Cinquecento）的艺术哲学与技术革命。 空间错觉的构建： 深入分析布鲁内莱斯基的线性透视法是如何从数学上科学地再现三维空间，从而使绘画成为“一扇通往世界的窗户”。 巨匠的探索： 比较达·芬奇对“晕涂法”（Sfumato）在捕捉人物内心状态上的应用，米开朗基罗对人体解剖的狂热追求及其在西斯廷教堂天顶画中对“被造者”的颂扬，以及拉斐尔对古典和谐的集大成式体现。 第八章：戏剧性的爆发与情感的张力 巴洛克艺术是对文艺复兴宁静和谐的一种反动，它追求运动、情感的极端表达和视觉的冲击力。 动态中的瞬间： 剖析卡拉瓦乔对极端明暗对比（Tenebrism）的运用，如何将神圣场面拉入凡间的现实感和戏剧性。分析贝尔尼尼雕塑（如《圣特蕾莎的狂喜》）中对材质的极致处理和对瞬间情感的捕捉。 镜厅与幻象： 简要提及巴洛克在北欧（如荷兰黄金时代）的世俗化转向，以及法国路易十四宫廷艺术如何将巴洛克元素转化为国家权力的庄严展现。 结语：艺术的无限回声 本书的旅程终将告一段落，但艺术的对话永无止境。通过追溯这些跨越时空的艺术实践，我们得以认识到，无论是古老的图腾、古典的雕像，还是文艺复兴的油画，它们共同构成了人类寻找意义、表达情感的努力。理解艺术，就是理解我们自身。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量，给人的第一印象是大气且沉稳，完全配得上“图典”二字的分量。我发现，在许多关于古代服饰的出版物中，常常出现图片模糊、色彩失真或者图注信息缺失的问题，但这本图典在这方面做得非常出色。每一张高清图片似乎都经过了精心筛选和处理，色彩还原度极高，即便是极其微妙的织物纹路变化，也能清晰地展现在读者面前。更值得称道的是，它并非简单地堆砌图片，而是采用了精妙的编排方式。不同的历史时期、不同的族群服饰，被巧妙地组织在相邻的版面上进行对比展示，这种并置极大地增强了学习的效率和直观性。举例来说，书中将魏晋时期的褒衣大袖与隋唐的窄袖紧身对比时，那种时代风尚的巨大转变，仅仅通过视觉冲击就能被快速捕捉。对于我这种偏好视觉学习的人来说，这种图文并茂且排版考究的设计，极大地提升了阅读的愉悦感，使原本可能枯燥的史料研究变得生动有趣起来。可以说，这本书在“可看性”和“学术性”之间找到了一个完美的平衡点，让人爱不释手。

评分☆☆☆☆☆

这部名为《中国艺术史图典·服饰造型卷》的著作，在我手中翻阅时，最直观的感受就是其内容的丰富与深度。我原本对中国古代服饰的了解仅停留在教科书上那些标准化的图例和简略的文字描述，但这本书彻底颠覆了我的认知。它不仅仅是对历代服饰形制的罗列，更像是一部细致入微的“视觉考古报告”。书中对不同历史时期服饰的结构、面料纹理、色彩搭配乃至佩饰的考究，都达到了令人惊叹的细节程度。例如，关于汉代深衣的结构分解图，清晰地展示了其“被”、“绔”如何组合，以及不同地域和身份的穿着差异，这比我以往看到的任何资料都要详尽。尤其让我印象深刻的是，书中对于一些特定服饰（比如唐代的齐胸襦裙或明代的马面裙）的演变路径，做了非常详尽的梳理和对比，不仅有清晰的线描图，更有大量高清的文物图片佐证，让人仿佛能触摸到历史的肌理。这种严谨的治学态度和海量的图例支撑，使得这本书超越了单纯的工具书范畴，成为了研究中国古代服饰文化一个非常可靠的基石。我尤其赞赏它对服饰背后的社会文化意义的挖掘，服饰不再仅仅是遮体御寒的物件，而是阶级、礼仪和审美观念的载物，这一点，从书中的阐述中得到了深刻的体现。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在尝试一些基于传统服饰元素的现代设计实践，因此对那些能提供丰富“造型语言”的资料极为渴求。这本《中国艺术史图典·服饰造型卷》在这方面的贡献是无可替代的。它不仅仅停留在“这是什么衣服”的层面，而是深入到了“这件衣服是如何被塑形”的层级。书中对“造型”的解析非常到位，比如对汉代曲裾“襉褶”的层次感处理，或是宋代褙子在不同身体姿态下所呈现出的线条变化，都有非常细致的图解说明。这些图解常常配有精确的结构线和人体动态参考，这对于服装设计和舞台美术的从业者来说，简直是宝贵的财富。我惊喜地发现，书中对于明清时期女性发饰与头面配件的组合逻辑也有深入的探讨，这部分内容往往是其他通用史书中所忽略的细节。通过对这些“造型密码”的解锁，我得以更深入地理解古代服饰美学的内在逻辑，而不是仅仅停留在表面的花纹和颜色上，这种对结构与廓形的重视，是这本书区别于市面上其他同类书籍的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

作为一名非专业的历史爱好者，我阅读这类专业书籍时，常常会遇到术语晦涩难懂、逻辑跳跃过快的问题，导致理解障碍。然而，在阅读这本图典时，我几乎没有遇到这样的困扰。编辑和作者显然非常注意到了不同知识背景读者的需求。尽管内容深度很高，但其叙事逻辑却保持了惊人的一致性和流畅性。每当引入一个复杂的概念或专有名词时，书中总是会通过清晰的图示或简明的注释进行解释，确保读者能够平稳地过渡到下一个知识点。特别是对于一些关键历史节点的服饰变革，作者采取了一种“问题-分析-结论”的结构来展开讨论，使得整个历史脉络清晰可见，不会让人感觉知识点是零散堆砌的。这种易读性并非以牺牲学术严谨性为代价，而是一种高超的知识组织能力的体现。读完关于某一朝代服饰变迁的章节，我能清晰地勾勒出其发展轨迹，而不是一头雾水，这对于提升非专业读者的学习体验至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书在收录服饰实物资料时，展现出了一种超越地域和朝代的宏大视野，这使我对其广度和包容性深感敬佩。我们知道，中国的服饰文化是多元的，涉及中原、草原、高原等多个地理文化圈。令人欣慰的是，这部图典并没有将焦点仅仅锁定在主流汉族服饰上，而是相当平衡地纳入了大量北方游牧民族、西南少数民族的服饰特征和演变脉络。我特别关注到了书中对元代服饰的描述，它成功地展示了蒙古服饰如何与汉地文化相互影响、最终融合的过程，这种跨文化的张力，通过服饰的细节被生动地记录了下来。这种全景式的梳理，极大地丰富了我们对“中国服饰”这一概念的理解，使之不再是单一线性发展的产物，而是多重文化交流碰撞的结果。这种兼收并蓄的编辑方针，无疑提升了该书作为一部艺术史图典的权威性和参考价值，它为我们提供了一个更全面、更立体、更具包容性的历史视角来审视古代中国的衣冠世界。

评分☆☆☆☆☆

比较有趣的书，有书真富贵，无事小神仙。

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好书值得收藏

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