具體描述
● 收藏與展覽的考古學
● "收藏"的觀念 /25
●一 什麼是"收藏"？ /26
●二 收藏什麼？ /31
●三 為什麼收藏？ /42
●第二章 從mouseion 到奇珍室：博物館收藏的起源 /51
●一 亞曆山大裏亞繆斯神廟的真相 /52
●二 "奇珍室"：藏品的博物館 /58
●第三章 佛羅倫薩烏菲奇畫廊與藝術博物館的生成 /69
●一 烏菲奇之前的古代藝術品收藏 /72
●二 烏菲奇之前的當代藝術品收藏 /77
●三 烏菲奇之前的美第奇傢族收藏 /79
●四 瓦薩裏：曆史、藝術與機構 /86
●五 烏菲奇的綜閤 /98
●第四章 美術學院陳列館與沙龍：博物館的展覽製度 /103
●一 佛羅倫薩設計學院開啓先河 /104
●二 法國王傢繪畫與雕塑學院的收藏製度 /106
●三 法國王傢繪畫與雕塑學院的展覽製度 /110
●四 沙龍的"製度創新" /115
●部分目錄
內容簡介
什麼是博物館？什麼是藝術史？什麼是可視的藝術史？什麼是圖像和圖像的自主性？圖像在錶現內容的同時，又如何錶現自己？
《可視的藝術史：從教堂到博物館》以作者在歐洲研究和工作期間實地考察、采集的大量**手資料為基礎，嘗試以跨媒介藝術史的視野、細膩的圖像分析和充分的個案討論，穿越曆史迷霧，在現代博物館體製、現代藝術史敘事與前現代的教堂體製和空間布局之間，建構起鮮為人知的因果聯係。 李軍 著 著作 李軍，中央美術學院教授，人文學院副院長，1987年畢業於北京大學。1996—1997、2002—2004年、2011—2012年和2013年，分彆在巴黎靠前藝術城、法國國傢遺産學院、巴黎**大學、哈佛大學本部和哈佛大學佛羅倫薩文藝復興研究中心，從事文化遺産和跨文化、跨媒介藝術史研究。2014年任意大利博洛尼亞大學客座教授。
代錶作品：專著《希臘藝術與希臘精神》 《穿越理論與曆史——李軍自選集》；譯著《宗教藝術論》 《拉斐爾的異象靈見》；主編“眼睛與心靈：藝術史新視野譯叢”（北京大學齣版社）。
用戶評價
評分這本書的結構設計堪稱精妙，它似乎有意避開瞭那種嚴格的綫性時間軸敘事，而是采用瞭一種更具啓發性的“主題式串聯”。一章可能從古希臘的雕塑講起，但下一章可能就會跳躍到19世紀的浪漫主義繪畫，但兩者之間卻通過某種共通的“人體錶達”或“理想化”的主題被巧妙地聯係起來。這種非綫性的敘事方式，極大地避免瞭閱讀疲勞，也更容易讓人建立起跨越時代的藝術關聯性思維。它讓我意識到，那些看似毫不相乾的藝術作品，其實都在迴應著人類永恒不變的某些核心命題。這種“網狀”的知識結構，對我來說比那種“A-B-C”的年代順序更有助於記憶和理解。而且，書中對於不同文化背景下“美”的定義的探討，也極其富有思辨性，它挑戰瞭我們固有的一些審美觀念，促使我們反思，什麼是藝術，誰來定義藝術。
評分這本書，怎麼說呢，簡直是藝術史學習的一場視覺盛宴。我原本以為藝術史這種東西，無非就是年代、流派、人名、作品的堆砌，讀起來枯燥乏味，估計又要靠咖啡因硬撐著熬過去。可這本書完全顛覆瞭我的想象。它不像那種教科書，密密麻麻的文字看得我頭暈眼花，而是真正做到瞭“將藝術史可視化”。翻開任何一頁，首先映入眼簾的就是那些高清、色彩飽滿的畫作復製品，感覺就像是把盧浮宮、大英博物館直接搬到瞭我的書桌上。而且，作者在排版上下瞭極大的功夫，圖文的結閤簡直是天作之閤。他們沒有簡單地把圖片塞在文字旁邊，而是通過信息圖錶、時間軸的梳理，將復雜的藝術演變脈絡清晰地呈現齣來。比如，當講到文藝復興如何從哥特式藝術中掙脫齣來時，書中會用對比圖的形式，並肩展示兩者的風格差異，那種“原來如此”的頓悟感，遠勝於乾巴巴的文字描述。對於我這種視覺型學習者來說，這本書簡直是救星。它讓我不再是“記住”藝術史，而是真正“看懂”瞭藝術史的演變軌跡。我甚至會花好長時間對著某一幅畫的細節圖研究，因為排版和注釋，讓我能更深入地理解當時畫傢的筆觸和構圖的深意。
評分這本書的敘事手法極其流暢且富有感染力，完全沒有傳統藝術史書籍那種高高在上的學術腔調。讀起來的感覺，更像是一位學識淵博卻又極其風趣幽默的朋友，帶著你穿越時空，漫步在人類文明的藝術長廊中。作者的文字功底非常紮實，但又不失親切感，他總能找到一個非常恰當的角度來切入一個藝術傢的生平和創作背景。比如，在描述巴洛剋藝術的戲劇性和情感張力時，文字描述的場景感極強，讓你仿佛能聽到音樂的激昂和雕塑人物的低語。更讓我贊嘆的是，它並沒有局限於西方主流藝術，而是非常審慎地將全球範圍內的藝術形式納入考量，讓讀者的視野一下子開闊瞭許多。閱讀過程中，我時不時會停下來，拿齣手機去搜索書中提到的某個冷門但極具啓發性的文化背景資料，這錶明作者成功地激起瞭我的求知欲，讓我從被動的接受者，變成瞭主動的探索者。這種“引導式”的學習體驗，是我在其他同類書籍中很少找到的。這本書不僅僅是知識的傳遞，更是一種對藝術靈魂的對話。
評分最讓我驚喜的一點是，這本書的選材非常注重“廣度與深度”的平衡。它既沒有忽略那些耳熟能詳的大師傑作，同時也發掘和介紹瞭許多在主流藝術史敘事中容易被遺漏的邊緣藝術或地方性藝術實踐。這讓整個閱讀體驗變得豐富而不單調。比如，書中對某些非西方古代文明的裝飾藝術的介紹，其文字的精煉和配圖的衝擊力，絲毫不亞於對達芬奇作品的分析。這種包容性和全球視野，極大地提升瞭這本書的價值。它不是一份高高在上的“定論”，而更像是一份邀請函，邀請讀者一同探索藝術世界中那些未被充分發掘的寶藏。讀完之後，我不再滿足於在博物館裏走馬觀花地看畫，而是開始帶著更深層次的問題去觀看——這些作品是如何誕生的？它想對同時代的人說什麼？這種由內而外的求知欲，是任何一本平庸的藝術史讀物都無法給予的。
評分說實話，我之前對很多藝術流派的理解都停留在錶麵的標簽上，比如“印象派就是模糊的光影”、“立體派就是把東西切碎瞭重組”。然而，這本厚重的作品，真正教會瞭我如何“解構”藝術。它深入到技術層麵，但又用極其易懂的方式來闡釋那些復雜的技法演變。比如，關於油畫顔料的改良如何直接影響瞭文藝復興後期色彩的飽和度，或者透視法從早期嘗試到成熟運用的每一個關鍵節點，書中都有詳盡的分析，而且配圖精準到位，將技術與美學成果緊密聯係起來。這種對細節的把控，顯示齣作者極高的專業素養和匠人精神。我特彆喜歡其中關於材料學的探討，它讓我意識到，藝術的發展從來都不是孤立的，它深深植根於當時的材料科學、社會經濟結構乃至哲學思潮之中。讀完某個章節，我甚至能更理性地去評價一幅畫作的“成功”之處，不再僅僅憑感覺，而是能從技術實現和時代語境兩個維度去審視它。
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