王鑑《梦境图》研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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李安源 著，范景中 编

图书标签:

• 王鑑
• 梦境图
• 明代绘画
• 文人画
• 绘画史
• 艺术史
• 图像学
• 文化研究
• 梦文化
• 象征意义

出版社： 中国美术学院出版社

ISBN：9787550304222

版次：1

商品编码：11218541

包装：平装

丛书名： 艺术史研究丛书

开本：16开

出版时间：2013-03-01

用纸：胶版纸

页数：247

正文语种：中文

内容简介

　　《王鑑<梦境图>研究》通过深入研究《梦境图》的图式生成语境与王鑑生平体阅之关系，进而延伸至对清初绘画生态的考察，对于我们了解这一时期的文人画家如“四王”辈“毫素深心”的创作生涯，以及时代赋予他们的心理轨迹，具有重要文献学术价值。

前言/序言

《宋画的意境与技法探微》 内容提要： 本书聚焦于宋代绘画的博大精深，从其独特的时代背景出发，深入剖析了宋代山水、花鸟、人物画的风格演变、美学特征及精湛技法。全书不仅涵盖了北宋恢弘壮阔的“巨制”传统，以及南宋院体精微内敛的“格物致知”精神，更探讨了文人画的兴起对画坛产生的深刻影响。通过对典型作品的细致解读，揭示了宋代画家如何在对自然的观察中融入哲学思考，从而构建出兼具写实性与诗意感的艺术世界。本书旨在为研究宋代艺术史、审美趣味，以及学习传统绘画技法的读者提供一份详实而富有洞察力的参考。 --- 第一章：宋代绘画的时代脉络与美学基石 1.1 时代背景下的艺术转向： 宋代，无论是北宋的统一与繁荣，还是南宋的偏安与内敛，都为中国绘画的发展提供了丰厚的土壤。相较于唐代的富丽堂盛，宋代艺术更倾向于对内在精神世界的探索和对自然秩序的精准把握。我们首先审视了宋代统治阶层对绘画的推崇，以及科举制度中对“画学”的重视如何推动了专业画家的成长和院体的规范化。这种自上而下的支持，使得宋代绘画在很长一段时期内保持了高度的专业水准和系统化的理论建构。 1.2 “格物致知”与写实精神的確立： 宋代理学思想对绘画产生了决定性的影响。强调“格物致知”的求索精神，促使画家们必须深入细致地观察自然万物的形态、光影和生命律动。本章详述了宋徽宗时期设立的“画院”制度中，对画家“体物写志”的要求，以及如何通过严苛的写生训练，塑造出如郭熙、李唐等大家精准而又富有生命力的笔墨。这不仅是一种绘画技巧的提升，更是一种认知世界的方法论的体现。 1.3 意境的哲学内涵： 宋画的美学核心在于“意境”的营造。这种意境并非简单的景物堆砌，而是将士大夫阶层对宇宙、人生、历史的感悟，巧妙地融入山水林木、飞禽走兽之中。通过对“气韵生动”这一核心范畴的深入探讨，我们分析了宋代画家如何在水墨的晕染和皴法的变化中，传达出含蓄、深远、幽微的情感层次，区别于唐代绘画偏重叙事和装饰性的特点。 第二章：山水画的革新与高峰 2.1 北宋山水的“全景式”叙事： 北宋山水画以其恢弘的气势和对宏大宇宙的敬畏感著称。本章着重分析了李成、范宽、关仝等北方山水画家的风格。范宽《溪山行旅图》中的“高耸入云”的群山，体现了对泰山、华山等北方山脉的直接感受。我们详细阐述了“三远法”（高远、深远、平远）在北宋山水构图中的应用，及其如何引导观者的视线，在画面中构建出具有立体感和纵深感的空间结构。 2.2 南宋“小景”的转向与院体精微： 靖康之变后，山水画的重心南移，风格也随之转变。南宋院体山水，如李唐、刘松年、马远、夏圭的画作，展现出对局部景致的专注和笔墨的提炼。马远的“一角两面”构图，夏圭的“半边山水”，体现了在有限的画面内表达无限意境的技巧。本节重点解析了南宋画家对笔墨“干湿浓淡”的掌控，如何用简练的笔触描绘出烟雨迷蒙、江水浩渺的江南风光。 2.3 水墨之韵：皴法的演变与个性化表达： 皴法是宋代山水画的灵魂。我们系统梳理了自唐代以来皴法的流变，重点分析了北宋时期“披麻皴”、“斧劈皴”的成熟，以及南宋时期“拖泥带水皴”在表现湿润空气感上的成就。通过对比不同画家的皴法笔触（如董源的披麻皴与李唐的斧劈皴），揭示了皴法如何成为画家个人气质和地域审美倾向的载体。 第三章：花鸟画的写实主义与象征意义 3.1 院体花鸟的“格物致知”典范： 宋代花鸟画是写实主义的巅峰。本章集中探讨了徽宗时期画院对花鸟画“形似”与“意似”的统一要求。例如，对鸟类羽毛的细腻描绘，对植物脉络和露珠光泽的逼真再现，都体现了画家对自然界生命细节的极致观察。我们考察了双勾填彩法在宋代花鸟画中的应用，及其如何最大程度地保持了物体的质感和色彩的鲜妍。 3.2 象征意义的渗透与文人情怀的引入： 虽然院体花鸟以写实为主，但其中已隐现文人画的影子。例如，通过对“岁寒三友”（松、竹、梅）的反复描绘，寄托了画家坚贞不屈的品格。本节分析了黄荃父子的“黄家富贵”风格与后来的“文人花鸟”风格之间的过渡，探讨了宋徽宗的审美趣味如何塑造了这一时期花鸟画的总体面貌。 第四章：人物画的世俗化与精神写照 4.1 院体人物画的叙事传统： 宋代人物画在继承唐代人物画的健硕之美后，开始向世俗化和生活化发展。本章分析了“界画”在表现建筑、舟船等场景时的精确性，以及对日常社会场景（如贵族游乐、市井百态）的关注。例如，张择端的《清明上河图》作为界画与风俗画的集大成之作，其复杂的人物群像和环境布局，为研究宋代社会提供了宝贵的视觉材料。 4.2 笔墨中的心理刻画： 与唐代注重外在的“形”不同，宋代人物画更注重对人物内在精神状态的捕捉。我们分析了通过眼神、手势、衣纹的走向，来刻画人物的喜怒哀乐和身份地位的技巧。衣纹的用笔也从唐代的饱满圆润转向更加简洁、富有韵律感的线条，体现了宋人对“简”和“雅”的审美追求。 第五章：文人画的兴起与水墨的独立性 5.1 “士气”的觉醒： 自北宋中后期，以苏轼、米芾为代表的文人，开始强调绘画的“抒性”功能，反对一味追求“形似”。本章阐述了文人画理论的形成过程，以及他们对院体程式化创作的反思。文人画将绘画视为“胸中丘壑”的自然流露，而非取悦权贵的技艺。 5.2 水墨的解放与米氏云烟： 水墨技法的成熟是宋代绘画向元代过渡的关键标志。米芾父子开创的“墨戏”，将水墨的渲染、晕化效果推向极致。我们详细探讨了“点皴”和“泼墨”技法如何脱离了对具体景物的刻意描摹，转而追求墨色在宣纸上自然洇化的效果，这极大地拓展了水墨语言的独立表现力，为后世水墨画的发展奠定了理论和实践基础。 结语： 宋代绘画是中国艺术史上的一个高峰，它不仅在技法上达到了前所未有的高度，更在哲学与美学上构建了一套完整而深邃的体系。通过对山水、花鸟、人物的细致考察，我们得以领略宋人如何将万千气象收于方寸之间，实现“可行、可望、可游、可居”的艺术理想。本书的研究，旨在为读者提供一个清晰的框架，以深入理解宋画遗存的审美价值与不朽魅力。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对叙事逻辑要求极高的读者，尤其在面对艺术史研究时，我更倾向于那种清晰、线性的梳理，能够循着一条清晰的脉络，从源头追溯到最终的呈现。这本书在这方面做得尤为出色，它不像某些学术论文那样将观点杂糅在一起，而是像精心打磨的瑞士钟表，每一个章节、每一个论点都环环相扣，精准到位。特别是关于光影处理与空间营造的章节，作者通过对一系列关键性作品的细节对比，展现了画家是如何在二维平面上模拟出三维的幻觉，并通过这种“造梦”的手法，引导观者的潜意识进入其设定的情绪氛围中。这种对视觉语言的剖析细致入微，仿佛拿着一把精密的解剖刀，层层剥开画面的肌理，揭示出隐藏在笔触之下的作者意图。读到此处，我忍不住一次次合上书本，闭目回想那些书中所描绘的画面，试图在自己的脑海中复现那种光线的流动和景深的变换，这种沉浸式的阅读体验，是许多干巴巴的图录所无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，刚开始接触这类专业书籍时，我最大的顾虑就是晦涩难懂，怕自己被过多的专业术语和晦涩的学术语境所淹没，最终只能流于表面地翻阅。然而，这本书真正展现出其大师级的功力在于，它拥有将复杂概念“翻译”成易于理解的语言的能力。作者似乎深知，最深刻的洞见往往需要最朴素的表达。例如，在分析某一幅作品中人物的“凝视”时，作者没有堆砌复杂的符号学理论，而是通过描述当时社会对“观看”的禁忌与开放，巧妙地将笔触导向了作品中人物眼神所承载的微妙张力。这种处理方式，极大地降低了阅读门槛，使得那些原本只在专业圈子里流传的见解，能够被更广泛的艺术爱好者所理解和接受。我感觉自己不是在被动地接受知识灌输，而是在进行一场平等的、充满启发性的交流，每读一页，都有“原来如此”的豁然开朗。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版布局也值得称赞，这在许多学术出版物中常常是被忽略的环节，但它对于阅读体验的影响是巨大的。在内容如此密集、信息量如此庞大的情况下，良好的视觉组织是保证读者能够保持专注力的关键。页边距的舒适度、图版的印刷质量，以及最重要的——那些核心论述与辅助图示之间的排布关系，都体现了出版方对读者的尊重。清晰、高分辨率的图像配以外周的详尽注释，使得我们无需频繁地在正文和图注之间来回翻找，极大地提升了研究的流畅性。这种对细节的极致追求，与书中对艺术品细节的钻研精神形成了完美的呼应，使得整个阅读过程本身，也成了一种对“精美构造”的欣赏。这本书不仅是知识的载体，更是一件赏心悦目的阅读产品，让人爱不释手，也更愿意投入时间去细细品味其中蕴含的深厚学养。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的专著，光是翻开扉页，就能感受到作者沉甸甸的学术抱负。我原本只是一个略知皮毛的艺术爱好者，对于“梦境”这个宏大而虚无缥缈的主题，一直抱持着一种好奇又敬畏的心态。市面上关于古典绘画的研究材料不少，但大多侧重于技法分析或者历史背景的梳理，鲜少有能深入到艺术家内心世界与作品意象之间进行哲学层面探讨的力作。这本书的开篇便没有急于切入具体的图画分析，而是花了大量的篇幅构建了一个理解“梦”在那个特定历史时期和文化语境下，如何被观看、被描绘的理论框架。这让我意识到，要真正理解一幅画作，必须先理解其背后的思维模式。作者的文笔严谨而不失温度，引用的文献跨越了文学、哲学乃至心理学范畴，构建起了一个多维度的解读体系，使得即便是初学者，也能感受到自己正被引领着进入一个更深邃的知识领域。读完前几章，我仿佛置身于一个古老的书房，与那些早已逝去的思想者进行着跨越时空的对话，为接下来的具体作品鉴赏打下了坚实的基础，心中对艺术的敬畏感又增添了几分。

评分☆☆☆☆☆

我个人对艺术品的“时间性”概念非常着迷，一件作品是如何定格瞬间，又如何跨越时间与后世对话的。这本书对于“梦境”与“时间停滞”之间的关系探讨，无疑是全书最触动我的部分之一。作者没有将“梦”视为纯粹的幻想，而是将其解读为艺术家试图捕捉和凝固那些在清醒现实中稍纵即逝的“精神瞬间”的载体。通过对不同时期作品的纵向比较，可以清晰地看到画家在面对时间流逝时的焦虑感是如何体现在画面构图的稳定性和色彩的饱和度上的。这种对内在情绪的捕捉，让原本冷峻的学术分析变得极富感染力。我甚至开始用一种全新的视角去审视那些我曾以为自己已经完全理解的经典画作，开始思考画面中每一个元素——无论是远山的一缕云雾，还是一片苔藓的颜色——是否都是艺术家为了“挽留”时间而布下的精妙伏笔。这种深层次的共鸣，是我阅读学术著作时最为珍视的体验。

评分☆☆☆☆☆

王朝的更迭，使王鑑、王时敏辈心绪纷乱，矛盾重重。客观地说，&ldquo;二王&rdquo;在明代皆为仕宦，入清后不仕，表面上是为保全不事二主的儒家名节，实质上则因未获清廷起用。他们在清初与达官显宦交接频繁，其中尤以鼎食明清两朝的贰臣居多，如吴伟业、钱谦益、龚鼎孳、梁清标、曹溶、宋荦等。王鑑、王时敏在清初虽无出仕经历，但迎降失节行为却成为其一生的梦魇与暗伤，从此角度来看王缢、王时敏的文化身份，与严格意义上的遗民显然不可同日而语。但是，倘若将&ldquo;二王&rdquo;的迎降行为搁置一边，仅仅从他们在清初出处上看，他们又具有一般遗民的特征一一其言行充满了对故国的怀思与对归隐山林的渴望。因此，今人在定位王镒与王时敏的政治身份时颇多分歧，特别是将其定位为遗民则基于一种笼统的立场。163按照一般的理解，遗民与贰臣是属于两个不同世界中的人物，二者之间似是汉贼不两立的。然事实上，在清初即便像顾炎武、黄宗羲、傅山那样耿直的遗民，也居然能够与身为贰臣的清廷大吏相视为莫逆，亦不足为奇，更不消说王鑑、王时敏辈有着如此微妙的&ldquo;两截人&rdquo;身份。正如谢正光指出：&ldquo;事实上，遗民与贰臣被推向于两个极端，并不只限于道学家的催化，也由于一些专门为遗民立传的&lsquo;明遗民录&rsquo;的史家于有意无意之间为之定型。&rdquo;故而，如果将政治操守的量尺暂时搁置起来，而从一个较宏观的文化观点去考察遗民与贰臣之间的行谊，则有其社会伦理之基础。萧启庆将宋元之际的遗民分为&ldquo;激进&rdquo;、&ldquo;温和&rdquo;与&ldquo;边缘&rsquo;&rsquo;三种类型，其中&ldquo;边缘型&rdquo;遗民，乃指其人政治态度模棱两可：不宋不元又亦宋亦元，此如王时敏、王鑑辈既附降清朝，又未有出仕行为。故而在清初的明遗民中，耿亮守节者，不必尽是山野或田园中人，亦不必都是伯夷、叔齐式的，或陶渊明式的。

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四 王蒙笔法：《梦境图》中的玄幻空间／119

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六《北山移文》：一个文学典故的解读／131

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三丧乱遣怀／60

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附图／190

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六《北山移文》：一个文学典故的解读／131

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三丧乱遣怀／60

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四 王鑑的出仕与罢官／35

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二王鑑与王世贞的关系／28