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俞剑华著周积寅导读 著

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出版社： 上海书画出版社有限公司

ISBN：9787547912836

商品编码：11629647108

出版时间：2016-08-01

作  者:俞剑华 著；周积寅 导读 定  价:66 出 版 社:上海书画出版社有限公司 出版日期:2016年08月01日 页  数:421 装  帧:平装 ISBN:9787547912836 ●丛书弁言
●俞剑华《中国绘画史》导读
●凡例
● 上古时代之绘画
●第二章 三代之绘画
●第三章 秦朝之绘画
●第四章 两汉之绘画
● 西汉之绘画
●第二节 东汉之绘画
●第五章 三国之绘画
●第六章 晋朝之绘画
● 西晋之绘画
●第二节 东晋之绘画
●第七章 南北朝之绘画
● 南北朝绘画概论
●第二节 南朝之绘画
●第三节 北朝之绘画
●第四节 中国绘画之东渡与日本画家之西来
●第八章 隋朝之绘画
● 隋朝绘画概论
●部分目录

内容简介

俞剑华先生的《中国绘画史/朵云文库》优选的特色，是以进化论构建新的绘画史体系，也中国绘画创作与临摹不可偏废。专事创作，不临摹传统，将割断历史；专师临摹传统，不从事创作，将使传统日益枯萎而绘画将日渐退化。这一学术思想，成为其贯穿《中国绘画史》全书的一根主线，至今仍有其深远的现实意义。 俞剑华 著；周积寅 导读 俞剑华，中国有名绘画史论家、中国画家、美术教育家，对我国美术事业做出了重大贡献。曾历任上海新华艺大、上海美专、东南联大、暨南大学教授，上海学院院长，华东艺专、南京艺术学院教授，中央美术学院民族美术研究所研究员，中国美协会员，华东美协、江苏省文联、美协江苏分会事。俞剑华先生毕生奉献于中国美术史和中国画论研究，成就卓著，著作等身。出版有近千万字的美术史论方面的著作。主要有《中国绘画史》《近期新图案法》、《中国画论类编》、《中国壁画》、《中国山水画的南北宗论》、《顾恺之研究资料》、《石涛画语录注解》、《宣和画谱解》、《历代名画记注解》、《图画见闻志注解》等。他的著作在靠前外都有广泛的影响。其《中国古等

千年丹青：从混沌初开到意境悠远 这并非一本寻常的艺术史书，它不拘泥于罗列名家名作，也非简单梳理朝代更迭下的画风演变。相反，本书致力于深入探索中国绘画背后那颗跳动的心脏——它如何与时代的脉搏一同呼吸，如何承载着民族的情感与哲思，又如何在一笔一画间，勾勒出中华民族独有的精神气韵。我们将一同踏上一段穿越时空的旅程，品味那从混沌初开的质朴，到意境悠远的深邃，再到现代生机勃勃的万象纷呈。 第一章：蒙昧初醒——史前与先秦的象形与符号 在文字尚未成熟，文明尚在酝酿的时代，中国绘画的萌芽已悄然绽放。史前岩画，那些粗犷而充满生命力的图腾，仿佛是先民们对宇宙万物的敬畏与膜拜，是早期人类原始情感与生存状态的直观记录。它们可能描绘着狩猎的场景，记录着祭祀的仪式，或是象征着家族部落的图腾。这些图像并非纯粹的写实，而是一种高度凝练的符号语言，蕴含着对自然界神秘力量的感应和对生命延续的渴望。 进入先秦时期，随着社会结构的复杂化和思想观念的演变，绘画开始有了更为明确的功能和主题。青铜器上的纹饰，尤其是商周时期的饕餮纹、龙凤纹等，展现出一种神秘而威严的风格，它们是政治权力和宗教信仰的象征，也反映了当时人们对神灵世界的想象。楚汉时期的帛画，如《龙凤仕女图》和《鸾凤纹样》，则让我们窥见了早期绘画的色彩运用和构图雏形。这些画作虽然带有浓厚的装饰性和象征性，但人物的造型、神情的刻画，已经初具一定的表现力。它们不仅是艺术品，更是研究当时社会生活、宗教信仰和审美趣味的重要史料。在这一时期，绘画更多地服务于礼仪、祭祀和宗教活动，其表现形式也相对单一，但其孕育的象形与符号思维，为后世绘画的发展奠定了基础。 第二章：辉煌奠基——秦汉魏晋南北朝的写实与精神 秦汉时期，统一王朝的建立带来了绘画的空前发展。墓室壁画，如汉代的《马踏匈奴》、《宴乐图》以及敦煌壁画的早期遗迹，展现出强大的叙事性和写实能力。这些壁画不仅记录了战争的宏伟，宫廷的奢华，也刻画了普通民众的日常生活，如农耕、宴饮、弋射等。人物形象生动，动态感强，线条流畅有力，展现出汉代雄浑奔放的艺术风格。绘画的功能也从单纯的装饰走向了记录历史、宣扬功绩，以及表达对死后世界的冥想。 魏晋南北朝是中国历史上一个思想文化大变革的时期，玄学、佛教的兴盛对绘画产生了深远影响。顾恺之的“以形写神”理论，将绘画的艺术追求提升到了一个新的高度。他的画作，如《洛神赋图》，虽然已不可见原作，但其“迁想妙得”、“应物象形”的美学理念，强调了艺术家在观察物象时的主观创造和对精神层面的把握。他笔下的人物，虽有程式化的痕迹，但其神情姿态，却能传递出一种清高、脱俗的文人气质。同时，佛教绘画的兴起，如云冈、龙门石窟的造像和壁画，展现了佛教故事的传播和图像化的表达。这些佛教艺术吸收了外来元素，又与中国传统文化相结合，形成了独具特色的佛教艺术风格，为中国绘画注入了新的生命力。这一时期，绘画开始注重人物的内在精神刻画，从单纯的“形似”向“神似”迈进，为中国绘画的写意精神奠定了基础。 第三章：山水初成，意趣盎然——隋唐五代的宏大与写意 隋唐时期，是中国历史上最辉煌的时代之一，其艺术也达到了新的高峰。绘画题材更加广泛，技法也更加成熟。山水画开始独立成科，张僧繇、展子虔等人是其中的先驱。展子虔的《游春图》被认为是山水画的早期代表作，虽然其画面尺幅不大，但已经展现出对自然山川的描绘和对空间关系的初步探索。人物画方面，阎立本的《步辇图》以其精湛的人物造型和细腻的心理刻画，展现了唐代宫廷绘画的写实功力和高度的艺术水准。吴道子更是被誉为“画圣”，他的画风雄健奔放，线条遒劲，被后世称为“吴带当风”。他的宗教画和人物画，在民间广为流传，影响深远。 五代时期，随着分裂局面的出现，南方和北方绘画风格开始出现差异。南唐的顾闳中以其《韩熙载夜宴图》著称，此画以长卷形式描绘了韩熙载夜宴的场景，人物众多，场面宏大，情节生动，对人物的刻画极为细致，堪称写实人物画的典范。北方画家如荆浩、关仝，则开始专注于山水画的创作，他们笔下的山水更加雄伟壮丽，构图严谨，展现出北方山河的磅礴气势。这一时期，山水画的初步成型，以及人物画的写实技巧的精进，为宋代绘画的辉煌奠定了坚实的基础。同时，绘画的题材进一步拓宽，从宗教、宫廷走向日常生活，开始关注自然的壮美和人情的美好。 第四章：笔墨之魂——宋代的写实主义与文人画的崛起 宋代是中国绘画史上的黄金时代。宋徽宗时期，宫廷画院汇聚了大量优秀画家，创作出大量精美的写实画作。范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》是山水画的巅峰之作，它们描绘了气势磅礴的山河，笔法精绝，意境高远，将中国山水画推向了极致。花鸟画也取得了辉煌成就，赵佶的《芙蓉锦鸡图》、崔白的《双喜图》等，以其生动传神的笔触，刻画了自然界的花鸟之美，展现了“外师造化，中得心源”的创作理念。 与此同时，文人画也在宋代兴起。文同、苏轼等文人画家，将绘画视为表达个人情怀、抒发性灵的媒介。他们的画作，不求形似，更注重笔墨的趣味和意境的传达。文同的墨竹，苏轼的墨梅、墨竹，以其简练的笔触和洒脱的气韵，表达了文人清高孤傲的品格和超然物外的精神追求。这种以写意为主，强调笔墨韵味和个人情感表达的绘画风格，对后世产生了极其深远的影响。宋代绘画在写实主义的巅峰之余，文人画的崛起，标志着中国绘画进入了一个更加注重主观精神和艺术个性的新阶段。 第五章：元明清的传承与变革——写意山水的再创造与市民趣味的涌现 元代，士大夫阶层对绘画的贡献依然重要。黄公望的《富春山居图》以其疏淡的笔墨和宁静的意境，成为了文人山水画的典范。王蒙、倪瓒等人的作品，也各具特色，继承了宋代文人画的精神，并在笔墨技法上有所创新。但同时，元代绘画也开始受到一些新的思潮的影响，绘画的面貌更加丰富。 明清时期，中国绘画进入了一个更为复杂的时期。一方面，继承和发展了宋元文人画的传统，黄宾虹、八大山人、石涛等大师，在笔墨、构图、意境上都进行了大胆的创新，尤其是石涛，提倡“笔墨当随时代”，其奔放的笔墨和独特的情感表达，为后世绘画开辟了新的道路。另一方面，随着商品经济的发展和市民阶层的壮大，绘画的题材和风格也日益世俗化。陈洪绶、孙过庭等人，以其奇特的构图和强烈的个人风格，展现了新的艺术面貌。晚明时期，以“扬州八怪”为代表的画家，打破了传统画坛的陈规，他们的作品，或奔放恣肆，或清新雅致，充满个性，极大地丰富了中国绘画的表现力。清代宫廷绘画虽然延续着精工细致的风格，但民间绘画，如年画、版画等，也开始繁荣，它们题材广泛，色彩鲜艳，贴近生活，深受百姓喜爱。 第六章：近现代的回望与新生——东西方碰撞下的中国画演变 进入近现代，中国经历了翻天覆地的社会变革，西方艺术思潮的涌入，对中国传统绘画产生了巨大冲击。一些画家开始尝试将西方写实技法融入中国画，如徐悲鸿、刘海粟等，他们提倡写实主义，并借鉴西方素描、色彩的理论，极大地丰富了中国画的表现力。而齐白石、黄宾虹等老一辈画家，则在坚守传统的基础上，融入新的时代精神，他们的作品，既有深厚的传统功底，又充满了强烈的时代感。 新中国成立后，中国画的创作进入了一个新的阶段。绘画创作积极服务于社会，题材更加广泛，内容更加丰富，涌现出大量反映新中国建设成就、人民生活和社会变革的作品。同时，中国画的技法和表现形式也得到了进一步的探索和创新。在继承传统的基础上，吸收外来艺术的营养，形成了多元化的发展格局。 结语：流淌的血脉，永恒的意境 从史前岩画的粗犷图腾，到魏晋南北朝的“以形写神”，再到宋代的笔墨写意，以及近现代的多元探索，中国绘画历经千年，在传承与变革中，不断孕育着新的生命力。它不仅仅是纸上的色彩与线条，更是中华民族数千年来的精神寄托，是哲学思想的视觉化呈现，是审美情趣的生动表达。它教会我们如何观照自然，如何体悟人生，如何在平凡中发现不平凡，如何在静谧中感受澎湃。这千年丹青，如同一条奔腾不息的长河，流淌着我们民族的血脉，也承载着永恒的意境，等待着我们去继续发掘、传承与创新。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的是它对一些“边缘”绘画形式的关注。我过去对中国绘画的认识可能比较狭窄，主要集中在文人画、宫廷画等方面。而这本书则花了不少篇幅来介绍民间绘画、宗教绘画、以及一些地域性的绘画特色，这极大地拓宽了我的视野。我了解到，在辉煌的文人画背后，也存在着丰富多彩的民间艺术，它们同样承载着普通百姓的生活情感和审美追求。书中对敦煌壁画、以及各地寺庙壁画的介绍，让我看到了绘画在宗教传播和文化交流中的重要作用。作者的叙述并没有因为这些“非主流”的绘画形式而显得敷衍，反而都进行了深入的探讨和分析，让我对中国绘画的整体图景有了更完整的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排和设计都非常用心。每一章都围绕一个明确的主题展开，逻辑清晰，循序渐进。我尤其喜欢书中大量的精美插图，它们不仅仅是作为文字的佐证，更是本身就具有极高的欣赏价值。那些高清的复制品，让我能够近距离地欣赏到古人的笔墨之妙，色彩之美。作者在解读这些作品时，常常会引导读者去关注一些细节，比如笔触的力度、墨色的变化、构图的巧妙，这些都让我学到了很多欣赏绘画的技巧。书中还引入了许多鲜为人知的民间绘画和地方性绘画，拓宽了我的视野，让我认识到中国绘画的多样性和地域性。我过去常常认为中国绘画就是文人画和宫廷画，而这本书则让我看到了农民画、宗教画、装饰画等不同形式的绘画在中国历史上的地位和贡献。这种全面的梳理，让我对中国绘画的认识不再局限于某个狭窄的领域。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角非常独特，它不仅仅关注中国绘画本身的发展，还将绘画置于更广阔的社会、文化、政治背景下进行考察。我非常喜欢作者对绘画与科技、经济、哲学、宗教等领域之间关系的探讨。例如，书中对活字印刷术的发明如何影响了绘画的传播，以及宋代经济的繁荣如何催生了市民阶层的艺术需求，都让我对绘画的历史有了全新的认识。作者还特别强调了中国绘画中“意境”的重要性，他认为中国绘画不仅仅是对外在物象的描摹，更是对画家内心世界的表达，是对自然与人生的感悟。通过对“气韵生动”、“骨法用笔”、“应物象形”、“随类赋彩”、“经营位置”、“传移模写”这些中国绘画理论的阐释，让我更清晰地理解了中国画的独特魅力。我曾以为绘画只是画匠的技艺，而这本书让我看到了绘画作为一种高度精神化的艺术形式，如何承载着中国人的审美情趣、人生哲学和文化追求。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的学术严谨性让我印象深刻。作者在考证史料、梳理脉络方面做得非常扎实，引用了大量的文献和考古发现，让书中的论述都有据可依。我尤其欣赏书中对不同历史时期绘画风格的细致分析，比如唐代绘画的雍容华贵，宋代绘画的精谨细腻，元代绘画的潇洒写意，以及明清绘画的世俗化和多样化，作者都能够准确地抓住其核心特征，并且给出令人信服的解释。我曾对某个历史时期的绘画风格感到困惑，比如宋代院体画与文人画之间的区别，而这本书则通过对两者在题材选择、笔墨技法、审美取向等方面的对比分析，让我茅塞顿开。书中对一些重要画家，如顾恺之、阎立本、吴道子、张择端、范宽、李唐、马远、夏圭、赵孟頫、黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙、沈周、文徵明、唐寅、仇英、董其昌、八大山人、石涛、扬州八怪等等的介绍，并非简单的生平事迹堆砌，而是结合其作品，深入剖析其艺术成就和历史地位。书中对这些名家作品的解读，充满了独到的见解，让我能够更深刻地理解他们的创作理念和艺术价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，既有学者般的严谨，又不失文人的风雅。作者的文字流畅而富有感染力，能够带领读者穿越时空，领略中国绘画的千年风采。我特别喜欢书中对一些经典画作的解读，他常常能够用寥寥数语概括出画作的精髓，并且点出其在中国绘画史上的重要意义。例如，他对《洛神赋图》的解读，让我看到了顾恺之如何通过精妙的笔墨，将曹植的诗句化为视觉的形象，展现了那份飘渺而动人的情感。书中还对中国绘画的材料和技法进行了详细的介绍，例如对宣纸、墨、笔的特性，以及勾勒、渲染、皴擦等技法的阐述，让我对中国画的创作过程有了更直观的了解。读完这本书，我感觉自己不仅仅是了解了中国绘画史，更像是与历代画坛大师进行了一场跨越时空的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的分析角度非常新颖，它不拘泥于传统的绘画史叙事，而是从更广阔的文化史和思想史的角度来审视中国绘画。我尤其欣赏书中对绘画与社会变迁、技术发展、以及文化观念演进之间相互影响的探讨。作者并没有将绘画孤立地看待，而是将其置于整个中国历史的大背景下进行考察，这使得对绘画的理解更加深刻和全面。我曾对某个时期绘画的突然转变感到困惑，比如元代绘画为何如此强调个人抒情和笔墨趣味，而这本书则通过对元代政治格局、文人阶层的地位变化等方面的分析，让我找到了答案。书中对艺术理论的阐释也十分到位，例如对“以形写神”的理解，让我看到了中国绘画不仅仅是对形体的模仿，更是对内在精神的捕捉。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大改变，是让我对中国传统文化的理解更加深入。它不仅仅是一本关于绘画的书，更是一部浓缩了中国历史、哲学、美学、甚至生活方式的百科全书。我常常会被书中对某个时代绘画风格背后所体现的社会风貌的描绘所吸引，比如唐代仕女画中展现的女性独立意识的萌芽，宋代山水画中寄托的文人隐逸情怀，以及明清时期市民阶层绘画的世俗化和趣味性。作者的文字充满了诗意和哲思，读起来并不枯燥，反而像是在和一位博学的朋友聊天。他常常会引用一些古代的诗歌、散文来佐证自己的观点，让我感受到绘画与文学之间的紧密联系。读完这本书，我感觉自己对中国古典诗词的理解也更深了，因为我能够从绘画的意境中体会到诗词中描绘的景物和情感。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受就是其宏大的叙事和深刻的洞察力。它并非仅仅罗列了历代画家的作品和生平，而是试图去解读这些作品背后所承载的时代精神和文化内涵。我尤其赞赏作者对不同绘画流派的辨析，比如文人画的崛起，它不仅仅是一种艺术风格的改变，更是士大夫阶层价值观和生活方式在绘画上的体现。书中对水墨晕染的技法、写意精神的阐释，以及如何从笔墨的枯润浓淡中体会画家的情感，都让我受益匪浅。我一直觉得山水画是中国绘画的瑰宝，而这本书则让我看到了山水画是如何从具象描摹逐渐走向意境的表达，从对自然景物的客观再现，转变为对宇宙人生哲理的寄托。那些对山水画虚实相生、气韵生动的解读，让我对“可游可居”的中国山水画有了更深的理解。作者还花了相当大的篇幅来探讨佛教艺术对中国绘画的影响，比如敦煌壁画的艺术价值，以及佛教造像的演变，这些内容让我看到了绘画在宗教传播和文化交流中的重要作用。读完这本书，我感觉自己对中国山水画、人物画、花鸟画的理解都提升了一个层次，也更能体会到其中蕴含的东方美学和哲学思想。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直让我惊喜连连，我之前对中国绘画的了解仅限于一些零散的认知，比如仕女图、山水画这些模糊的概念，真正想要深入了解却总是不得其法。而《中国绘画史》就像一位经验丰富的向导，带领我一步步走进中国绘画的博大精深。从史前时期的岩画开始，它并没有急于展示那些耳熟能详的名家名作，而是细致地梳理了绘画艺术萌芽的土壤，分析了不同地域、不同文化背景如何孕育出最初的视觉表达。我特别喜欢其中对各个时期绘画特点的剖析，比如早期色彩的运用，线条的勾勒，以及题材的选择，都充满了历史的厚重感。书中引用的那些并非人人皆知的早期作品，反而更能展现出中国绘画源远流长的生命力。它不是那种堆砌史料的枯燥读物，而是通过对绘画技法、审美理念、社会功能等多个维度的深入探讨，让我看到了绘画与中国古代社会、哲学思想、文人生活之间千丝万缕的联系。每当我读到某个朝代的绘画风格转变，或是某个流派的兴起，都能感受到一种历史的脉动，仿佛穿越时空，亲历了艺术的演进过程。作者的笔触细腻而富有逻辑，将庞杂的信息梳理得井井有条，即使是对绘画初学者来说，也能够轻松地跟上节奏，并且在阅读中逐渐建立起对中国绘画整体发展脉络的清晰认识。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书的可读性非常高。尽管内容涵盖了数千年的绘画史，但作者的叙述方式却非常生动有趣，充满了启发性。他善于运用类比和故事来解释复杂的概念，让原本可能显得枯燥的历史知识变得鲜活起来。我特别喜欢书中对一些著名画作的解读，他不仅仅是对画作的表面描写，更是深入挖掘了画作背后的创作背景、画家心境、以及它在中国绘画史上的地位。例如，他对《清明上河图》的解读，不仅仅停留在对画作内容的介绍，更是深入分析了画作所展现的北宋城市生活、商业繁荣和社会风貌，让我对那个时代有了更加具象的认识。书中还对中国绘画中“留白”的艺术进行了深入的探讨，让我理解了这种看似“不画”的空间如何蕴含着无限的意境和想象。