钢琴艺术理论与实践研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙光宇，马菱，程小静 著

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• 钢琴艺术
• 钢琴理论
• 钢琴实践
• 音乐教育
• 音乐研究
• 艺术研究
• 音乐表演
• 钢琴教学
• 音乐分析
• 高等教育

出版社： 中国书籍出版社

ISBN：9787506841559

版次：1

商品编码：12009682

包装：平装

丛书名： 高校艺术研究论著丛刊

开本：16开

出版时间：2016-07-01

用纸：胶版纸

页数：244

字数：383000

正文语种：中文

内容简介

　　《钢琴艺术理论与实践研究》重点选取了钢琴音乐本体、钢琴演奏、钢琴教育等重要知识作为理论支撑，然后以钢琴演奏的技术技巧训练、钢琴的演奏心理调控为实践内容进行综合论述。

目录

第一章 钢琴乐器的历史沿革
第一节 管风琴
第二节 古钢琴
第三节 钢琴

第二章 西方钢琴艺术的发展
第一节 巴洛克以前的键盘音乐
第二节 巴洛克时期的古钢琴艺术
第三节 古典主义时期的钢琴艺术
第四节 浪漫主义时期的钢琴艺术
第五节 民族乐派钢琴艺术
第六节 印象主义钢琴艺术
第七节 现代派钢琴音乐艺术

第三章 西方钢琴艺术流派
第一节 德奥学派
第二节 法国学派
第三节 英国学派
第四节 意大利学派
第五节 俄罗斯学派

第四章 中国钢琴艺术的发展
第一节 “五四”以前的萌芽阶段
第二节 民国时期的形成阶段
第三节 新中国成立以后的初步繁荣’
第四节 “文革”时期的曲折发展
第五节 改革开放以来的全新局面

第五章 基本乐理知识
第一节 键盘与乐谱的对照
第二节 五线谱的读谱
第三节 节 奏与节 拍
第四节 音程、和弦与调式
第五节 装饰音及各种演奏记号

第六章 钢琴演奏基础
第一节 非连音弹奏
第二节 连音弹奏
第三节 断奏

第七章 钢琴的常规演奏训练
第一节 五指的训练
第二节 音阶与琶音
第三节 双音与和弦
第四节 八度弹奏
第五节 装饰音弹奏

第八章 钢琴踏板的运用
第一节 踏板的重要意义
第二节 踏板的使用方法
第三节 踏板的切换

第九章 钢琴的即兴伴奏
第一节 钢琴即兴伴奏的基础和原理
第二节 歌曲配弹的步骤
第三节 不同情绪歌曲的配弹与训练

第十章 钢琴演奏实践与心理调控
第一节 演奏前的准备工作
第二节 心理调控及训练方法
参考文献

前言/序言

弦上韵律的宇宙：西方管弦乐配器法及其演进史 内容提要： 本书深入探讨了西方管弦乐队从巴洛克时期到二十世纪末的配器技术、音色设计与织体构建的历史脉络与核心原理。全书以严谨的学术态度，结合大量历史文献、乐谱实例和作曲家手稿，系统梳理了不同时代、不同流派的管弦乐思维是如何塑造和定义“管弦乐声音”这一复杂美学概念的。内容涵盖了从早期对独奏乐器组合的探索，到莫扎特、贝多芬时代标准管弦乐队的定型与扩张，再到浪漫主义时期瓦格纳、马勒对乐队音响的极限开发，直至印象主义、现代主义作曲家在音色颗粒与噪音边缘的创新实践。 本书的独特之处在于，它不仅关注“配器法”的技术层面（如声部配置、音域平衡、和声功能），更着重剖析了配器选择背后的“音乐哲学”——即作曲家如何通过对特定乐器的选择和组合来表达特定的情感、描绘特定的场景，或是建构特定的结构关系。 第一部分：古典管弦乐的基石与早期探索 (1600-1750) 本部分追溯了管弦乐队的雏形，即巴洛克时期协奏曲合奏团（Concertino）与全奏团（Ripieno）的互动模式。详细分析了早期弦乐组在没有明确的固定编制下，如何依赖数字低音（Basso Continuo）实现织体支撑。重点考察了早期管乐器（如双簧管、法西尔管）如何从补充色彩的角色逐渐融入固定编制，以及巴赫和亨德尔在其大型清唱剧和协奏曲中对木管乐器功能（如对位、固定音型）的精妙运用。 第二部分：标准编制的建立与交响乐的定型 (1750-1820) 维也纳古典乐派是管弦乐配器史上里程碑式的阶段。本书详细剖析了海顿和莫扎特如何确立了四部弦乐（小提琴一、二、中提琴、大提琴与低音提琴）作为乐队核心的结构。重点分析了他们对铜管乐器（圆号与小号）的介入时机和功能限制，以及对木管乐器（长笛、双簧管、单簧管、巴松）的独立声部化处理。通过分析《海顿交响曲》与《莫扎特交响曲》的乐章结构，揭示了配器如何服务于奏鸣曲式的清晰度和比例感。 第三部分：浪漫主义的扩张与音色的诗意 (1820-1900) 进入浪漫主义，管弦乐队的规模和音响力量经历了前所未有的爆发。贝多芬的后期作品已预示了配器的巨大潜力，而舒曼、门德尔松则开始系统性地拓宽乐器的表现力。本章的重点集中于柏辽兹对“音色组合”的开创性贡献，他不仅将配器法提升为一门独立的艺术，更首次将乐器本身视为叙事和心理刻画的工具。随后，深入研究了瓦格纳对低音铜管（低音长号、大低音号）的重新定位，以及他如何通过“莱特母题”与复杂的弦乐对位，构建出浑厚、连续的“无限旋律”织体。马勒和理查·施特劳斯部分则探讨了如何通过增加打击乐器和引入非常规乐器（如曼陀林、响弦等），以实现宏大叙事和个人内心世界的精确描摹。 第四部分：印象主义与现代主义的音色革命 (1890至今) 二十世纪初，配器法的焦点从音量和结构转向了“音色颗粒”和“暗示”。德彪西和拉威尔是本阶段的代表人物。他们摒弃了德奥传统的厚重织体，转而关注乐器的高音区、泛音的利用以及非传统奏法（如弦乐的弱奏、木管的特殊指法）。本书详细分析了他们如何使用分散的、透明的木管乐器组合来捕捉光影和自然界瞬息万变的色彩。 随后，本部分转向了更激进的探索：斯特拉文斯基对原始节奏的强调如何导致了对乐队的“模块化”使用；勋伯格和韦伯恩的十二音体系如何影响了声部的独立性与均衡性；以及后来的作曲家如布列兹、施托克豪森如何将实验性技术（如声部重叠、电子媒介的引入）融入管弦乐的范畴，模糊了“配器法”与“音响设计”之间的界限。 第五部分：特定乐器组的深入研究 本章从技术层面解构了管弦乐队的核心组成部分： 1. 弦乐组： 探讨了运弓技术的演变如何影响音色（如巴洛克时期的短弓与浪漫主义的长弓），以及中提琴声部在二十世纪的独立化进程。 2. 木管组： 分析了单簧管和巴松族群在不同时期的技术限制与突破，以及长笛在三管制和四管制乐队中的音色差异。 3. 铜管组： 考察了活塞发明对圆号和小号表现力的解放，以及如何利用不同调性铜管的音色差异构建和声基础。 4. 打击乐组： 追溯了打击乐从单纯的节奏支撑到复杂音色纹理创造者的转变，重点分析了定音鼓、马林巴和颤音琴在二十世纪配器中的核心地位。 结论： 本书最终总结了管弦乐配器法作为一门活的历史艺术，如何在技术革新、哲学思潮和演奏实践的相互作用下，持续地自我更新。它揭示了每一代作曲家如何继承前人的工具箱，并以其独特的方式重新定义了“交响乐”这一音乐形式所能承载的全部听觉可能性。本书旨在为音乐学院学生、指挥家、作曲家及所有对管弦乐艺术抱有浓厚兴趣的读者提供一份全面而深刻的参考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力在于，它能够将理论与实践巧妙地结合在一起，而且是以一种非常引人入胜的方式呈现。我一直认为，学习任何一项技能，都离不开扎实的理论基础，但理论如果脱离了实践，就很容易变得空洞乏味。这本书在这方面做得非常出色。它在讲解复杂的理论概念时，总是能够及时地与实际的演奏技巧联系起来，让读者明白这些理论究竟有何用处。例如，在讲解和声理论时，作者并没有停留在抽象的音程和和弦分析，而是立刻展示了这些和声如何在实际的钢琴作品中被运用，以及它们如何营造出不同的音乐氛围。这种“理论服务于实践”的思路，让我在学习过程中感到更加清晰和有方向感。我不再是机械地记忆一些规则，而是能够理解这些规则背后的逻辑，并将其应用到自己的演奏中。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为，所谓的“钢琴艺术”就是指弹奏技巧，但这本读物彻底颠覆了我的认知。它将“艺术”的概念延展到了一个更加宏观的维度，让我开始思考钢琴演奏的背后，究竟蕴含着怎样的哲学思考和审美追求。书中对不同时期作曲家如何利用钢琴的特性来创作音乐的分析，简直是点睛之笔。我从来没有想过，那些经典的钢琴曲，不仅仅是音符的组合，更是作曲家内心世界和对时代的回响。作者通过大量的案例分析，比如肖邦的细腻情感、李斯特的炫技与激情、德彪西的印象派色彩，让我对这些大师的作品有了全新的认识。我甚至开始尝试去“听”出作曲家想要表达的情绪，去感受乐句的起伏和色彩的变化。这种从“技术”走向“艺术”的升华过程，让我觉得这本书不仅仅是关于钢琴的，更是关于如何去理解和感受音乐本身。它鼓励读者去探索音乐的情感内核，去挖掘乐谱背后的深意，这是一种非常难得的阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“实践”部分，可以说是为我这样的初学者量身定制的。我之前也接触过一些钢琴教材，但往往要么过于强调枯燥的基本功，要么直接跳到高难度的乐曲，让我感到无从下手。而这本书的教学方法，则显得更加循序渐进，而且充满了趣味性。它并没有一味地让你去“练”，而是通过一些生动有趣的练习方法，帮助你逐渐掌握演奏的要领。比如，书中提到的关于手指独立性和灵活性的训练，不是简单地让你一遍遍地重复音阶，而是通过一些模拟实际演奏情境的练习，让你在不知不觉中提升能力。更让我惊喜的是，它还介绍了如何去“听”自己的演奏，如何去辨别音色、节奏和力度上的细微差别。这种强调“自我反馈”的教学理念，让我觉得非常有启发性。我开始尝试将书中的练习方法应用到自己的弹奏中，发现确实有了很大的进步。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我大开眼界，虽然我一直对音乐充满热情，也断断续续地接触过一些乐器，但真正深入了解一件乐器背后的学问，这还是头一次。这本书的开篇就如同打开了一扇新世界的大门，它没有像我预想的那样直接跳到枯燥的乐理知识，而是从钢琴这件乐器本身的起源、发展历程讲起。我了解到，原来我们今天看到的三角钢琴和立式钢琴，它们的演变过程是如此漫长且充满智慧的结晶。作者对不同时期钢琴制造技术的细致描绘，让我惊叹于人类在追求更完美的音色和表现力上所付出的努力。特别是关于击弦机制、琴弦张力和共鸣板的研究，这些看似遥远的技术名词，在作者的笔下变得生动而易于理解。我甚至开始想象，当年那些工匠们是如何一点点克服技术难题，最终才有了这架能奏响千变万化音乐的“魔法盒子”。这本书的文字流畅自然，并非那种堆砌专业术语的教科书，而是充满了故事性和人文关怀，让我感觉像是在听一位资深音乐家娓娓道来他与钢琴的渊源。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我并不是一个音乐科班出身的人，甚至可以说是个音乐“小白”。所以，一开始拿到这本书，我其实有些忐忑，担心书中的内容会过于艰深，我根本看不懂。但事实证明，我的担心是多余的。作者的文字功底非常深厚，他能够用一种非常浅显易懂的语言，将复杂的音乐理论和演奏技巧娓娓道来。即使是一些我从未接触过的概念，比如“音乐句法”或者“演奏情绪的表达”，在作者的阐述下，也变得非常清晰易懂。更重要的是，这本书并非照本宣科，而是充满了作者自己独特的见解和感悟。他分享了许多他在钢琴学习和演奏过程中的经验和心得，这些“过来人”的经验，对于我这样的初学者来说，无疑是非常宝贵的财富。它不仅教我“怎么弹”，更教我“怎么去感受音乐”。