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美国纽约摄影学院 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：9787802363588

商品编码：1026381756

出版时间：2009-08-01

作  者:美国纽约摄影学院 著作 中国摄影出版社 译者 定  价:98 出 版 社:中国摄影出版社 出版日期:2009年08月01日 页  数:609 装  帧:平装 ISBN:9787802363588 ●引言
●单元
●第1课 摄影家的眼力
●我是一名摄影家
●1.1 摄影家的眼力
●1.2 一幅好照片要有一个鲜明的主题
●1.3 一幅好照片要有一个能吸引注意力的主体
●1.4 一幅好照片必须画面简洁
●1.5 对三项基本原则的运用
●1.6 找出的一张
●1.7 观察你周围的世界
●第2课 照相机和镜头
●2.1 摄影所涉及的问题
●2.2 照相机的基本部件
●2.3 照相机的类型
●2.4 本课程需要哪种照相机
●2.5 镜头
●2.6 镜头速度
●2.7 什么是光圈
●2.8 焦距
●部分目录

内容简介

一本经久实用的教材总是引导我们去把握摄影作晶与影像之外的时空所形成的各种相互冲突和相互生成的关系，从而使得视觉的权力越来越具有主体性。
这本实际而通俗的摄影入门书，很好地解答了我对于摄影技术的疑惑，它会让你成为很好的摄影匠，如果你继续深入阅读与实践，很终会成为很好的摄影家。
美国纽约摄影学院 著作 中国摄影出版社 译者 作者：(美国)美国纽约摄影学院 译者：国摄影出版社

唐？谢夫先生于1975年成为美国纽约摄影学院的院长，其后开始为摄影人编写了这套教材，这本教材这本书自20世纪80年代中期被中国摄影出版社引进以后，畅销20余年经久不衰，影响了中国几代摄影人。他强调摄影教学要贴近学生，摄影从喜欢照相机到成为一门艺术很重要的不是技术手段，而是如何去观察你周围的世界，如何用摄影的眼光去观察世界。      靠前单元
    第2课 照相机和镜头
    2.1 摄影所涉及的问题
    照相机是一种很好独特的装置，它可以在很短的时间内接纳物体的反射光并将物体的影像较为地记录在胶片或芯片上。这是一项伟大发明，而且是一项新近的伟大发明。今天，人们当然已经接受了它，但是在170多年前，这却是一个无法完成的幻想。19世纪中叶以前，没有一位历史伟人的肖像是以照片的形式被记载下来的。人们只能通过绘画了解乔治·华盛顿（George Washington）或托马斯·杰斐逊（Thomas Jefferson）的相貌，而且由于没有他们本人的照片，你也就无法确定他们本来的面容。

影像的炼金术：捕捉瞬间，讲述永恒 这不是一本讲述特定器材的说明书，也不是一份包罗万象的摄影史论文。它是一次深入探寻光影奥秘的旅程，一次解锁你内在观察力的激发。这套教程，如同一个精密的工具箱，装备你用全新的视角去理解和驾驭周遭的世界，将平凡的瞬间升华为不朽的画面。 第一章：光的语言——不止于看见 在摄影的殿堂里，光是至高无上的统治者。我们每天都沐浴在光的恩泽中，但真正“看见”光，却需要一种训练有素的洞察力。本章将引导你超越对光线的简单感知，去理解它的性质、方向、强度和色彩。你会学会辨识一天中最适合拍摄的“黄金时段”和“蓝色时段”，理解直射光如何塑造硬朗的轮廓，散射光又如何营造柔美的氛围。 想象一下，在清晨微熹的晨光下，一缕金黄穿透窗棂，投射在静物的表面，勾勒出细腻的纹理，这种光线带来的温暖和宁静，与午后烈日下的强烈对比，瞬间将画面分割成截然不同的情绪。你会学习如何利用阴影来增加画面的深度和戏剧性，如何通过反光板来填充阴影，让细节更加丰富。不仅仅是自然光，人造光源同样是摄影师的有力武器。闪光灯、持续光源，它们各自的特性将如何被我们所用？是制造舞台般的聚光效果，还是模拟自然光的漫射，亦或是创造出独特的艺术光影？本章将一一揭示。 你还将探索光的色彩。从温暖的黄昏到清冷的月光，色温的变化能赋予画面不同的情感基调。了解白平衡的重要性，学习如何根据环境光调整相机设置，甚至是如何有意地利用色彩的偏移来增强画面的视觉冲击力。我们将不仅仅是“拍照”，而是开始“绘画”，用光线作为我们的画笔，在感光元件的画布上挥洒自如。 第二章：构图的诗学——秩序与张力 一张引人入胜的照片，绝非随机捕捉的碎片。它需要精心的编排，如同音乐的旋律，如同建筑的结构。构图，是摄影的骨架，是引导观众目光的地图。本章将深入浅出地剖析构图的诸多法则，但请记住，这些法则并非僵化的教条，而是帮助你建立视觉秩序的工具。 你会学习到“三分法”的经典应用，理解如何将画面切割成九宫格，并将主体放置在交叉点上，从而获得均衡而富有吸引力的视觉感受。但这只是起点。“黄金分割”的数学之美，又将如何体现在画面中，创造出更为和谐的比例？“引导线”的妙用，能够将观众的视线自然地引入画面的深处，如同通往神秘景点的路径。山峦的曲线、河流的蜿蜒、道路的延伸，它们都在默默地诉说着故事，引导着我们的目光。 对称与平衡，是视觉上的安定感。但有时候，打破平衡，引入不对称，反而能制造出强烈的视觉张力，让画面更具活力。前景、中景、背景的层次感，是构建立体空间的秘诀。如何利用前景元素来压缩空间，如何通过背景的虚化来突出主体，这些技巧将赋予你的照片三维的呼吸感。 极简主义的构图，用最少的元素传递最丰富的信息。留白的力量，在摄影中同样至关重要。适当的空白，能让主体更加突出，给观众留下想象的空间。而“框架构图”，将自然的景物作为画框，将画面中的精彩框定出来，如同为艺术品披上一层华丽的边框。 本章不止于理论，更注重实践。我们将分析大量经典作品，拆解它们的构图奥秘，学习如何在拍摄中灵活运用这些法则，甚至是如何打破规则，创造出属于自己的独特风格。构图，是将你的内心世界与客观现实连接起来的桥梁，它让你的视角变得更加有力量。 第三章：景深的魔术——虚实之间，意境深远 景深，是摄影中一个既神秘又极具表现力的元素。它定义了画面中清晰的范围，也决定了照片所传达的情感和信息。理解并控制景深，是掌握摄影语言的关键一步。 我们将从“光圈”这个核心概念入手。你知道吗？光圈的大小，不仅影响着照片的曝光量，更是景深的前沿阵地。大光圈（小的f值），能够制造出迷人的“背景虚化”，将主体与背景完美分离，让人物的面部表情或花朵的娇艳更加突出，如同聚光灯下的明星。而小光圈（大的f值），则能带来“全景深”的效果，让画面中的每一个细节都清晰可见，适合拍摄壮丽的风景或需要展现丰富信息的场景。 快门速度与景深之间，看似独立，实则关联。虽然快门速度主要控制的是运动的捕捉，但它与光圈的配合，共同决定了最终的曝光，进而影响我们选择何种光圈来达到理想的景深效果。 “焦距”也是影响景深的另一重要因素。长焦镜头更容易制造出浅景深，而广角镜头则倾向于获得大景深。理解不同焦段的特点，将帮助你根据拍摄意图选择合适的镜头，并预测景深效果。 然而，景深的魔术远不止于此。我们将探索“超焦距”的概念，如何在拍摄风景时确保从前景到远景都清晰锐利。还会讨论“前景虚化”的应用，有时，将前景故意虚化，也能巧妙地引导观众的视线，并增加画面的层次感。 景深的运用，是摄影师在“虚”与“实”之间游刃有余的体现。它不仅是技术上的控制，更是艺术上的表达。学会运用景深，你可以将观众的注意力引导到你想让他们关注的地方，可以隐藏掉不必要的干扰，更可以营造出一种朦胧、梦幻或超现实的氛围。它是照片的呼吸，是情绪的表达，是意境的升华。 第四章：色彩的交响——情绪的调色板 色彩，是摄影中最直观、最富有情感的元素之一。它能够唤起喜悦、忧伤、宁静、激动等各种复杂的情绪。本章将带领你走进色彩的奇妙世界，学习如何驾驭色彩，让你的照片“唱”出动人的旋律。 首先，我们将从“色彩理论”的基础开始。了解三原色、三间色，以及它们之间的关系。色相、饱和度、明度，这些构成色彩基本属性的词汇，将变得生动起来。你将学会如何识别和运用“色彩搭配”，比如互补色的碰撞带来的视觉冲击，邻近色的和谐统一，以及单色的沉静内敛。 “色彩情感”是本章的核心。红色，是激情与能量；蓝色，是平静与忧郁；黄色，是温暖与希望；绿色，是生命与和谐。我们将分析不同色彩在不同文化和语境下的象征意义，并学习如何根据你想传达的情感来选择和运用色彩。一张日落的红橙色调，与清晨的淡蓝与粉紫，传递着截然不同的感受。 “白平衡”的精准控制，是色彩准确还原的基石。但有时候，我们也可以有意地“玩弄”白平衡，制造出冷调或暖调的画面，从而增强照片的艺术感染力。后期处理中的色彩调整，更是为摄影师提供了广阔的创作空间。如何通过调整饱和度、对比度、色阶来突出或减弱某些色彩，如何运用色彩滤镜来改变画面的整体色调，这些技巧将让你成为一个色彩的魔法师。 我们还将探讨“色彩构图”，色彩是如何与线条、形状相互作用，共同构建画面的。如何利用色彩的对比来吸引注意力，如何利用色彩的统一来营造整体感。 这不仅仅是关于看到颜色，更是关于“感受”颜色。当你能够用色彩来讲述故事，用色彩来表达情绪时，你的摄影作品将拥有更强大的生命力，它将不再仅仅是记录，而是一种深刻的沟通。 第五章：瞬间的永恒——时间与运动的凝固 摄影的本质，是对瞬间的捕捉，是对时间的凝固。但时间并非总是静止的，运动是世界的常态。本章将聚焦于如何在照片中表现和控制时间与运动。 “快门速度”，是控制运动的终极武器。极快的快门速度，能够让飞溅的水珠凝固在空中，让飞翔的鸟儿翅膀的细节清晰可见，仿佛时间被按下了暂停键。而极慢的快门速度，则能够将流动的光线拉成光轨，让奔腾的瀑布变成丝滑的丝绸，展现出动态的柔美和时间的流逝感。 我们会深入理解“运动模糊”的艺术。它并非错误，而是可以被精心设计的表现手法。通过控制快门速度，你可以选择性地模糊运动的物体，从而突出静止的画面，或者制造出速度的幻觉，让画面充满动感。 “追焦”技术，是另一种捕捉运动的有力手段。在主体运动的同时，让相机跟随其移动，实现主体清晰，背景模糊的效果，这能够极大地增强画面的速度感和临场感。 “曝光补偿”与“测光模式”的结合，是保证画面在不同光线和运动状态下曝光准确的关键。理解点测光、中央重点测光、评价测光（矩阵测光）的优势和适用场景，能让你在复杂的光线环境下游刃有余。 除了技术层面的掌握，本章还将引导你思考“时间”本身。一张照片，如何在有限的画面中暗示时间的流逝？如何通过捕捉决定性的瞬间，让照片承载更丰富的故事？一个孩子的奔跑，一次击掌的瞬间，一个飞扬的裙摆，它们都是时间的碎片，被凝固在永恒之中。 这章的练习，将鼓励你去观察周围动态的世界，去尝试捕捉那些稍纵即逝的美好。从街头匆忙的人群，到田野里随风摇曳的草叶，再到运动场上激烈的角逐，你将学会用相机去“感受”时间，去“理解”运动，并最终将它们化为触动人心的画面。 结语：你的眼睛，是最好的镜头 这套教程，不是终点，而是起点。它为你提供了理解和运用摄影语言的框架，但真正让你的作品脱颖而出的，是你对世界的观察，是你内心的情感，是你独特的视角。 当你掌握了光的语言，理解了构图的诗学，玩转了景深的魔术，驾驭了色彩的交响，凝固了瞬间的永恒，你会发现，你的眼睛，才是最强大的镜头。你的每一次按下快门，都将是你与世界的一次深刻对话。 摄影，是一种持续的学习和探索。愿你在这段旅程中，收获的不仅仅是技巧，更是对生活的热爱，对美的发现，以及用影像讲述属于你自己的故事的能力。去观察，去感受，去创作，让你的照片，成为你心灵最真挚的回响。

评分☆☆☆☆☆

这部摄影教材的上册，坦白说，我本来是冲着它名字里那响当当的“美国纽约摄影学院”几个字去的，心里构建了一个关于世界顶尖摄影教育的宏大蓝图。然而，实际翻阅下来，感受却是相当……朴实。它似乎更侧重于打地基，而不是教你如何快速搭建起一座华丽的殿堂。我期望看到一些能立刻点燃我创作火花的、关于现代艺术摄影思潮的深入剖析，或者至少是关于如何用光影来表达复杂情感的哲学探讨。但教材的重点似乎完全放在了如何正确地使用相机——那些关于快门速度、光圈、景深这些基础概念的讲解，虽然严谨，却冗长得让人昏昏欲睡。感觉像是在读一本非常详尽的相机使用说明书，只是被包装成了高等教育的范本。比如，它花了大量的篇幅解释为什么“曝光三角”是宇宙的真理，但我更想知道的是，当我知道了这些规则之后，我该如何有意识地去打破它们，去创造出属于我自己的视觉语言。这种对基础的过度强调，让我这个已经有点经验的拍摄者感到束手束脚，仿佛在被要求忘记过去所有的直觉和尝试，从零开始，用教科书规定的那套精确流程来丈量世界。如果这是一本完全的初学者指南，也许我会给出更高的评价，但对于渴望进阶的爱好者来说，这本书目前的呈现方式，实在显得有些“学院派”得过头了。

评分☆☆☆☆☆

说实话，作为一本声称来自国际知名学府的教材，我对它的内容广度感到十分惊讶——或者说，遗憾。我花了很大篇幅在寻找关于特定流派、特定时代大师作品的深入剖析，希望能从中汲取历史的养分，理解摄影是如何一步步演变成今天这番模样的。然而，书中的案例选择似乎过于保守和传统，大多围绕着影棚布光的基础实验和一些非常基础的风景静物练习。当代摄影，尤其是数字时代带来的冲击和变革，几乎没有被提及。例如，对于长曝光在城市夜景中的应用、多重曝光的艺术表达，甚至是如何利用现代后期软件进行非破坏性编辑的逻辑思路，这些在今天的摄影实践中至关重要的部分，在这本书里几乎是找不到的。它仿佛被定格在了胶片时代的全盛期，对于后来的技术革命和观念革新，它保持了一种沉默，或者说是无知。这种割裂感非常强烈，我感觉我正在学习一套经典而完整的武功秘籍，但秘籍的最后一页，刚好是关于如何使用“内力”而不是“兵器”的章节，而这本书，就停在了教授如何打造最锋利的兵器上。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书的“实操性”和“理论深度”之间存在着巨大的鸿沟，两者似乎是两个独立的作者完成的。前半部分对于器材的介绍和基础操作的讲解，详细到近乎啰嗦，我可以感觉到作者是在用最耐心的口吻教导一个从未碰过相机的孩子；但当我们进入到真正需要逻辑思辨的领域时，比如关于“视觉叙事结构”的章节，文字突然变得晦涩、抽象，充斥着大量需要反复阅读才能理解的长难句，缺乏清晰的逻辑推导和直观的图表辅助。这种风格的突然切换，让读者的学习曲线变得极其陡峭和不连续。我不得不频繁地在书中来回翻阅，试图将那些高深的理论概念，与前面介绍的那些机械操作联系起来，但效果甚微。它没有有效地架设起一座桥梁，连接起“技术执行”和“艺术表达”这两个至关重要的环节。最终的结果是，我记住了很多操作步骤，却依然不清楚这些操作步骤是如何服务于一个宏大的、具有个人印记的视觉目标的。它更像是一本优秀的技术手册的第一部分，而我期待的高等艺术课程，却迟迟没有登场。

评分☆☆☆☆☆

拿到书本时，首先映入眼帘的是那种典型的、略显陈旧的排版风格，大量的文字描述和略显过时的图例，让人联想起上世纪末的某些技术手册。我原本期待的，是一场视觉的盛宴，毕竟是关于摄影的，理应对“美学”二字有更敏锐的把握。这本书的叙事方式非常线性，几乎是以一种机械的、非情感化的口吻在推进。举例来说，在谈论“构图”这一核心要素时，它更像是在列举几何定理，比如黄金分割点的精确计算，如何利用引导线在画面中制造视线轨迹，这些知识点都是“正确”的，无可指摘，但缺乏灵魂。我总是在寻找那种能让我停下来，凝视图片并思考“为什么这个视角如此震撼”的案例，而不是仅仅被告知“因为垂直线与水平线保持了90度的关系”。摄影艺术的精髓，很大程度上在于对瞬间的捕捉和主观情绪的投射，而这本教材似乎刻意回避了这些“主观”的泥潭，选择在安全、可量化的技术层面打转。这使得学习过程变成了一种苦行，你需要耐下性子，将那些枯燥的理论咀嚼消化，但咀嚼完了，却发现嘴里留下的味道寡淡，缺少回味无穷的余韵。它教会了我“如何拍得清晰”，但没有触及“如何拍得动人”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，读起来有一种强烈的“命令式”和“绝对化”倾向，这对于培养创意思维来说，无疑是一种潜在的阻碍。每一个技术点都被阐述为唯一的真理，没有给读者留出太多质疑和探索的空间。例如，在讨论色彩理论时，它给出了一个非常明确的色轮应用指南，告诉读者哪些颜色是“和谐”的，哪些是“冲突”的，并且似乎暗示，偏离这些既定规则就意味着技术上的失败。我个人的经验告诉我，很多伟大的摄影作品恰恰诞生于对传统色彩搭配的勇敢反叛。这种“非黑即白”的教学态度，让人感到压抑，仿佛学习的不是一门艺术，而是一门精确的工程学。我更喜欢那种鼓励探索、提供框架而非固定答案的教材。我希望能看到“你可以这样做，但如果你想表达X情绪，也许可以尝试Y的非常规组合”这样的引导。然而，这部作品似乎更倾向于用标准化的流程来消除所有不确定性，这种对“完美技术”的执着，反而扼杀了实践中那种随机的美感和意外的惊喜。

评分☆☆☆☆☆

果断好书不解释，想了好久，终于入手

评分☆☆☆☆☆

很好的书

评分☆☆☆☆☆

不错，之前买过一本送人了，所以又买了一本，就是快递送过来有点小小的损坏，不过不要紧

评分☆☆☆☆☆

纸张太薄。内页的图片好多是黑白的，

评分☆☆☆☆☆

经典书籍，挺便宜的啊。。。。

评分☆☆☆☆☆

很好。。。很厚实的一本书啊啊啊

评分☆☆☆☆☆

物流很快，包装完整

评分☆☆☆☆☆

喜欢这种讲的点很具体很有逻辑的书，又不啰嗦～

评分☆☆☆☆☆

还不错，印刷质量还行，内容不错！